Esquina do Rock

Supper’s Ready - Listen to the Pictures (2000) [Luxembourg]

2011-12-03T03:43:00.001-08:00

A não muito tempo postei um grupo de Luxemburgo aqui no blog chamado No Name, voltando novamente a esse pequeno país da Europa Ocidental pra falarmos de outra banda vindo de lá. O grupo dessa vez é o Supper’s Ready. Embora a banda nos faça pensar logo de cara no Genesis devido ao nome em homenagem ao grande épico da banda inglesa, a sonoridade aqui encontrada está mais voltada a bandas como Edgon Heath e Twelfth Night, alem de que o uso de guitarras elétricas é bem mais evidente do que o que o Genesis fazia na sua fase 70’s. Também não devem ser confundido com o grupo italiano de mesmo nome.
O grupo nessa sua estréia e até hoje ultimo álbum já que após esse lançamento a banda simplesmente desapareceu e, ainda que não tenham encerrado oficialmente as atividades, seu hiato já dura quase 12 anos, apresenta uma musicalidade mesmo que não tão original, bastante bonita, guitarras influenciada entre outros guitarristas, por David Gilmour nas suas partes mais amenas, instrumentações sempre feitas de forma suave por parte de todos os músicos, os vocais estão muito bem entregues a bela voz de Pol Feltes. O maior destaque do álbum está mesmo na ultima faixa, “Indochine” é uma verdadeira obra de arte e só por ela já valeria a pena conhecer esse álbum. Bom, alem do que já disse, pra finalizar, a banda também poderia ser chamada de uma versão mais moderna do Camel ou menos eletrônica dos suecos do The Foundation, um som acessível, moderno, melódico com teclados digitais e uso de forma de muito bom gosto dos instrumentos tradicionais alem dos adicionais como flauta e sax.
Vale uma conferida.

1.Images Of Childhood (7:58)
2.Ordinary Man (5:19)
3.Esperanta Latina (8:55)
4.Farewell (4:40)
5.Open Mind (3:30)
6.Paradise Lost (2:03)
7.Days Of War (2:37)
8.Harlequin (5:30)
9.Indochine (10:32)

Download: http://www.mediafire.com/?g8ha1mv48qmu51k

Lot Lorien - Eastern Wind (2009) [Bulgaria]

2011-12-02T06:16:00.000-08:00

Lot Lorien é um grupo búlgaro o qual a sua vertente pode-se definir muito bem como World-Fusion Progressivo e, que vem a cada dia que passa ganhando mais espaço com a sua música pelo continente europeu. Começaram a sua caminhada por volta de 1998, como projeto idealizado pelos seus hoje lideres Kiril Georgiev e Zlatomir Valchev, tendo as obras de J.R.R Tolkien como inspiração, tanto que foi através de suas obras que veio o nome do grupo.
As linhas de composições do grupo soam de forma bastante original na questão da mistura folclórica típica das músicas Balcãs e de outras partes européias com a sonoridade do rock progressivo alem de algumas pinceladas de jazz. Muito bom também é perceber a forma que a banda consegue fazer com que as músicas folclóricas soem de maneira contemporânea, fazendo assim com que o som torne-se bem mais acessível a pessoas de qualquer parte do mundo, independente da preferência de som nessa área. Outro destaque é a imponência do som do grupo, sempre reforçado por ótimas camadas de instrumentações através de violão, baixo, violino, vocal feminino, bateria, teclados, percussões alem claro, do uso de sons típicos da região.
Uma banda que ainda está dando os seus primeiros passos e lançaram dois álbuns até então, mas de um cartão de visita extremamente animador pra qualquer um que se aventura em viajar no som do grupo.

1.Awakening (3:04)
2.Mari Mariiko (3:35)
3.Legends (3:53)
4.Dreaming you (Lot Lorien featuring Ina Kantcheva) (3:24)
5.The moon (dedicated to N. Scott Robinson) (4:41)
6.The rock (3:35)
7.Eastern wind (4:18)
8.To nurture a swallow (4:55)
9.Mila moya mayno Iyo (3:43)
10.The beginning (3:20)
11.Toward you (dedicated to Todor Tchapkanov) (6:36)

Download: http://www.mediafire.com/?nlp7z2eddkj7bv9

Gösta Berlings Saga - Glue Works (2011) [Sweden]

2011-12-01T09:44:00.001-08:00

Gösta Berlings Saga trata-se de um grupo nascido no subúrbio de Estocolmo por volta do ano 2000 e fortemente cativado pelos sons de Hansson & Karlsson, começou a fazer músicas instrumentais, com base em baterias e órgãos, esboçando sonoridades de certa forma divertida e melódica. Até o exato momento, a banda conta com três ótimos trabalhos, sendo o escolhido por mim pra apresentar o grupo aqui no blog, o seu mais recente.
Bom, a linha progressiva que a Gösta Berlings Saga seguiu nos seus dois primeiros álbuns é novamente apresentada em Glue Works, ou seja, uma música de difícil descrição onde não se tem limites na quantidade de influências. O grupo volta a passear por vários caminhos como o da Musica Experimental, Jazz, RIO, Space Rock entre outros, mas sempre com bastante propriedade e nunca se perdendo em seus próprios turbilhões de idéias, muito pelo contrário, cada peça desse quebra cabeça sonoro se encaixa uma nas outras mostrando um álbum bastante coeso. Mais uma vez, a bagunça organizada das loucuras totalmente sãs do grupo deu certo.

1.354 (5:54)
2.Icosahedron (3:12)
3.Island (12:58)
4.Gliese 581g (5:53)
5.Waves (2:55)
6.Geosignal (2:22)
7.Soterargartan 1 (12:51)

Download: http://www.mediafire.com/?w5o45cqdjnygsjh

Crucible – Tall Tales (1998) [USA]

2011-11-30T17:59:00.001-08:00

Surgida no fim dos anos 80 na cidade de Connecticut, a banda costuma ser mais citada como um grupo de Neo-Prog, mas acho que está bem mais pra uma banda de Progressivo Sinfônico mesmo, principalmente por ter sua sonoridade mais inclinada ao estilo progressivo clássico sem buscar muitas sonoridades mais modernas como é o caso dos grupos de Neo-Prog.
O primeiro álbum dos dois do grupo lançado até hoje, “Tall Tales”, é de uma qualidade surpreendente pra uma estréia. Uma notável influência que se pode perceber logo de cara após ouvir ao álbum pela primeira vez é no Rush, tanto pelas letras de caráter místicos quanto nos vocais bem ao estilo de Geddy Lee. No geral um trabalho de musicalidade bastante sólida, atmosfera agradável que remete a uma nostalgia dos anos 70, mas sem soar como uma cópia ruim do passado transferida pra nossa época, mas sim, como um grupo a somar de música de extremo bom gosto no período do Rock Progressivo pós 1990.
Atualmente a banda está em um hiato iniciado em 2004.

1.Over the Falls (7:05)
2.The Poet Liar (5:00)
3.Find the Line (4:05)
4.Lords and Leeches (11:21)
5.In Ancient Tongue (3:08)
6.The Salamander (4:52)
7.Land for Sale (4:47)
8.An Imp's Tale (21:09)
a.Twice Upon a Time
b.Adrift
c.Stone of the Wise
d.The Mortal Flaw
e.Nomad Brad
f.Release the Imps
g.Day of the Hunting Dwarf

Download: http://www.megaupload.com/?d=0OSFCQEK

Pan and Regaliz - Pan and Regaliz (1971) [Spain]

2011-11-30T10:47:00.000-08:00

Podemos dizer com toda certeza que esse grupo foi um dos primeiros grupos de rock da Espanha a lançar um álbum. Formada nos subúrbios de Barcelona no fim dos anos 60 e liderada por Guilermo Paris, a banda teve os nomes Els Mussols e Aqua de Regali com o qual lançaram alguns singles antes de batizarem o grupo de Pan & Regaliz. Na sonoridade da banda nota-se de cara uma influência no álbum “This Was” dos britânicos do Jethro Tull principalmente pelas incorporações de flautas, embora a Pan & Regaliz faz isso com mais experimentalismo, o grupo também tem uma veia sonora que nos remete mesmo que de maneira pouca a Jimi Hendrix e ao estilo Krautrock de soar.
Um álbum de uma ótima atmosfera sonora extremamente lisérgica e de suma importância pra toda a cena rock ‘n’ roll espanhola que viria na década.
Trabalho extremamente recomendado.

1.One More Day (3:22)
2.Waiting In The Monsters Garden (3:08)
3.Dead Of Love (3:05)
4.Thinking Of Mary (3:22)
5.A Song For The Friends (2:10)
6.When You Are So Bringdown (3:08)
7.Today It Is Raining (3:06)
8.I Can Fly (9:09)

Bônus:

9.Magic Colors (2:35)

Download: http://www.mediafire.com/?vd9dlbef71gfkwa

Crome Syrcus – Love Cycle (1968) [USA]

2011-11-30T10:38:00.000-08:00

A banda Crome Syrcus teve o seu inicio originalmente na cidade de Seatle, tendo logo em seguida, mudado pra São Francisco. Começaram a criar músicas mais ativamente no ano de 1968, quando o auge da sonoridade pop/psicodélica estava em alta em território americano e principalmente pros lados de São Francisco até que em 1969 lançaram seu único registro intitulado “Love Cycle”.
A sonoridade apresentada nesse álbum é aquela conhecida fórmula dos anos 60, pop com uma veia psicodélica, mas o grupo faz algo além disso, com expressões artísticas que vão alem das fronteiras de formulas mais populares, usando solos de guitarras selvagens de sonoridade atávicas, arranjos confusos, referência a música coral clássica, orquestrações e sequência de flautas pastoral.
Uma abordagem musical que agrada em cheio principalmente aos fãs dos sons psicodélicos da década de 60.

1.Take It Like A Man (3:35)
2.You Made A Change in Me (5:24)
3.Crystals (3:01)
4.Never Come Down (3:47)
5.Woman Woman (1:48)
6.Love Cycle (17:24)

Download: http://www.mediafire.com/?a9g71k678s21m85

Cos – Viva Boma (1976) [Belgium]

2011-11-30T07:17:00.000-08:00

Cos foi um interessante grupo belga que durante a sua carreira de cerca de 10 anos, entre 1974 e 1984 lançou 5 álbuns, sendo os três primeiros os que merecem destaque e, em Viva Boma onde o grupo ao meu ver, atingiu o seu ápice criativo. O grupo pode ser classificado como sendo da Cena Canterbury por conta das misturas rock progressivo com jazz espelhado na banda Hatfield and the North, mas além desse caminho, a banda também se influência pelo Zeuhl de grupos franceses como Magma e principalmente pelo Zao, nota-se também alguns toques ao estilo King Crimson na sua musicalidade.
Ainda que devido a tantas referências possa parecer que se trata de um álbum de difícil assimilação sonora, não o vejo dessa maneira, tudo é bem dosado e, sem exagero ou extravagância, uma mistura 100% acertada de uma das bandas mais originais do cenário daquele período.
Vale à pena conferir

1. Perhaps next record (1:25)
2. Viva Boma (2:35)
3. Nog verder (4:32)
4. Boehme (3:17)
5. Flamboya (7:33)
6. In Lulu (4:08)
7. L'idiot Léon (10:48)
8. Ixelles (5:02)

Bônus:

9. Mon rebis (previously unreleased) (6:03)
10. Reine de la vallée (previously unreleased) (4:17)
11. Nog verder (demo version) (7:22)
12. Fanfan la Tulipe (vocal improvisation) (2:38)

Download: http://www.mediafire.com/?eq3ed28chisi8a4

Dennis – Hyperthalamus (1975) [Germany]

2011-11-17T08:05:00.000-08:00

Impossível negar que o baterista Carsten Bohn foi um dos pilares no que diz respeito a primeira leva de bandas do rock alemão no início dos anos 70. Antes de criar em 1973 a banda Dennis, nome que era uma homenagem ao seu filho, Carsten tocou nos grupos City Preachers no ano de 1969 e no Frumpy de 1970 até 1972.
Dennis poderia ser chamado de uma espécie de super grupo alemão já que contava com uma line up que estavam em constantes mudanças em que eram formados por membros ou ex membros de bandas alemãs da época como o já citado Frumpy, alem de Tomorrow’s Gift, Thirsty Moon, Xhol e Ougenweide.
A musicalidade apresentada no seu único álbum é baseada em improvisação coletiva que varia entre veias de rock e o jazz dependendo de qual musico estamos falando, pra quem conhece os trabalhos das bandas Thirsty Moon e Tommorrow's Gift provavelmente vai se sentir um pouco mais familiarizado com certas sonoridades.
Um álbum de uma atmosfera sonora simplesmente incrível, mas que infelizmente é muito difícil de obter um exemplar original, já que nunca foi lançado em CD e os números de LPs existentes são poucos. Mas é extremamente recomendável em ser conhecido.
Uma pena só terem esse registro, mas sempre deixaram claro que o projeto era apenas uma diversão momentânea mesmo, tendo fim em 1974, um anoa antes do lançamento desse album postado no blog.

1.Do Your Own Thing (7:18)
2.Others Do (3:56)
3.Already (6:47)
4.Grey Present Tense (19:24)

Download: http://www.megaupload.com/?d=Q971XNC4

Pekka Pohjola - Harakka Bialoibokku (1974)

2011-11-17T05:51:00.000-08:00

Sempre que me perguntam sobre algum artista que em uma discografia de mais de oito álbuns pode ser considerada extremamente regular, quem me vem em mente é o músico Pekka Pohjola, embora um tanto desconhecido do grande público, em 13 álbuns de estúdio em nenhum deles eu posso dizer que me decepcionou. Ainda que, não podemos dizer que todos são obras primas como o álbum desta postagem, Visitation ou Jokamies, todos aos menos, tem muita qualidade.
Harakka Bialoibokku é um album extremamente encantador, embora seja classificado como Jazz, Fusion e coisas do gênero, o álbum é capaz de agradar até mesmo as pessoas que não costumam citar essas vertentes como uma das suas preferidas. Musicalidade de fácil acesso, com idéias sempre fantásticas tanto de baixo como pra piano por parte de Pohjla, unido sempre ótimas percussões e não menos elogiáveis passagens de sax. Praticamente não se nota guitarra elétrica e sinceramente, não chegou a me fazer falta devido à riqueza sonora obtida pelos outros seguimentos que já disse mais acima.
Enfim, uma performance melódica, dramática, repleta de sutileza e sobre tudo, enorme beleza.

1.Alku (2:10)
2.Ensimmäinen aamu (5:35)
3.Huono sää / Se tanssii... (6:55)
4....ja näkee unta (4:35)
5.Hereilläkin uni jatkuu (4:42)
6.Sekoilu seestyy (4:18)
7.Elämä jatkuu (6:42)

Download: http://www.megaupload.com/?d=U3CM53EH

Fusonic – Desert Dreams (2010) [Netherlands]

2011-11-17T03:44:00.000-08:00

Bom, todas as pessoas que me conhecem sabem da minha paixão pelo rock progressivo e, com isso estou sempre a pesquisar sobre não apenas as velharias do estilo, mas está sempre acerca das novidades que esse universo musical nos tem a oferecer. Em meio a essas viagens, uma das minhas ultimas descoberta foi a Fusonic, grupo holandês de progressivo sinfônico fundado na cidade de Hilversum em 2008, e que por dois anos trabalharam no seu álbum de estréia, Desert Dreams, lançado em 2010.
O grupo nos brinda com uma musicalidade extremamente refinada e de bom gosto, o guitarrista, apresentado simplesmente com o nome de Teo, tem idéias que nos faz pensar em uma mistura de David Gilmour com Jan Akkerman. É um músico que toca pra banda e não pra sua própria "glória", mais ou menos como Steve Hackett fazia no Genesis. Harry Ickelsheimer, tecladista e baixista do grupo, é o responsável pela cama sonora que com um clima espacial quase hipnótico encaixa como uma luva nas guitarras já mencionadas anteriormente, além, claro, do uso de belos, criativos e muito bem cadenciados pianos. Na bateria, Ronald Hoogwout, mostra uma técnica impecável e um timing não menos do que perfeito, se comporta de forma tranqüila como uma espécie de metrônomo humano. Um álbum ótimo do início ao fim e que já nos deixa animado e curioso em saber quando virar o segundo registro.

1.Beyond Music (5.00)
2.Entrance (2.26)
3.Into The Dream (4.47)
4.Desert Theme I (2.10)
5.Yellow Horses (5.54)
6.Bachianas (7.30)
7.Desert Theme II & III (4.15)
8.My Green Oasis (9.23)
9.Brazilieras (6.49)
10.Desert Theme IV (2.08)
11.Fata Morgana (3.40)
12.Desert Dawn (6.13)
13.Endless - Exit (8.21)
14.New Feelings (5.29)

Download: http://www.megaupload.com/?d=IICLQD7C

Special Post: Steve Hackett (15 Albuns) [U.K]

2011-10-04T14:47:00.000-07:00

Steve Hackett é o tipo de guitarrista que agrada qualquer pessoa que goste de um estilo refinado e elegante de se tocar guitarra. Muito mais do que lembrar e, principalmente conhecê-lo como o ex-guitarrista do Genesis, acho que todos deveriam tentar se aprofundar na obra solo do músico que construiu uma carreira de trabalhos de extrema qualidade e versatilidade, nunca se prendendo a rótulos, mas sempre soando de forma única, não importa qual gênero da vez que o mesmo estaria flertando, se com o jazz-rock, pop (talvez o único estilo que de fato não soava muito legal com ele), rock progressivo, música brasileira, blues, violão clássico ou música erudita. O que acontece de fato é que, pra Steve Hackett pouco importa qual seja o campo musical que o mesmo esteja pisando, no fim ele sempre vai fazer brotar música de extremo bom gosto acima dele.

Mesmo tendo saído do Genesis apenas depois de 1977 pra dar início ao menos em minha opinião, a uma carreira solo infinitamente superior ao que sua ex-banda iria desenvolver em seus anos seguintes, dois anos antes o músico havia mostrado pela primeira vez o potencial de um guitarrista que embora tivesse alguns momentos de brilhantismo no Genesis pós Peter Gabriel, por muitas outras vezes teve que se deixar ofuscar pela “ditadura” de Banks imposta naquela época. O clima entre ambos não estavam nada bem, tanto que “coincidentemente” o único membro do Genesis não convidado pra participar do seu álbum de estréia foi justamente Tony Banks.

“Voyage Of The Acolyte”, álbum de estréia da carreira solo de Steve Hackett, mesmo cerca de 35 anos e mais de 15 albuns de estúdio lançados depois, continua a fazer parte do top 3 de 9 entre 10 fãs do guitarrista. Também pudera, o álbum faz jus a toda essa adoração sendo um dos grandes lançamentos do Rock Progressivo daquele ano de 1975, disco de sonoridade bastante complexa tocada por um guitarrista que embora influenciado pelos trabalhos de sua ainda atual banda, também soube mostrar uma visão particular de sua proposta sonora de forma bastante criativa e melodiosa alem de contar com uma excelente banda, que tinha como convidados os já mencionados amigos de Genesis, Phil Collins e Mike Rutherford. Nesse disco também se encontra uma das mais belas músicas da carreira do guitarrista, “Shadow of the Hierophant” que contem um dos finais mais belos que já ouvi até hoje, com uma melodia que começa tímida e cresce chegando a um fim épico, essa música inclusive conta com a participação de Sally Oldfield, irmã do Mike Oldfield.

Três anos após essa excelente estréia e agora totalmente desligado do Genesis, o guitarrista lança em Maio de 1978 seu segundo álbum, intitulado “Please Don’t Touch”, mais uma vez um grande time de músicos o acompanhando, entre eles seu irmão John Hackett, Chester Thompson, Randy Crawford, Richie Havens e Steve Ealsh., esse último por sinal faz o vocal na faixa do álbum que é uma homenagem a Agatha Christie, “Carry On Up The Vicarage”, e falando em homenagens, essa não foi a única, o guitarrista também homenageou sua esposa Kim na faixa de mesmo nome. Nessa segunda experiência solo, novamente se mostrou bastante inspirado e fez um trabalho que facilmente entra no rol de obrigatórios entre os fãs do músico.

No ano seguinte, mais precisamente após um ano do lançamento de “Please Don’t Touch”, é lançado em Maio de 1979 o álbum “Spectral Mornings”. Em sua terceira empreitada solo, Steve Hackett conseguiu fazer aquele que para muitos, inclusive pra esse que vos escreve, é o único álbum que bate de frente, digamos assim, com “Voyage Of The Acolyte”. Uma verdadeira jóia do Rock Progressivo, ainda mais vendo quando foi seu lançamento, ano em que sabemos que não se tratava de uma época boa pras bandas do gênero, tanto que ou estavam acabando ou reformulando a sua sonoridade pra poder atender as exigências musicais da década seguinte. “Spectral Mornings” é daqueles álbuns que podemos dizer sem medo que é ótimo do começo ao fim. E já que citei as duas extremidades do disco, é lá mesmo que se encontram seus maiores destaques “Every Day” e “Spectral Mornings”, na primeira, até mesmo a habilidade de Hackett que nunca foi destaque nenhum na sua carreira como é o caso da vocal, ele soube fazer de forma muito bem feita e digna de elogio, alem de que a música conta com um dos solos de guitarra mais belos da carreira do músico. Já na segunda as coisas não deixam nada a desejar também “Spectral Mornings” é uma espécie de coletânea das características do músico em uma única faixa, ou seja, encontra-se bela melodia em uma forma extremamente pessoal de tocar onde até o mais simples dos acordes soam diferente devido a sua maneira emotiva de expressar com a guitarra.

Novamente no ano seguinte ao lançamento de um álbum, Hackett já aparece com mais um disco, em 1980 é a vez dos fãs serem apresentados a “Defector”, devo imaginar que pra os que vinham acompanhando a carreira dele na época o otimismo estava em alta, pois o músico vinha de um trabalho simplesmente incrível. Pois bem, “Defector” não está no nível de seu antecessor, mas sem dúvida alguma tem ótimos momentos, como por exemplo, a faixa de abertura, “The Steppes” um dos destaques do álbum e também da própria carreira de Steve Hackett, ou então a faixa “The Toast” que conta uma linda flauta sobre uma não menos elogiável cama melódica. Através desse álbum, Steve Hackett encerra uma fase iluminada de sua carreira. O que se vê adiante muitas vezes foge bastante do que ele fez nos seus quatro primeiros álbuns, mas não entenda isso como queda de qualidade da sonoridade dos discos, em alguns momentos mesmo que com uma roupagem diferente, existem álbuns com grandes momentos também, embora o próximo álbum de fato, não seja nada agradável.

Começando a década aparentemente disposto a dar uma renovada em seu som, Steve Hackett fez isso até mesmo com os músicos que o acompanham, da banda que havia gravado os dois discos anteriores apenas permaneceram o flautista e tecladista, John Hackett e o tecladista Nick Magnus. Também começa a década lançando mais um álbum, em 1981 sai o quinto disco do músico intitulado “The Cured”. Como dito anteriormente, o som que o ouvinte irá se deparar de agora em diante não será o mesmo, em “The Cured” ainda temos a veia de progressivo, mas em bem menor escala, dando boa parte do seu espaço a uma sonoridade mais voltada a um pop de qualidade bastante decepcionante, ainda mais pra algo em termos de Steve Hackett, logo de cara com a faixa de abertura “Hope I Don’t Wake Up” se nota que será um álbum difícil de engolir, com até mesmo as guitarras não soando bem, talvez pela cama brega armada pelos teclados do trabalho, “The Cured” é uma aula de como não começar uma nova fase da carreira de um músico, dessa vez nem a capa salvou.

Dois anos se passaram e esse tempo sem lançar um álbum de inéditas fizera de certa forma bem pra Steve Hackett. Depois de “The Cured” ele retorna com “Highly Strung”, longe de ser um álbum de qualidade inquestionável, mas sem sombra de dúvida merece elogios em alguns momentos, como nas faixas “Camino Royale”, “Always Somewhere Else” e “Group Therapy”. Steve Hackett aqui continua a soar com a cara da música pop que reinou no começo dos anos 80 mas ao menos, dessa vez também apresenta uma grande influência do jazz-rock. Aqui o guitarrista cantou em todas as faixas não instrumentais, mas soando bem diferente da forma que havia feito nos quatro primeiros álbuns da carreira, o que causa um certo estranhamento a primeira audição, mas não compromete o acabamento final.

No mesmo ano de 1983, Steve Hackett lança o álbum “Bay of Kings”, ao lado apenas de John Hackett que ficou com as partes de flauta e Nick Magnus responsável pelos teclados. Aqui a idéia foi em produzir um disco acústico, o resultado foi bastante satisfatório e belo. Nesse álbum o músico demonstra todo seu amor pelo violão de cordas de nylon, paixão essa que começou no instante em que ele viu o espanhol Andrés Segovia tocar obras de Bach no violão. Interessante que alem das músicas contidas no álbum, Steve Hackett também optou por fazer duas releituras de composições suas, de “Kim”, do álbum “Please Don’t Touch” e de “Horizons”, música da sua época de Genesis, pertencente ao álbum “Foxtrot”. Com certeza lançar “Bay of Kings” após dois discos tão diferentes de sua carreira, serviu pra mostrar que aquele excelente músico da segunda metade da década de 70 não estava entrando em decadência e que ainda tinha muita lenha pra queimar.

Após um ano literalmente de altos e baixos, com o lançamento de dois álbuns de sonoridades bem distintas, Steve Hackett entra em estúdio mais uma vez, agora pra gravar aquele que é conhecido como o seu “álbum brasileiro”, trabalho que teve como resultado o disco “Till We Have Faces”, provavelmente o disco mais “8 ou 80” do guitarrista, ao mesmo tempo que se vê pessoas que o amam, também acontece o contrário, pessoas que o odeiam do fundo de sua alma. Provavelmente por ser casado com uma brasileira e visitando com regularidade o país, Steve Hackett achou que era hora de gravar um disco com músicos brasileiro, e foi isso que ele fez, deixando apenas a mixagem pra ser feita na Inglaterra. Muitas vezes o álbum é puro experimentalismo e fusão de ritmos, em certos pontos o que se vê é uma levada jazzística e dois bateristas tocando simultaneamente, caso da faixa “Rio Connection”. Em, “Matilda Smith-Williams Home For The Aged” a banda se mostrou bastante influenciada pelos ritmos brasileiros, com certeza é a faixa mais sambista do trabalho. Também existem influências no baião, mas nem sempre se encontra ritmos brasileiros nas músicas do álbum, em “The Gulf”, por exemplo, não se encontra nada. Com certeza foi um álbum que agradou bastante a fãs no Brasil, mas nunca foi visto com bons olhos fora daqui. Mas algo é inegável, na época de “Till We Have Faces”, mesmo o álbum sendo considerado por muitos de World Music, sempre foi definido como algo sem rótulo, que no fim das contas é o que Steve Hackett sempre quis buscar quando resolveu sair do Genesis e tomar seu próprio rumo.

Steve Hackett usou o fim de 1987 pra começar a trabalhar em seu novo álbum, “Momentum”, álbum lançado em 1988, mas é bom deixar claro que durante esses quatro anos entre “Till We Have Faces” e “Momentum”, Steve Hackett ainda esteve em estúdio, dessa vez com o “super grupo” “GTR”, ao lado de músicos de peso, entre eles o não menos genial guitarrista Steve Howe, projeto que mesmo com muitos nomes talentosos no papel, o resultado sairia bem abaixo da média, mas isso não vem ao caso, o assunto aqui é a obra solo do guitarrista . Voltando com “Momentum”, mais uma vez a idéia aqui foi de ser um álbum acústico, mas ao invés de um trio como em “Bay of King”, o que se vê aqui é uma dupla formada pelos irmãos John e Steve. Nunca entendi porque desse ser o álbum nesse formato mais esquecido do músico já que a sua qualidade não deixa a desejar a nenhum dos outros lançados por ele. Mesmo o trabalho sendo de ótima qualidade e bem homogêneo, destaco as faixas “Cavalcanti” e “The Sleeping Sea” entre as demais. Steve Hackett mais uma vez brindou a todos com um lindo disco tocando de forma primorosa. Após “Momentum”, o guitarrista decide ficar sem lançar um álbum de inéditas por 5 anos, sendo assim, seu próximo algum, “Guitar Noir” sai do forno no ano de 1993, mas na verdade o músicos já vinha trabalhando em estúdio nele desde 1991.

Chegado o ano de 1993, alem do lançamento do seu novo álbum, “Guitar Noir”, o ano também representa a primeira visita do momentos e belas canções que merecem ser reconhecidas entre as melhores de toda carreira de Steve Hackett. Sonoridade bastante atmosférica, com uma boa mistura de guitarra acústica e elétrica. A versão americana do álbum tem um atrativo a mais, e que atrativo, na ultima faixa do disco, “Cassandra”, o guitarrista tem como seu parceiro ninguém menos que Brian May, pena que a música tem um solo curto, mas que nos faz pensar que ótimo seria poder ouvir os dois tocando junto em um álbum inteiro. Alem disso músicas como “Sierra Quemada”, “Take These Pearls” e “Little America” mostram mais uma vez toda a competência, sensibilidade e capacidade do músico em criar canções cativantes. Em “Guitar Noir”, Steve Hackett mostra uma inspiração não vista em muitos anos, claro, exceto em seus trabalhos mais voltados as músicas acústicas, onde ele nunca, digamos, deixou a peteca cair.

Após um bom trabalho em “Guitar Noir”, no ano seguinte Steve Hackett entra mais uma vez em estúdio pra mostrar o porquê de ser considerado um guitarrista de versatilidade vista em poucos outros, e assim, opta por passear dessa vez pelo Blues, em seu mais novo álbum, “Blues With The Feeling”, algo que não havia feito até então, ao menos não com tanta intensidade como dessa vez. O músico fez um ótimo trabalho, mesmo recebendo a crítica de alguns fãs mais inveterados de progressivo, é inegável que Steve Hackett sabe se comportar de forma muito competente dentro do Blues, mesmo porque o mesmo nos anos 60 tinha como um de seus passatempos frequentar clubes pra poder ver seus ídolos de blues como Eric Clapton e John Mayall, por exemplo. Músicas como “Love Of Another Kind”, “Born In Chicago” e “Blues With a Feeling” mostram um Steve Hackett seguro e tocando com bastante feeling, algo que é essencial no gênero. O trabalho é bastante recomendado a todos que admiram um bom blues e também Steve Hackett, mas deixo uma observação, não adianta ser fã apenas de um dos dois, pois assim as coisas podem não soarem bem.

Chegando o ano de 1996 e, quem sabe devido a uma saudade do Genesis, Steve Hackett decidi lançar o álbum “Watcher of The Skies - Genesis Revisited” lançado primeiramente no Japão e no ano seguinte no “resto do mundo”, o trabalho trata-se da releitura de alguns clássicos do Genesis e com um grande time de estrelas convidadas, “Genesis Revisited” é um desses discos que qualquer fã deve ter na sua coleção. Watcher of the Skies, foi uma das que mais ficou parecida com a as versão original, mas agora com Steve Hackett fazendo a parte vocal e Bill Bruford na bateria. Alem da faixa citada, outras músicas que se encontram no álbum são "Dance On A Volcano", " The Waiting Room”, " For Absent Friends" alem claro, da inesquecível “Firth of Fifth”, que por sinal ficou linda, com vocal de John Wetton e bateria de BILL BRUFORD, por mais que tenham dado uma nova roupagem a seu arranjo, ele continuou bastante encantador, alem do solo de guitarra que dispensa comentários, considerado um dos mais belos da carreira do músico. Acho interessante também citar a faixa “Deja Vu”, é uma música que Peter Gabriel iniciou na época de “The Lamb Lies Down on Broadway” mas não finalizou, então Steve Hackett com a autorização de Peter Gabriel se responsabilizou da tarefa, com Paul Carrack encarregado das partes vocais, “Deja-Vu” é uma música de grande leveza e beleza. “Genesis Revisited” foi uma ótima idéia de Steve Hackett, uma grande homenagem à melhor fase de sua ex banda.

Já no ano seguinte, 1997, Steve Hackett muito bem acompanhado pela Royal Philharmonic Orchestra, lança o álbum “A Midsummer Night's Dream”, que como o próprio nome sugere trata-se de um álbum baseado na obra de Sheakspeare, “Sonho de uma Noite de Verão” escrita mais ou menos entre 1550 e 1555. Novamente, não se trata de um álbum de progressivo e, sim de um trabalho mais voltado ao clássico. A quem o veja com um álbum repetitivo, não o vejo dessa maneira, aqui o guitarrista soube se expressar de forma bastante criativa em meio uma história com voltas e reviravoltas, horas passagens lentas, horas passagens mais rápidas sempre muito bem acompanhado da Orquestra. Mas que fique claro que o álbum mesmo sendo orquestral, foi feito voltado pra guitarra, e nem sempre a orquestra terá presença garantida.

Dois ano após sua experiência com a Royal Philharmonic Orchestra, Steve Hackett lança aquele que pra muitos, inclusive pra mim, é um álbum de qualidade suficiente pra bater de frente com qualquer um dos quatro primeiros discos do músico. Lançado em 1999, “Darktown” é de uma qualidade inquestionável, de uma sonoridade bastante melancólica, triste e de um clima sombrio, ou seja, todas as características marcantes de Steve Hackett estão presentes, só que dessa vez, sobre uma camada mais dark. Não por menos que a na época a revista argentina Mellotron, ótima revista por sinal, o indicou como um dos melhores álbuns daquele ano. Algumas faixas merecem um certo destaque nesse álbum, tais como "Omega Metallicus", "Darktown", "Twice Around The Sun" essa com um solo simplesmente hipnotizante e, "In Memorian". Sem dúvida alguma, Steve Hackett não poderia encerrar a sua contribuição musical na década de 90 de maneira melhor, mostrando que nos anos 2000 poderiam esperar muita música vindo dele ainda.

Mal as pessoas puderam digerir “Darktown”, em 2000 o guitarrista já aparece junto de seu irmão em mais um álbum, “Sketches of Satie”, que trata-se de uma releitura para flauta e guitarra clássica, das peças mais conhecidas de Erik Satie, um álbum de uma interessante atmosfera e com as características que Steve HAckett costuma impor nesses tipos de trabalho e que qualquer um que conheça o músico já sabe quais são. Ainda no mesmo ano de 2000, Steve Hackett lança “Feedback 86”, uma coletânea de músicas escritas pelo músico nos anos 80, algumas inclusive era pra fazer parte do primeiro álbum do GTR. Um álbum que não tem muito a oferecer soando inclusive decepcionante pra alguns.

Chegado o ano de 2003 e três anos após seus dois últimos lançamentos de estúdio, também chega o mais novo álbum do guitarrista, “To Watch the Storms”. Novamente aqui Steve HAckett mostra que todo o respeito que conseguiu junto de sua guitarra não foi por acaso. Seguindo os passos de “Darktown”(entenda-se passos no sentido de também ser um álbum de enorme qualidade), “To Watch the Storms” mostra novamente um guitarrista com a inspiração que lhe já é característica. O álbum pode ser uma espécie de “Voyage Of The Acolyte” dos anos 2000, os dois tem as suas semelhanças, em ambos os casos pode-se notar a capacidade do músico de mesclar uma música mais agressiva com o progressivo sinfônico, por exemplo, além de também possuírem um clima de mistério em suas sonoridades. Os destaques que coloco desse excelente álbum são “The Devil Is An Englishman”, “Frozen Statues” e “Brand New”. Assim como aconteceu com “Darktown” em 1999, com certeza “To Watch the Storms” pode figurar facilmente entre os melhores álbuns de rock progressivo daquele ano.

Chegado o ano de 2005, é a hora que novamente o público conhecer um novo álbum de Steve Hackett, dessa vez, intitulado de “Metamorpheus”, esse trabalho tem como inspiração a lenda de Orfeu e a sua passagem pelo submundo. Acompanhado de uma orquestração muito boa, o músico soube fazer um álbum que pode agradar tanto aos que são mais acostumados a sonoridades mais clássicas, como aqueles não muito familiarizados com esse tipo de som. Como a abordagem do álbum como já dito, é a música clássica, Steve Hackett usa de forma primorosa mais uma vez o violão de nylon em composições bastante inspiradoras. “Metamorpheus” é indicado a qualquer um que queira se deliciar com uma boa música clássica através de instrumentos acústicos e strings.

No ano de 2006 o álbum a conhecer a luz do dia é “Wild Orchids”. Bom, eu fui uma pessoa que conheci a obra completa de Steve Hackett em sequencia, com isso desde que ouvi “Voyage Of The Acolyte” pela primeira vez, eu sempre vou criando algum tipo de expectativa pra o próximo álbum a qual estou a conhecer. Desde então já me decepcionei algumas vezes, principalmente com os trabalhos feito nos anos 80, assim como de certa forma me surpreendi com “Darktown”, pois mesmo sabendo do potencial de Steve Hackett eu estava acostumando com a sua sonoridade que embora agradável, não era comparável com seus “anos dourados”(leia-se seus 4 primeiros álbuns), as com certeza nada foi como “Wild Orchids”, eu tinha sim uma boa esperança quanto ao álbum, afinal, há tempos o músico vinha de ótimos trabalho, mesmo assim ao ouvi-lo senti que o que estava ouvindo era alem do que eu esperava. O álbum é um verdadeiro “soco na cara” de quem ainda duvidava do poder de composição do músico e, sem sombra de dúvidas, um trabalho que nasceu com potencial de clássico. Só deixar claro que também foi lançado uma edição especial do CD, com o preço não muito diferente da normal, onde contem quatro faixas extras e, é sobre essa edição que estou falando aqui. Músicas como “Transylvanian Express”, “Set Your Compass" ou “Waters Of The Wild” podem figurar em qualquer um dos melhores álbuns do guitarristas e fazer o seu papel com muito louvor.

Passado o ano de 2007, sem nada de novo na carreira, o músico reaparece em mais um álbum solo, e agora levem a palavra solo ao pé da letra, pois de fato apenas o guitarrista toca nesse registro. O álbum tem uma sonoridade bastante tranqüila e nada mais é que uma viagem sobre composições originais para violão solo, e peças tradicionais escolhidos por Steve HAckett do seu repertório de violão clássico.

Durante o ano de 2008, alem de se preocupar em lançar o“Tribute”, Steve Hackett também vinha trabalhando em seu mais novo álbum, “Out of the Tunnel's Mouth”, que foi lançado em 2009 e que contou com alguns convidados de peso, como Anthony Phillips, guitarrista que ocupava o cargo no Genesis antes da entrada de Steve Hackett, e Chris Squire, referência no baixo no universo do Rock Progressivo e nome forte no YES. Mesmo esperando uma qualidade maior do que de fato o álbum apresentou, talvez tenha sentido isso por causa do “Wild Orchids” que como dito mais acima, foi algo totalmente surpreendente, o que se encontra aqui é um disco bastante interessante de se ouvir em certos momentos, mas sem o brilho dos seus antecessores mais recentes. Mesmo sendo um trabalho chamativo principalmente devido os músicos convidados citados anteriormente, alem de Steve Hackett, claro, mas o que se encontra aqui são boas e simples composições que no fim das contas nos deixam com um ar de que poderia ter sido muito mais do que foi.

O ultimo album lançado pelo guitarrista veio em 2011, "Beyond the Shrouded Horizon" segue mais ou menos o que ele vinha fazendo na maioria das vezes nos anos 90 em diante, ou seja, uma música bem feita ora orientada por guitarra, ora por parte mais orquestral, mas sem nenhuma música que marque o album embora no geral todas de bom gosto. Album que tambem vale a pena.

Bom, é isso, em meio aos seus poucos erros e vários acertos durante a carreira, Steve Hackett soube cravar seu nome como um dos mais singulares guitarristas de todos os tempos, que ainda hoje segue nos brindando e surpreendendo através da sua boa música, seja qual o rótulo impresso a ela.

Voyage Of The Acolyte (1975)

1.Ace Of Wands (5:23)
2.Hands of the Priestess Part I (3:28)
3.A Tower Struck Down (4:53)
4.Hands of the Priestess Part II (1:31)
5.The Hermit (4:49)
6.Star of Sirius (7:08)
7.The Lovers (1:50)
8.Shadow of the Hierophant (11:44)

Download: http://www.megaupload.com/?d=S7Z659M0

Please Don't Touch! (1978)

1.Narnia (4:06)
2.Carry On Up the Vicarage (3:11)
3.Racing In A (5:07)
4.Kim (2:14)
5.How Can I? (4:40)
6.Hoping Love Will Last (4:09)
7.Land of a Thousand Autumns (1:57)
8.Please Don't Touch (3:39)
9.The Voice of Necam (3:11)
10.Icarus Ascending (6:21)

Download: http://www.megaupload.com/?d=JOYYCGZ5

Spectral Mornings (1978)

1.Every Day (6:14)
2.The Virgin and the Gypsy (4:28)
3.The Red Flower of Tachai Blooms Everywhere (2:05)
4.Clocks (The Angel Of Mons) (4:16)
5.The Ballad Of The Decomposing Man (Featuring - The Office Party) (3:48)
6.Lost Time In Cordoba (4:03)
7.Tigermoth (7:35)
8.Spectral Mornings (6:32)

Download: http://www.megaupload.com/?d=J9ON77U4

Defector (1980)

1.The Steppes (6:04)
2.Time to get Out (4:11)
3.Slogans (3:42)
4.Leaving (3:18)
5.Two Vamps As guests (1:58)
6.Jacuzzi (4:35)
7.Hammer in The Sand (3:09)
8.The Toast (3:41)
9.The Show (3:40)
10.Sentimental Institution (2:32)

Download: http://www.megaupload.com/?d=G2W3AEB5

Bay of Kings (1983)

1.Bay Of Kings (4:56)
2.The Journey (4:14)
3.Kim (2:25)
4.Marigold (3:36)
5.St Elmo's Fire (3:08)
6.Petropolis (2:45)
7.Second Chance (1:58)
8.Cast Adrift (2:15)
9.Horizons (1:47)
10.Black Light (2:31)
11.The Barren Land (3:46)
12.Calmaria (3:23)

Bonus Tracks.

13.Time Lapse At Milton Keynes (3:56)
14.Tales Of The Riverbank (2:02)
15.Skye Boat Song (1:35)

Download: http://www.megaupload.com/?d=93NJK3ED

Guitar Noir (1994)

1.Sierra Quemada (5:19)
2.Take These Pearls (4:14)
3.There Are Many Sides To The Night (7:23)
4.In The Heart Of The City (4:34)
5.Dark As The Grave (4:38)
6.Lost In Your Eyes (4:56)
7.Little America (4:55)
8.Like An Arrow (2:51)
9.Theatre Of Sleep (3:03)
10.Walking Away From Rainbows (3:10)
11.Paint Your Picture (2:57)
12.Vampyre With A Healthy Appetite (5:29)
13.Tristesse (4:01)

Download: http://www.megaupload.com/?d=VR6Q7EUR

Blues with a Feeling (1994)

1.Born In Chicago (3:57)
2.The Stumble (2:55)
3.Love Of Another Kind (3:59)
4.Way Down South (4:28)
5.A Blue Part Of Town (3:03)
6.Footloose (2:30)
7.Tombstone Roller (5:17)
8.Blues With A Feeling (4:22)
9.Big Dallas Sky (4:47)
10.The 13th Floor (3:29)
11.So Many Roads (3:15)
12.Solid Ground (4:27)

Download: http://www.megaupload.com/?d=KP3CUMP0

A Midsummer Night's Dream (1997)

1.The Palace Of Theseus (2:47)
2.A Form In Wax (4:40)
3.By Paved Fountain (2:00)
4.Titania (2:23)
5.Set Your Heart At Rest (3:31)
6.Oberon (2:31)
7.Within This Wood (2:36)
8.In The Beached Margent Of The Sea (2:38)
9.Between The Cold Moon & The Earth (2:44)
10.Puck (1:53)
11.Helena (4:21)
12.Peaseblossom, Cobweb, Moth & Mustardseed (4:28)
13.Mountains Turned Into Clouds (4:36)
14.The Lunatic, The Lover & The Poet (4:14)
15.Starlight (4:48)
16.Lysander & Demetrius (2:45)
17.Celebration (6:15)
18.All Is Mended (3:13)

Download: http://www.megaupload.com/?d=U9L22HZ8

Darktown (1999)

1.Omega Metallicus (3:48)
2.Darktown (4:59)
3.Man Overboard (4:17)
4.The Golden Age Of Steam (4:09)
5.Days Of Long Ago (3:23)
6.Dreaming with open Eyes (6:54)
7.Twice Around the Sun (7:15)
8.Rise Again (4:26)
9.Jane Austen's Door (6:13)
10.Darktown Riot (3:10)
11.In Memoriam (7:59)

Download: http://www.megaupload.com/?d=SGTBNS20

Sketches of Satie (2000)

1.Gnossienne No. 3 (2:24)
2.Gnossienne No. 2 (1:56)
3.Gnossienne No. 1 (3:18)
4.Gymnopédie No. 3 (2:36)
5.Gymnopédie No. 2 (2:52)
6.Gymnopédie No. 1 (3:55)
7.Pièces Froides No. 1 Airs À Faire Fuir I (2:46)
8.Pièces Froides No. 1 Airs À Faire Fuir II (1:36)
9.Pièces Froides No. 2 (2:05)
10.Avant Dernières Pensées Idylle ÀDebussy (0:57)
11.Avant Dernières Pensées Aubade À Paul Dukas (1:11)
12.Avant Dernières Pensées Méditation À Albert Roussel (0:54)
13.Gnossienne No. 4 (2:41)
14.Gnossienne No. 5 (3:20)
15.Gnossienne No. 6 (1:41)
16.Nocturnes No. 1 (3:31)
17.Nocturnes No. 2 (2:14)
18.Nocturnes No. 3 (3:36)
19.Nocturnes No. 4 (2:49)
20.Nocturnes No. 5 (2:27)

Download: http://www.megaupload.com/?d=OUNCVQYV

To Watch The Storms (2003)

1.Strutton Ground (3:03)
2.Circus Of Becoming (3:47)
3.The Devil Is An Englishman (4:26)
4.Frozen Statues (2:57)
5.Mechanical Bride (6:38)
6.Wind, Sand And Stars (5:06)
7.Brand New (4:39)
8.This World (5:17)
9.Rebecca (4:18)
10.The Silk Road (5:23)
11.Come Away (0:57)
12.The Moon Under Water (5:22)
13.Serpentine Song (5:48)

Bonus tracks on Special Edition:

14.Pollution B (3:11)
15.Fire Island (2:12)
16.Marijuana, Assassin Of Youth (6:50)
17.If You Only Knew (6:25)

Download: http://www.megaupload.com/?d=6JKK18J9

Metamorpheus (2005)

1.The pool of memory and the pool of forgetfulness (2:14)
2.To earth like rain (1:32)
3.Song to nature (3:02)
4.One Real Flower (3:11)
5.The dancing ground (3:01)
6.That vast life (12:26)
7.Eurydice taken (1:47)
8.Charon's call (3:14)
9.Cerberus at peace (2:05)
10.Under the world - Orpheus looks back (5:15)
11.The broken lyre (3:17)
12.Severance (3:04)
13.Elegy (3:17)
14.Return to the realm of eternal renewal (2:56)
15.Lyra (6:35)

Download: http://www.megaupload.com/?d=RITDT8BA

Wild Orchids (2006)

1.A Dark Night In Toytown (3:42)
2.Waters Of The Wild (5.35)
3.Set Your Compass (3:38)
4.Down Street (7:34)
5.A Girl Called Linda (4:44)
6.To A Close (4:49)
7.Ego & Id (4:08)
8.Man In The Long Black Coat (5:07)
9.Wolfwork (4:49)
10.Why (0:47)
11.She Moves In Memories (5:00)
12.The Fundamentals Of Brainwashing (3:01)
13.Howl (4:31)

Download: http://www.megaupload.com/?d=TTW5TLI6

Out Of The Tunnel's Mouth (2009)

1.Fire On The Moon (6:11)
2.Nomads (4:31)
3.Emerald And Ash (8:59)
4.Tubehead (3:36)
5.Sleepers (8:50)
6.Ghost In The Glass (2:59)
7.Still Waters (4:35)
8.Last Train To Istanbul (5:56)

Download: http://www.megaupload.com/?d=8Z8JAB5N

Beyond The Shrouded Horizon (2011)

1.Loch Lomond (6:49)
2.The Phoenix Flown (2:08)
3.Wanderlust (0:44)
4.Til These Eyes (2:41)
5.Prairie Angel (2:59)
6.A Place Called Freedom (5:57)
7.Between The Sunset And The Coconut Palms (3:18)
8.Waking To Life (4:50)
9.Two Faces Of Cairo (5:13)
10.Looking For Fantasy (4:33)
11.Summer's Breath (1:12)
12.Catwalk (5:44)
13.Turn This Island Earth (11:51)

Bonus CD (Limited edition)

1.Four Winds : North (1:34)
2.Four Winds : South (2:05)
3.Four Winds : East (3:34)
4.Four Winds : West (3:04)
5.Pieds En L'Air (2:25)
6.She Said Maybe (4:21)
7.Enter The Night (3:59)
8.Eruption: Tommy (3:37)
9.Reconditioned Nightmare (4:06)

Download: http://www.megaupload.com/?d=WA1IY9DM

No Name - The Secret Garden (1995) [Luxembourg]

2011-09-30T13:05:00.000-07:00

No name é um grupo do pequeno principado de Luxemburgo. Eles tocam um neo prog que se cracteriza pela forma forte de apresentar a sua musicalidade. As composições tem um sabor ora bastante "dramático" principalmente por conta do domínio imposto pelas teclas em vários momento, mas sempre tocada de forma extremamente sólida. Eles também sabem como ousar em composições de mais de 12 minutos e mostram uma grande diversidade nos climas e instrumentações (teclados, guitarras eletricas, acústica e clássica, vocais, percussões, bateria, baixo, flauta e etc ). Um com tocado com características neo prorgressivas mas sem perder a linha sinfônica da banda.
O album que escolhi pra postar aqui no blog é o segundo registro, e o que mais me agrada da banda, “The Secret Garden” apresenta todas as características já citadas mais acima, ou seja, composto de teclados sofisticados com atmosféras um tanto melodiosa, músicas originais e alguns vocais dramáticas (principalmente cantado em inglês, mas, por vezes, em alemão). Embora a produção não é sempre perfeita (as guitarras, especialmente, precisam de mais destaque), a mistura de tensão e suavidade que caracterizam o material torna muito sedutora. Um album extrememamente recomendado aos amantes do estilo.

1.The Secret Garden (intro) (1:39)
2.Septagone (6:16)
3.Eng Oppen Dir (4:58)
4.Merry-Go-Round (3:30)
5.Orient Express (12:25)
6.The Eternal Spring (3:59)
7.Broken Heart (5:00)
8.Autumn Days (4:15)
9.A Tale Of Mr. Fogg (12:05)
10.Follow The Signs (5:24)
11.De Verstand (piano / vocal) (3:30)

Download: http://www.megaupload.com/?d=CNKXT6TO

Road - Road (1972) [U.K]

2011-09-30T05:37:00.001-07:00

Noel Redding é mundialmente famoso por ter sido o baixista da banda de Jimi Hendrix durante o final dos anos de 1960, tendo gravado com ele alguns dos maiores discos de rock em todos os tempos. Com sua saída do grupo de Hendrix e o fim de seu projeto paralelo, Fat Matress, em 1972 ele resolveu novamente se aventurar pelo mundo do rock e novamente tocando baixo. Então se juntou a Rod Richards na guitarra e Leslie Sampson na bateria para gravar um tremendo álbum de rock. O disco ao longo do tempo acabou se tornando um dos tesouros escondidos do hard rock além de ser outro belo trabalho da vida de Noel Redding, que faleceu em 2003, aos 57 anos de idade. Típico hard rock setentista inicia muito bem com a faixa I’m Trying já mostrando todo o virtuosismo dos músicos. Guitarra muito bem executada por Rod Richards, que veio da banda Rare Earth, bateria competente de Leslie Sampson e no baixo Noel Redding, músico que evidentemente dispensa comentários. Em pouco mais de seis minutos, a banda detona um som pesado, denso e de grande qualidade técnica. Uma abertura que mostra a que a banda veio. I’m Going Down to the Country, composta por Redding é mais curtinha e apresenta um som com violões e bonito arranjo de slide guitar para a canção que é quase um country rock. A faixa serve como amortecedor entre a primeira e Mushroom Man, uma bela canção. Esta canção merece um capítulo à parte. Guitarras com wah-wah fantásticos e ótimo trabalho vocal. Uma perfeita mistura de Cream, Hendrix, Beck, Bogert and Appice e até coisas mais pop dos anos 1970, fazendo com que a música em si já pague pelo disco inteiro. É possível até arriscar a dizer que tenha influenciado anos mais tarde bandas da chamada geração grunge tamanha a semelhança com que possa ter com essas bandas dos anos de 1990. As guitarras sujas e envenenadas trazem brilho para a total curtição do som. Man Dressed in Red é algo mais próximo do psicodélico. Aqui novamente o guitarrista faz a diferença toda. Som de primeira linha e sendo um dos destaques do álbum. Composta pelo baixista se destaca pela força instrumental do trio e pelas distorções realizadas pelo guitarrista Rod Richards. Mesmo sem ser conhecido do público roqueiro em geral, é tranquilo afirmar que o Road seja um dos grandes nomes do hard rock setentista. É, sem dúvida, um power trio de respeito e isso pode ser sentido neste álbum, principalmente no trabalho mostrado nesta quarta faixa do disco. Outra curiosidade é a faixa Space Ship Earth. Maravilhosa, parece saída de Electric Ladyland direto para 1972. Em seus três minutos se destaca principalmente pelo grande trabalho do baixista. Base pesada e que praticamente preenche todos os espaços vazios fazendo deste outro belo momento do disco que termina com a longa faixa título, que, com seus quase dez minutos, desfila potência, criatividade e peso num excepcional rock and roll. A faixa é tirar o fôlego, tudo perfeito e no lugar certo. Por sorte dos fãs e colecionadores, este álbum foi reeditado tanto em CD no em LP anos atrás. Muito provavelmente já se encontre fora de catálogo. Sua versão original é hoje uma verdadeira raridade.

Fonte: Livro - Rock Raro - O Maravilhoso e deconhecido mundo do rock

1.I’m Trying (6:32)
2.I’m Going Down to the Country (2:41)
3.Mushroom Man (4:08)
4.Man Dressed in Red (7:00)
5.Space Ship Earth (3:26)
6.Friends (6:14)
7.Road (9:24)

Download: http://www.megaupload.com/?d=LMMI5O8C

Malicorne – Malicorne 2 (1975) [France]

2011-09-29T10:02:00.000-07:00

Este é o segundo disco desta que é uma das melhores bandas francesas de folk rock. O disco é excelente do início ao fim, emocionante pela forma sutil com que é executado e também pela qualidade das músicas. Cantado em francês, óbvio, dando-lhe mais charme ainda se considerarmos que as músicas são verdadeiras pérolas do folk setentista no estilo medieval, porém se diferenciando um pouco de bandas como Gryphon. O Malicorne pode ser colocado tranquilamente ao lado de bandas como Spyrogira, Steleeye Span e outras do estilo sem sombra de dúvida. A obra começa como Le Maria de Anglais, a primeira faixa e já Mostra folk medieval da banda. O vocal de Marie Yacoub é singelo e combina perfeitamente como estilo musical da banda. O arranjo envolto em violinos, mandolins e violões são belíssimos e já mostra o quanto o Malicorne era talentoso em seus melhores momentos. A segunda é Le Garçon Jardiniek, chama a atenção pela beleza da melodia. Desta vez o vocal fica por conta de Gabriel Yacoub, mantendo o nível em alta. O grupo fazia uma música absolutamente original podendo facialmente ser considerando como um grupo único dentro de sua proposta e formato musical, fazendo da banda algo bastante original e que salta aos ouvidos imediatamente após os primeiros acordes. Isso pode perfeitamente ser conferido já no início da execução da faixa La Fille Aux Chansons, uma maravilhosa faixa e arrepia da cabeça aos pés aos fãs. A melodia é cantada em francês, ajudando a tornar uma épica a canção e praticamente domina metade do lado A, sendo dividida em duas grandes partes. O final deste lado termina de forma excelente com Cortege de Noce, parte final da suíte. Virando o lado do disco, conti nua igual e seguem músicas ótimas como Marions Les Roses, típico folk que parece ter saído do período da idade média direto para os anos 1970. Para os amantes do folk é certo que o disco será ouvido centenas de vezes. Para finalizar temos outra ótima suíte, Bourée, Scotti ch-valse / le Bouvier. Disco extremamente raro de ser encontrado hoje em dia, foi editado em 1975 pelo selo Gamma. Depois do segundo disco, o Malicorne passou para algo mais experimental, próximo do rock progressivo também obtendo maior êxito comercial em sua longa carreira. O disco de estréia do Malicorne, também homônimo, foi lançado em 1974 e tem o nível de qualidade muito próximo desta verdadeira obra-prima do folk francês e, sem dúvida nenhuma, é um dos melhores também nos quatros cantos do mundo. Apesar da carreira no Malicorne, o músico Gabriel Yacoub também se notabilizou por um trabalho solo de respeito, tendo gravado vários discos no mesmo período em que atuava junto com a banda.

Fonte: Livro - Rock Raro - O Maravilhoso e deconhecido mundo do rock

1.Le mariage anglais (4:07)
2.Le garçon jardinier (2:54)
3.La fille aux chansons (marion s'y promène) (10:27)
4.J'ai vu le loup, le renard et la belette (2:29)
5.Cortège de noce (4:08)
6.Branle - la péronelle (4:32)
7.Le galant indiscret (2:19)
8.Marions les roses (chant de quête) (3:32)
9.Suite : bourrée, scottishe - valse (2:34)
10.Le bouvier (5:14)

Download: http://www.megaupload.com/?d=TWZQZ164

Leaf Hound - Growers of Mushroom (1971) [U.K]

2011-09-29T09:58:00.000-07:00

Formado nos idos de 1970 em Londres, o Leaf Hound lançou apenas um álbum, que simplesmente assombra pela qualidade, impacto, excelente execução e canções que beiram a perfeição e nos chocam por saber que bandas inferiores conseguiram êxito enquanto o Leaf Hound praticamente nada conseguiu em sua época. Formada pelos irmãos Derek e Stuart Brooks na guitarra e baixo, Mick Halls na outra guitarra, Keith G. Young na bateria e pelo excelente vocalista Peter French, o Leaf Hound praticamente nasceu do legendário Black Cat Bones – grupo onde se encontrava os irmãos Brooks. O quinteto lançou esta pequena obra-prima do hard rock, chamada Growers of Mushroom em pleno 1971 pela Decca Records tendo sido gravado em apenas um dia (na verdade uma sessão de 11 horas de estúdio) e ainda hoje surpreende pela força e que chega a lembrar em alguns momentos grupos de sucesso como Free e principalmente o Led Zeppelin, o que pode ser percebido na faixa Freelance Flend, que abre o disco e nos traz à lembrança a música Good Times Bad Times, contida no álbum de estréia do grupo de Page e Plant. Já a bela Sad Road to the Sea tem uma levada mais acústi ca, é linda de morrer e destaca um belo solo de guitarra de Brooks. A terceira faixa é Drowned My Life in Fear, também de primeira linha. A longa faixa Work My Body, com seus oito minutos, é a suíte do disco, um hard rock que se mistura com blues produzindo um belo resultado final principalmente pelo trabalho das guitarras e vocais. Na sequência, ainda temos With a Minute To Go, a grande balada do disco. Possui um belo andamento, vocal emocionado, linha de baixo muito interessante e violões ao fundo. A faixa título já é curti nha, interessante e não chega a cortar o barato, mas dá pra dar uma respirada durante sua execução. O hard rock intenso volta com tudo em Stagnant Pool. A faixa é daquelas arrasa quarteirão com as duas guitarras solando o tempo todo, baixo pulsante e pesado e uma bateria pra lá de efi ciente. Após o lançamento do álbum na Inglaterra e de um relativo sucesso em seus shows, Growers of Mushroom foi editado também na Alemanha pelo selo Telefunken, porém acabou não alcançando o sucesso esperado e a banda dispersou-se. Com o fim prematuro, Peter French seguiu para o Atomic Rooster, alcançando então muito sucesso com o estupendo In Hearing Of. Logo depois ele ainda participaria do excelente Cactus, dos ex-Fanilla Fudge Carmine Appice e Tim Boggert. O disco teve importantes reedições anos atrás inclusive em vinil num material gráfico incrível contando com um superpôster, capa dupla, dura e ótima prensagem. Recentemente, o Leaf Hound se reagrupou para realizar nossos trabalhos mas certamente a química de 1971 já não será a mesma.

Fonte: Rock Raro - O Maravilhoso e deconhecido mundo do rock

1.Freelance Flend
2.Sad Road to the Sea
3.Drowned my Life in Fear
4.Work my Body
5.Stray
6.With a Minute to Go
7.Growners of Mushroom
8.Stagnant Pool
9.Sawdust Ceasar

Download: http://www.megaupload.com/?d=0RLHDGUW

Rare Amber - Rare Amber (1969) [U.K]

2011-09-29T09:52:00.001-07:00

O Rare Amber é mais um daqueles efêmeros grupos surgidos na Inglaterra no final dos anos de 1960 e que buscavam no blues novas possibilidades musicais. O grupo gravou apenas um álbum em 1969 que se tornou uma raridade tempos depois. Composto de músicas próprias além de covers de B.B.King, Muddy Waters e Otis Spann, o disco agrada muito aos fãs do gênero. Rare Amber tem um início promissor com a faixa de estranho nome, Malfunction of the Engine, um blues rock elétrico composto pelo próprio grupo. Aqui a guitarras ganham destaque com bons solos durante a execução, assim como uma gostosa linha de baixo e bateria. You Ain’t Made Yet é um das melhores músicas do disco. Uma faixa mais próxima do psicodelismo baseado num teclado belíssimo e um vocal que mostra que Roger era realmente um cantor competente. Para quem não conhece o som da banda, é possível perceber influências do Cream no formato das composições e arranjos. Guardadas as devidas proporções, as participações da guitarra lembram um pouco o modo com que Eric Clapton tocava. Já It Hurts me, como diz no nome, trata-se de um triste (aliás, como a maioria dos grandes blues da história) e tradicional blues. Aqui o slider guitar é o destaque para o belíssimo momento. Podemos destacar no álbum ainda faixas como Paying the Cost to be the Boss, composição de B.B.King, outro blues tradicional onde as guitarras falam mais alto, além do teclado soar em prati camente toda a execução da música de forma muito inspirada. Night Life é outra cover e se trata de um blues lento onde a parte instrumental como acompanhamento para um contemplativo vocal extremamente bem executado pelo vocalista Roger Cairns. A harmônica rola solta em Custom Blues, composição própria do grupo e que também se tornou um momento interessante do álbum. Muddy Waters não poderia ficar de fora desta festa. O lado B abre de forma incrível com Popcorn Blues. Hearbreaker é outra boa faixa de B.B.King. Aqui guitarrista Del Walkins dá um show à parte para este som espetacular. O álbum acaba em grande forma com mais um clássico e o revisitado é Oti s Spann na faixa Blues Never Day, tema e frase ideal para o gênero assim como para este belo disco que não chegou a fazer sucesso durante o período do seu lançamento. Interessante notar como a capa do álbum engana. Se o ouvinte não conhecer o grupo, olhando a capa é possível imaginar que se trata de um grupo de hard rock com tendências satânicas já que na foto os caras lembram mais imagens de grupos como Black Sabbath, Black Widow, Buff alo, entre outros. Mas não engane, o Rare Amber manda ver num blues sensacional. Recentemente o álbum foi reeditado em CD, inclusive trazendo como faixas extras uma nova releitura de Malfunction on the Engine e a inédita Blind Love.

Fonte: Rock Raro - O Maravilhoso e deconhecido mundo do rock

1.Malfunction of the Engine (3:50)
2.You Ain’t Made Yet (2:58)
3.It Hurts me too (3:34)
4.Paying the Cost to be the Boss (3:34)
5.Night Life (5:15)
6.Custom Blues (3:11)
7.Popcorn Man (2:14)
8.Heartbreaker (2:49)
9.Soluti on (7:00)
10.Amber Blues (2:31)
11.Blues Never Die (2:05)
12.Malfunction On The Engine (Diff. Vers.) (3:24)
13. Blind Love (Unreleased) (2:29)

Download: http://www.megaupload.com/?d=P5IXJU6V

Jericho Jones - Junkies, Monkeys & Donkeys (1971) [Israel]

2011-09-29T09:48:00.000-07:00

A banda Jericho Jones, originária de Israel, apesar de uma pequena discografia, teve três nomes durante sua existência. Eles iniciaram suas atividades ainda em Israel em meados de 1968 com o nome de The Churchills. Com o objetivo de se projetar no cenário roqueiro, a banda tomou duas ati tudes: primeiro, mudou-se para a Inglaterra; segundo, trocou o nome para Jericho Jones, pois The Churchills poderia não ser tão bem aceito na Inglaterra, terra de Wilston Churchill. Os músicos eram Alain Romano (Guitarra), Mike Gabrielle (Baixo), Robb Huxley (guitarra), Danny Shoshan (Vocal) e Ami Criebich (bateria). Com este nome e formação, a banda iníciou sua carreira discográfica com o excelente álbum Junkies, Monkeys & Donkeys, de 1971. O álbum é uma mistura de hard rock com alguns momentos que lembram o psicodelismo do final dos anos 60. Destacando a faixa-título, Junkies, Monkeys & Donkeys, enigmática, progressiva, lembrando inevitavelmente Led Zeppelin. A primeira faixa é More Tranquilitatas, cujo trabalho instrumental é o grande destaque. A faixa começa numa levada pop da época, dando a impressão de que o álbum irá seguir esta linha. Em seguida, Main in the Crowd mostra a que veio o Jericho. Faixa pesada, com grande trabalho de guitarra, enfim, puro hard rock da melhor safra. A música seguinte, There is Always a Train prova que o disco realmente é muito bom. Com um belo dueto vocal, violões e guitarras bem dosadas. A faixa seguinte, Yellow and Blue, é uma balada que neste momento cai muito bem e serve de aperitivo para o restante do álbum. O início da próxima faixa, Freedom, lembra bastante o ritmo de Cocaine de J.J. Cale e gravada também por Eric Clapton. Segue-se a instrumental Triangulum e a óti ma No School To-Day. O disco, com dez canções, chega ao final com a melhor faixa da obra. Chamada What Have We Got to Lose é uma música ótima, combinação de peso, melodia e um grande instrumental. O Jericho Jones (ou Jericho) pode não ter alcançado um grande sucesso em sua época, mas é inegável sua qualidade, estilo próprio e grande capacidade de criar grandes canções. Mesmo ouvindo várias bandas da época, seguramente podemos classificar o Jericho como uma das melhores bandas de rock pesado. Sua força instrumental é fantástica, além de contar com um vocalista excelente. Muitos anos depois Danny Shoshan voltou às atividades, mantendo um trio de blues, lançando discos e tocando em bares por seu país natal.

Fonte: Livro - Rock Raro - O Maravilhoso e deconhecido mundo do rock

1.Mare Tranquilitatas (2:20)
2.Man in the Crowd (3:16)
3.There is Always a Train (6:32)
4.Yellow and Blue (5:12)
5.Freedom (3:47)
6.Triangulum (0:47)
7.No School to Day (5:51)
8.Junkies, Monkeys & Donkeys (7:45)
9.Time is Now (3:00)
10.What Have We Get to Lose (4:26)

Download: http://www.megaupload.com/?d=7ZNUTZ8M

Blackfeather - At The Mountains Of Madness (1971) [Australia]

2011-09-29T09:45:00.001-07:00

Normalmente quando o assunto é hard rock australiano, a primeira banda lembrada é o AC/DC, pois devido ao sucesso mundial que eles alcançaram, sempre é a primeira referência quando o tema é o rock feito na terra dos cangurus. Caso os debatedores sejam mais aficionados e com um conhecimento mais abrangente do universo rockeiro, serão citados os grupos Rose Tattoo, Buffalo, Master’s Apprentices, Angels e muito provavelmente o Blackfeather. Todos esses grupos, com a exceção lógica do AC/DC, alcançaram um sucesso local, porém não ultrapassaram as fronteiras australianas. O Blackfeather chegou até a colocar algumas músicas nas paradas de sucessos australianos e contou com a presença do vocalista Bon Scott , tocando timbales e tamborim, em uma das faixas neste seu primeiro álbum. O grupo foi formado em Sydney no ano de 1970 pelo vocalista Neale Johns e logo se tornou extremamente popular na cena local, principalmente por suas apresentações ao vivo. No entanto não é a presença do carismático vocalista do AC/DC que faz esse disco ser altamente recomendado e sim o seu conteúdo musical que é um extraordinário e inventivo hard rock progressivo. A primeira faixa, que dá nome ao disco, inicia calmamente com um poema recitado sobre uma base de guitarra dedilhada e se torna um empolgante hard rock, com a guitarra solando o tempo inteiro, vocal arrasador e uma bateria e baixo galopante. Apesar disso o grupo não era somente o guitarrista, e o vocalista Neale Johns também mostra todo o seu talento na faixa seguinte, On This Day That I Die. Nesta música a sequência inicial é brilhante e segue com solos e bases de guitarras melodiosas e uma marcação segura na parte rítmica. Nesta faixa o grande destaque é o trabalho vocal Seasons of Change é uma peça progressiva e tem novamente um inesquecível desempenho do vocalista, criati vos arranjos de cordas e ainda traz a participação de Bon Scott . Mangos Theme é indescritível, oito minutos e oito segundos de uma beleza ímpar. Um brilhante tema com sonoridade árabe na melodia, um belo arranjo para violinos e cordas sobre uma percussão hipnótica, solos de guitarra psicodélicos e uma sequência final simplesmente grandiosa. O tema que vem em seguida não deixa nada a dever ao anterior, se chama Long Legged Lovely. O começo é um poderoso riff valorizado pela interpretação de Neale Johns. Para completar o trabalho, temos a suíte The Rat com 14 minutos de duração e dividida em cinco partes com sequências disti ntas e complexas. O desempenho dos músicos nesta última faixa se mantem no padrão das músicas anteriores, ou seja, excelente. Este é um disco fundamental para apreciadores do hard rock setentista. Muito raro em vinil, foi relançado anos atrás em versão digital em edições limitadas e que fizeram a alegria dos fãs do gênero.

Fonte: Rock Raro - O Maravilhoso e deconhecido mundo do rock

1.At the Mountains of Madness (3:32)
2.On this Day That I Die (4:00)
3.Seasons of Change Part I (3:53)
4.Mangos Theme Part II (8:07)
5.Long Legged Lovely (7:34)
6.The Rat (13:40)

Download: http://www.megaupload.com/?d=FI2OX8XO

Axis - It’s a Circus World (1978) [USA]

2011-09-29T07:20:00.000-07:00

O baterista Vinnie Appice e o guitarrista Danny Johnson tocavam na banda de apoio do guitarrista americano Rick Derringer durante o ínicio dos anos 1970. Os dois se juntaram ao baixista Jay Davis e formaram o power trio Axis no início de 1976 e no mesmo ano gravaram e editaram um disco denominado It’s a Circus World, pelo selo RCA. Um disco com interessantes momentos de um hard rock tipicamente americano, na mesma linha do praticado por Rick Derringer. A primeira faixa do disco é Brown Eyes, uma música bastante cadenciada com uma boa melodia e solo dobrado no final. Já a sequência é um puro rock pesado dos bons. Busted Love e Juggler trazem riff s pesados de guitarra, baixo e marcação poderosa da bateria. Depois o clima cai um pouco com a funkeada Soldiers of Love que tem um refrão pegajoso, e o lado A do disco se encerra com a desinteressante balada Train, talvez o momento mais fraco do álbum. O lado B começa com Armageddon, outra bem pesada, com vigorosa introdução da bateria de Appice e trabalho de baixo e guitarras cadenciados. Ray’s Eletric Farm tem introdução com um ótimo riff executado pelo guitarrista e bom desempenho vocal. A faixa seguinte é a mais acessível do disco, com andamento bem rock and roll e momentos interessantes no desempenho do baixista, mas nada de excepcional. Cats in the Alley e Bandits of Rock vêm a seguir com guitarras pesadas, baixo cadenciado e uma bateria mostrando que eram do ramo. Quando achamos que o nível vai ficar lá em cima, novamente ocorre uma quebra no ritmo, pois a faixa-título encerra o álbum com uma balada com violinos e cordas, porém mantém o peso
nas guitarras, sendo um final até interessante. Inegavelmente o grande destaque do disco é a poderosa bateria de Vinnie Appice, com introduções e marcações de ritmo poderosas, que, aliadas ao satisfatório desempenho do guitarrista e do baixista, garantem neste disco ótimos momentos de um bom hard rock. Como o disco não atingiu o sucesso comercial esperado, a banda se separou e acabou se tornando um item curioso na biografia do baterista Vinnie Appice, que viria a se consagrar durante a década de 1980 como um integrante do Black Sabbath e posteriormente no grupo que Ronnie James Dio formou após sair deste. Recentemente It’s a Circus World foi relançado em formato digital possibilitando que fãs do famoso baterista, além de apreciadores do bom hard rock americano, tivessem acesso a esta boa obra.

Fonte: Livro - Rock Raro - O Maravilhoso e deconhecido mundo do rock

1.Brown Eyes (4:19)
2.Busted Love (3:44)
3.Juggler (3:27)
4.Soldier of Love (3:42)
5.Train (4:50)
6.Armageddon (2:51)
7.Ray’s Eletric Farm (3:05)
8.Stormy Weather (2:48)
9.Cats in the Alley (2:50)
10.Bandits of Rock (3:51)
11.Circus World (4:19)

Download: http://www.megaupload.com/?d=CJCX6YNC

Captain Beefheart - Trout Mask Replica (1969) [USA]

2011-09-28T07:58:00.001-07:00

"O Capitão Coração-de-Boi", nome verdadeiro de Don van Vliet, nasceu em Glendale, Califórnia no ano de 1941 e formou sua primeira Magic Band em 64. Sua música é única e de importância histórica já reconhecida. Na lista de "100 melhores LPs de todos os tempos", publicada no New Musical Express, em 85 -, Beefheart recebeu votos para oito de seus discos, perdendo apenas para os Beatles (com onze) e Bob Marley (dez).
O Trout Mask Replica, "Réplica de Máscara de Truta", um álbum duplo e seu terceiro lançamento, partiu de um convite de Frank Zappa, o produtor, para que Beefheart gravasse em seu selo Straight. O Capitão recebeu controle artístico total e tempo de estúdio praticamente ilimitado. Muita gente o considera a conquista mais importante na música desde que o homem primitivo bateu, pela primeira vez, duas pedras uma na outra.
As principais influências e a inspiração de Beefheart foram os blues e o jazz de vanguarda, estilos evidentes em toda a sua obra. Os resultados que atinge, porém, a partir desta matéria-prima são tão ricos e soltos e, ainda assim, de ritmos contagiantes que desafiam qualquer descrição.
Beefheart nunca foi um músico formal. Ele apresenta as diferentes partes a seus músicos de vários jeitos, entre eles o assobio e trabalha diretamente com eles até obter exatamente o som desejado. O resultado é um trabalho em conjunto altamente organizado que soa como se estivesse sendo composto ali, no ato. O fluxo criativo de Beefheart é espontâneo: tudo o que ele tem a fazer é abrir uma torneira interna para vir jorrando. Consta que compôs todas as 28 faixas deste disco em oito horas e meia, utilizando um piano e um gravador. Ele diria, depois, que só demorou tanto porque tinha apenas um conhecimento superficial do teclado! Levou, então, os músicos ao isolamento quase total de sua casa no deserto de Mojave e instruiu-os ali por oito meses, antes de entrarem no estúdio. O efeito final é galvanizante.
A formação básica consistia em Antennae Jimmy Semens (Jeff Cotton) na guitarra e Drumbo (John French) na bateria - ambos de formações anteriores da Magic Band - com Zoot Horn Rollo (Bill Harkleroad) na segunda guitarra e Rockette Morton (Mark Boston) no baixo. Estes dois eram, nessa época, desconhecidos que tocavam em bares. Beefheart os chamou porque queria gente sem idéias preconcebidas, a quem pudesse ensinar desde a estaca zero. Seu primo, The Mascara Snake, tocava clarineta barítono, assim como o próprio Capitão, também nos sax tenor e soprano.
Beefheart foi abençoado com a voz de Howlin' Wolf, meio Nelson Cavaquinho com o alcance de uma multi-oitava. Algumas faixas são cantadas sem nenhum acompanhamento e permanecem entre suas canções mais populares. Ele canta em cima de dissonâncias ou ritmos pulsantes, na maioria das vezes, ambos simultaneamente intervêm com os mais lúcidos solos de sax free imagináveis.
Trout Mask... não envelheceu quase nada, tanto que muita gente ainda está tentando assimilá-lo. Nenhum instrumento ocupa um papel secundário. Todos os músicos de Beefheart estão sempre solando e sempre tocando tangencialmente. Em torno de um penetrante e profundo som de baixo, o baterista elabora padrões rítmicos complexos de extraordinária fluidez e habilidade. A base do som de guitarra é um toque de slide fantástico - Jimmy Semens e Zoot Horn parecendo dois cachorros loucos brigando - mas, ainda assim, de um lirismo sublime. As letras do Capitão partem de uma livre associação e jogos de palavras alucinatórios: o verbo encarnado entre a loucura total e a lucidez absoluta.
Com a exceção de algumas canções de Ian Anderson e de uma banda londrina chamada Screw, que fazia covers, foi apenas durante o punk que as pessoas realmente começaram a seguir os caminhos musicais mapeados pelo Capitão. O NME chamou 1978 de "O Ano de Captain Beefheart". Os mais afetados foram Pere Ubu, Devo, The Pop Group, Clock DVA e Gang of Four. Peter Murphy e Mick Karn batizaram seu trabalho em conjunto com o título de uma das faixas de Trout Mask..., "Dali’s Car". Desde então, o "Fator Beefheart" reaparece constantemente.
A pouco tempo “Nosso Capitão” veio a falecer, mas nos deixou eternizado seu nome através de obras de riquezas fora de série.

1.Frownland (1:41)
2.The Dust Blows Forward 'n the Dust Blows Back (1:53)
3.Dachau Blues (2:21)
4.Ella Guru (2:26)
5.Hair Pie: Bake 1 (4:58)
6.Moonlight on Vermont (3:59)
7.Pachuco Cadaver (4:40)
8.Bills Corpse (1:48)
9.Sweet Sweet Bulbs (2:21)
10.Neon Meate Dream of a Octafish (2:25)
11.China Pig (4:02)
12.My Human Gets Me Blues (2:46)
13.Dali's Car (1:26)
14.Hair Pie: Bake 2 (2:23)
15.Pena (2:33)
16.Well (2:07)
17.When Big Joan Sets Up (5:18)
18.Fallin' Ditch (2:08)
19.Sugar 'n Spikes (2:30)
20.Ant Man Bee (3:57)
21.Orange Claw Hammer (3:34)
22.Wild Life (3:09)
23.She's Too Much for My Mirror (1:40)
24.Hobo Chang Ba (2:02)
25.The Blimp (mousetrapreplica) (2:04)
26.Steal Softly thru Snow (2:18)
27.Old Fart at Play (1:51)
28.Veteran's Day Poppy (4:31)

Download: http://www.megaupload.com/?d=4S8HLY43

Analogy – Analogy (1972) [Italy]

2011-09-28T07:55:00.001-07:00

Existem discos que nos chamam atenção por algumas características individuais e que ao longo do tempo se tornaram verdadeiros tesouros musicais procurados por colecionadores nos quatro cantos do mundo. E este Analogy é sem dúvida um destes casos. Somente pela capa do disco já se percebe que não se tratava de um grupo comum, que a proposta artística da banda era inovadora e que não estava presa em conceitos firmados e restritos. Para se ter uma idéia de quão raro é este trabalho, basta lembrar que a edição original foi lançada com apenas cerca de 1000 cópias e que chega a custar uma pequena fortuna. Tudo se inicia no ano de 1970, quando quatro músicos alemães que residiam no norte da Itália uniram seus interesses musicais a outros dois músicos italianos e formaram um grupo, o qual batizaram de The Yoice e já no ano seguinte lançaram um single que chegou a fazer um pequeno sucesso localizado. Em 1972, após algumas mudanças na formação, mudaram o nome do grupo para Analogy e gravaram o seu primeiro disco auto intitulado, que viria a se tornar um clássico do progressivo, principalmente pelo personalíssimo timbre vocal da cantora Jutt a Nienhaus.
Quase todas as músicas do disco possuem aquele toque característico de teclados e guitarra com uma marcação de baixo e bateria com forte influência de rock e blues. Além do interessante vocal, surpreende a habilidade do guitarrista alemão Martin Thurn e o tecladista italiano Nicola Pankoff , principalmente na faixa Indian Meditati on, uma maravilhosa composição baseada no diálogo entre guitarra e órgão. Uma forte base rítmica com influência folclórica aparece na música Tin’s Song, uma pequena peça com um arranjo acústico com base no piano e violão. Porém o destaque é a faixa Dark Reflections, composição do guitarrista Thurn, e Analogy, creditada como uma obra de todos os integrantes do grupo. Na primeira, todo o poder instrumental do grupo aparece logo nos primeiros acordes da canção, que, aliado a um impressionante desempenho vocal, vai se desenvolvendo em um tema bastante emotivo ao longo dos sete minutos.
Em Anology, o início é mais sereno e vai se transformando num crescendo instrumental, onde em um primeiro momento sobressai o trabalho de órgão para em seguida dar espaço para um poderoso riff de guitarra, marcado por um acompanhamento preciso de baixo e bateria; na sequência um solo de guitarra secundado por um discreto desempenho de baixo e o piano leva a música para um final contemplativo como no início. The Years At the Spring, outra atuação impecável de Jutt a Nienhaus e com mais balanço do que as faixas anteriores, novamente a guitarra é o destaque soando bem rock and roll. Pan-Am Flight 249 é um hard progressivo com elementos de blues, marcado por uma linha de baixo com um timbre bastante interessante. As reedições em CD lançadas nos últimos anos têm como bônus as músicas do compacto lançado no início da carreira além do outro trabalho do grupo, The Suíte, que tinha uma sonoridade mais folk progressiva com vários elementos de música renascentista.

Fonte: Livro - Rock Raro - O Maravilhoso e deconhecido mundo do rock

1.Dark Reflections (7:00)
2.Weeping May Endure (4:50)
3.Indian Meditation (4:10)
4.Tin's Song (1:40)
5.Analogy (9:45)
6.The Year's At The Spring (4:35)
7.Pan-Am Flight 249 (5:15)

Bônus Track:
8.Milan On A Sunday Morning (6:07)
9.God’s Own Land (3:33)

Download: http://www.megaupload.com/?d=A6ZV2RRA

Minotaurus - Fly Away (1978) [Germany]

2011-09-27T11:53:00.000-07:00

Mesmo que o ano de 1978 não tenha sido nada fácil para as bandas progressivas ainda assim tivemos belos lançamentos neste período, principalmente em países com Inglaterra e Alemanha. Um desses discos foi Fly Away gravado pela banda alemã Minotaurus. Sendo uma mistura de Pink Floyd e Eloy, começa de forma sensacional com a faixa 7117, uma canção com ótimos teclados Hammond, mostrando uma banda coesa, com técnica apurada, além de um bom cantor. O som é um progressivo urgente com bateria intensa, bons trabalhos do guitarrista Mick Helsberg que já chega para mostrar que o disco, apesar de obscuro, tem seu valor dentro da proposta. As letras, cantadas em inglês, mostram uma boa voz do seu cantor Peter Scheu, principalmente nas partes mais agudas. Esta primeira faixa foi inclusive incluída no filme 7117 de Stanley Krubick. Outra faixa interessante é Your Dream, mostrando uma condução competente. Os teclados, mesmo soando datados hoje em dia, são de extrema beleza e eficiência. A canção traz passagens climáticas que permitem ao ouvinte literalmente viajar no som. Apesar de ser o único registro fonográfico da banda, impressiona pela forma da execução, qualidade das músicas e maturidade que eles já demonstravam ter em estúdio. Para se ter uma idéia do trabalho da banda, podemos concluir que foi uma referência para o Marillion nos anos 1980, pois algumas músicas, como, por exemplo, Lonely Seas, lembram muito a banda do cantor Fish. Esta canção em especial tem uma belíssima introdução do vocalista, servindo de ponte para a parte instrumental que vem em seguida. O som climático da música ajuda muito, principalmente na base conduzida pelo teclado e baixo. A banda usava muito bem a guitarra nos trabalhos solo, o que ajudava a variar um pouco nas passagens mais lentas. Tudo isso feito com muito bom gosto e qualidade. Highway é uma faixa um pouco mais rápida e dinâmica, mas é em Fly Away, música título, que a banda mostra todo seu talento, o que acaba se tornando o grande momento do álbum. Praticamente impossível não se lembrar do Pink Floyd, principalmente de passagens do álbum Animals de 1977 e até mesmo de Dark Side of the Moon de 1973. A longa faixa despeja toda emoção e técnica numa música que poderia facilmente ter alcançado um sucesso maior ou mesmo ser considerada como um dos clássicos do rock progressivo, principalmente na Alemanha. Apesar do bom disco gravado, o Minotaurus não seguiu adiante e acabou se tornando um desconhecido no mundo musical em anos posteriores. Na época de seu lançamento fez relativo sucesso em seu país de origem, por ser considerada como uma ótima banda ao vivo. Mesmo não podendo ser considerado muito criativo, o saldo final é um álbum com ótima qualidade musical além de muito bem executado. O disco em vinil é absolutamente raro hoje em dia, mas os relançamentos em formato digital podem ser encontrados. O álbum teve um relançado em CD em 1992 pelo selo Lost Pipedreams. A capa do disco, traz o Minotauro, símbolo da banda, não sendo exatamente uma capa de bom gosto. Apesar disso o disco é ótimo para os amantes do progressivo clássico, mesmo que a capa não indique isso.

Fonte: Livro - Rock Raro - O Maravilhoso e deconhecido mundo do rock

1.7117 (6:47)
2.Your Dream (5:40)
3.Lonely Seas (4:42)
4.Highway (3:20)
5.Fly Away (13:20)
6.The Day The Earth Will Die (4:40)
7.Sunflowers (3:59)

Download: http://www.megaupload.com/?d=3CVBF4SF

Mahogany Rush - Strange Universe (1975) [Canada]

2011-09-27T11:11:00.000-07:00

Frank Marino é um dos grandes guitarristas de rock e junto com sua banda Mahogany Rush possui uma obra de respeito. Este disco, Strange Universe, seu terceiro álbum, lançado pela 20th Century em 1975 é um dos grandes momentos do artista em sua longa carreira. O músico é reconhecido tanto pelo seu talento e habilidade por ser um dos músicos mais influenciados por Jimi Hendrix, tanto na forma de tocar como de jeito de cantar e compor. Seu primeiro álbum, Maxoon de 1973, um tremendo disco, é totalmente parecido com coisas feitas por músico americano. Apesar da similaridade, é neste álbum que a banda consegue colocar seu próprio estilo em ação, criando um disco bem ao gosto dos fãs de guitarristas, mas onde as canções também se destacam pela beleza e qualidade. Já na primeira faixa, Tales of the Spanish Warrior, nota-se que o Mahogany Hush conseguiu achar um estilo arrebatador, mesmo usando Jimi Hendrix como força-motriz e já é perceptível na segunda faixa The King Who Stole (... The Universe). Já Moonlight Lady é lindíssima e que facilmente pode ser considerado como um dos trabalhos mais singelos e bonitos da longa carreira deste Power trio. No disco, também podemos destacar um canção dançante, quase uma soul music com uma melodia típica do hard rock americano setentista, além do forte trabalho de guitarra e bateria. Trata-se da faixa Satisfy Your Soul e permite que a banda mostre toda sua versatilidade. É um momento feliz do disco, principalmente pelo seu refrão. Strange Universe finaliza no mesmo pique de seu início, com a faixa-título deixando vontade de começar tudo novamente. Strange Universe é a última faixa e fecha o disco em grande estilo. O trabalho deste guitarrista é realmente de tirar o fôlego. Sem dúvida, Frank está no rol dos melhores músicos canadenses, podendo ser colocado ao lado de um seleto grupo de músicos como Neil Young, Leonard Cohen, Rush, entre poucos outros. Anos mais tarde, Frank Marino acabaria assumindo o nome próprio para a banda, ficando Frank Marino & Mahogany Hush e ainda gravariam inúmeros discos em sua carreira que dura até os dias de hoje, mas neste disco é certo que chegaram num de seus melhores momentos. A capa do disco é outro destaque a se comentar: além do desenho, sua versão em vinil original é dupla e ainda traz as letras no centro da capa. O disco teve alguns relançamentos em CD, inclusive existe uma edição com este disco junto com o segundo disco, Child of Novelty, também muito bom por sinal. Frank Marino pode não primar pela originalidade, mas não há dúvida de que construiu ao longo de vários anos um material muito interessante e que este Strange Universe está entre os belos discos de hard rock, principalmente para os amantes das guitarras.

Fonte: Livro - Rock Raro - O Maravilhoso e deconhecido mundo do rock

1.Tales of the Spanish Warrior (4:54)
2.The King Who Stole (…the Universe) (3:57)
3.Satisfy Your Soul (3:15)
4.Land of 1000 Nights (4:36)
5.Moonlight Lady (4:05)
6.Dancing Lady (3:11)
7.Once Again (3:25)
8.Tryin’Anyway (3:51)
9.Dear Music (3:59)
10.Strange Universe (6:57)

Download: http://www.megaupload.com/?d=4UPZG64A

The Jimi Hendrix Experience - Electric Ladyland (1968) [USA]

2011-09-27T06:06:00.000-07:00

Hendrix transformou a linguagem e expandiu os horizontes da guitarra elétrica no rock. Sua concepção musical transpunha as fronteiras das classificações, resgatando toda a tradição da música negra, ao mesmo tempo que apontava as principais tendências que viriam a emergir na década de 70 (heavy metal, jazz-rock, progressivo). A naturalidade com que arrancava, de inúmeras maneiras, inacreditáveis solos de sua Fender e criava melodias com efeitos de pedais e microfonias, era espantosa. Jimi ao vivo - incendiário em Monterey ou lançando bombas no Hino Nacional americano em Woodstock, fazia de sua guitarra uma extensão de seu próprio corpo e alma.
Mas também existia um "outro" Jimi: aquele dos estúdios e jam sessions, um experimentador fascinado pelo desenvolvimento das técnicas de gravação e efeitos, e que mais tarde montaria seu próprio estúdio (o Electric Lady, em Nova York). A interação mais perfeita dessas duas facetas de Jimi ocorre exatamente no terceiro e último álbum que ele gravou com o Experience: o duplo "Electric Lady Land". O seu primeiro LP era pura explosão: uma transposição para o vinil da energia em estado bruto que emanava do som de Hendrix. Depois veio "Axis: Bold as Love", com seus temas lisérgicos e maior elaboração no trabalho de estúdio, através de recursos técnicos então inovadores como o pan (efeito de estéreo em que um som passa de um canal a outro).
Em "Eletric Ladyland" estes experimentos de estúdios foram levados adiante. Mais do que nunca, Jimi sentia-se à vontade para ousar. Isso já se nota superposição de efeitos da vinheta introdutória "And the Gods Made Love". "Você já esteve na terra das mulheres elétricas/ O tapete mágico espera por você/ Então não se atrase" canta Jimi na faixa título. É o convite para uma imagem que segue através do tráfego da cidade e depois envereda pelo blues rasgado em "Voodoo Chile". O lado 2 começa com duas boas canções, mas menores em relação ao conjunto: "Little Miss Strange" (do baixista Noel Redding) e "Long Hot Summer Night". Mas ganha corpo novamente a partir de uma versão de "Come On" de Earl King e torna a brilhar no funk sincopado de "Gipsy Eyes" e nas linhas melódicas de "The Burning of the Midnight Lamp".
O segundo disco começa com a longa introdução tendendo para o blues de "Rainy Day, Dream Away"; o lado 3 conta apenas com mais duas músicas, que na verdade são uma única suíte, na qual vários climas se sucedem de maneira sublime. No último lado do disco há "Still Raining, Still Dreaming" - uma recriação da faixa que abre o lado 3 - que é seguida pelo pique de "Houses Burning Down", para encerrar-se com duas faixas geniais: "All Along the Watochtower", a versão definitiva da canção de Dylan, e "Voodoo Chile (Slight Return)", outra recriação estupenda que abre espaço para novos vôos de Hendrix. Esse disco expõe as "drogas" mais pesadas que fizeram sua cabeça: blues, funk e rock'n'roll. Uma fórmula simples, que ele "dosava" com sua guitarra, seu fuzz e seu wah-wah. Só mesmo Syd Barrett conseguiu (um ano antes) pintar com cores psicodélicas um painel tão significativo, tão adiante das manias musicais da época - como o blues branco e o rhythm & blues.
O lançamento de "Electric Lady Land" coincidiu com o fim do Experience (Jimi, Noel e Mitch Mitchell na bateria). Hendrix iria montar a Band Of Gipsies, com o baixista Billy Cox e batera Buddy Miles (ex-Eletric Flag), gravando um disco ao vivo do show realizado no Fillmore East (em Nova York) na noite de ano novo 69/70. Novamente com Mitchell no lugar de Buddy Miles, Jimi faria "The Cry of Love", seu último disco antes de morrer repentinamente aos 27 anos (18/09/70). Uma vida curta, um enorme legado.

1.…And The Gods Made Love (1:21)
2.Have You Ever Been (to Electric Ladyland) (2:12)
3.Crosstown Traffic (2:25)
4.Voodoo Chile (15:05)
5.Little Miss Strange (2:50)
6.Long Hot Summer Night (3:30)
7.Come on (Let The Good Times Roll) (4:10)
8.Gypsy Eyes (3:46)
9.Burning Of The Midnight Lamp (3:44)
10.Rainy Day, Dream Away (3:43)
11.1983… (A Merman I Should Turn To Be) (13:46
12.Moon, Turn The Tides…Gently Away (1:01)
13.Still Raining, Still Dreaming (4:24)
14.House Burning Down (4:35)
15.All Along The Watchtower (4:01)
16.Voodoo Child (Slight Return) (5:14)

Download: http://www.megaupload.com/?d=Z1LEJ2NI

Artstruni - Cruzaid (2002) [Armenia]

2011-09-26T14:15:00.000-07:00

Banda liderada por Vahan Artsruni, compositor, arranjador e guitarrista (acústica), mas há espaço para todos os músicos envolvidos mostrarem suas qualidades. O disco é quase todo instrumental e o som é uma excelente simbiose entre sons do ocidente e do oriente médio. O encarte do álbum traz um resumo da história da Arménia, entre várias informações interessantes, aquela que se relaciona com o título do disco: o fato da Arménia ter sido a primeira nação estado a adotar o cristianismo como religião oficial (século IV, ano 301).
No total são seis músicos que desfilam por todas as oito faixas do álbum uma elevada destreza em seus respectivos instrumentos, cujo som pode ser descrito como um fusion de fácil e suave sonoridade. O grupo ainda conta com um sotaque do Oriente Médio na sua musicalidade, o que mostra que longe de simplesmente imitar seus colegas americanos e ingleses, eles optam por apelar para sua própria formação cultural para dar a sua música um sabor genuíno local.

1.Aditon (5:51)
2.Barev (4:51)
3.The Lost Symbol (6:10)
4.Cruzaid (Part One) (6:30)
5.Cruzaid (Part Two) (6:06)
6.Im Ser (6:18)
7.Anush Garun (6:37)
8.Call of the Wind (5:01)

Download: http://www.megaupload.com/?d=QRMTOKEE

Sandrose - Sandrose (1972) [France]

2011-09-16T11:28:00.000-07:00

Considerado por muitos como um dos principais grupos franceses de rock progressivo e um dos mais bem produzidos no gênero citado. O mentor do Sandrose é o guitarrista e compositor Jean Pierre Alarcen, que iníciou sua carreira em meados dos anos 1960, participando de vários grupos, inclusive da montagem da peça Hair em teatros franceses, porém sem alcançar o reconhecimento merecido. Posteriormente, integrou o grupo Eden Rose durante um curto período e ao deixar o grupo chamou o tecladista Henri Garella e o baterista Michel Julliem para tentarem a sorte em um novo projeto. Completaram o grupo o baixista Christi an Clairefond e a vocalista Rose Podwojny. Após vários ensaios, o grupo já tinha composto várias canções que formavam um bom repertório, sendo a maioria delas divididas entre Alarcen e Garella. Rapidamente assinaram com o selo Polydor francês e lançaram no ano de 1972 o seu primeiro e único disco. O destaque deste trabalho era o intercâmbio entre a guitarra e o teclado como se percebe logo na primeira faixa do disco, Vision. Em seguida, temos Never Good At Sayin’’ Good-bye onde Rose Podwojny interpreta a canção com toda a dramaticidade que este tipo de balada pede. A categoria de Alarcen para compor melodias com influências de música erudita e rock é demonstrada em Underground Session. A combinação dos dois estilos musicais gerou uma obra densa e climática que é valorizada pelo arranjo sinfônico produzido pelo mellotron executado por Garella aliado a um forte arranjo vocal. Old Dom is Dead tem um belo arranjo para guitarra e melotrom e é realçado pelo timbre vocal de Rose, realmente bem agradável. A faixa que tem um suingue mais acentuado no ritmo da bateria e baixo é To Take Him Away onde Alarcen demonstra toda a sua habilidade instrumental que é valorizada pelo acompanhamento dos outros membros na parte rítmica e na parte final com um sofisticado arranjo de teclados. Nesta e em outras faixas do disco podemos notar a capacidade individual de cada músico para dominar o seu instrumento e assim interpretar as composições com a intensidade necessária. Summer is Yonder mantém a atmosfera climática das faixas anteriores. O disco encerra com Metakara, uma composição de Henri Garella que demonstra muita influência de Jazz nas linhas melódicas da guitarra e órgão. Um agradável final. O disco, em determinados momentos, lembra alguns trabalhos de bandas inglesas como Spring e Pink Floyd principalmente nos timbres para teclados. Com o lançamento do disco, o grupo executou o seu repertório em várias apresentações durante o período de novembro a dezembro do ano de 1972, porém a falta de reconhecimento (principalmente financeiro) realçou as divergências internas que culminaram com o fim do grupo no final daquele ano. Sandrose é hoje um verdadeiro clássico do rock pogressivo francês e uma autêntica raridade em seu formato original. Jean Pierre ainda continuaria em carreira solo produzindo interessantes trabalhos nos anos seguintes.

Fonte: Livro - Rock Raro - O Maravilhoso e deconhecido mundo do rock

1.Vision (5:22)
2.Never Good at Sayin’Good Bye (3:07)
3.Underground Session (Chorea) (11:06)
4.Old Dom is Dead (4:40)
5.To Take Him Away (7:04)
6.Summer is Yonder (4:47)
7.Metakara (3:22)
8.Fraulein Komen Sie Schlafred Mit Mir (0:32)

Download: http://www.megaupload.com/?d=8BSLN9BU

Heads Hands and Feet - Old Soldiers Never Die (1973) [U.K]

2011-09-16T10:36:00.000-07:00

Old Soldiers Never Die é o terceiro álbum deste interessante grupo inglês que fazia um rock com pitadas country e que era embalado em bonitos arranjos e boas melodias. O álbum acabou sendo o canto do cisne do grupo que era liderado pelo bom guitarrista Albert Lee. Jack of All Trades abre o álbum trazendo uma interessante faixa e que pode até enganar quanto ao gênero musical do disco. Numa espécie de faixa de musical da Broadway traz uma orquestra ao fundo fazendo com que o rock seja brevemente substituído por algo mais teatral. No decorrer da música, o rock and roll novamente assume os controles e desta vez um piano à la Jerry Lee Lewis é detonado por Albert Lee. O álbum avança desta vez com a bonita balada country Meal Ticket. A faixa mostra um vocal seguro de Tony Colton numa canção que passeia nas praias de grupos como James Gang, Eagles, The Band, Grateful Dead, entre outros. É um bonito momento do álbum principalmente para os fãs do sourtern rock. Outra canção que chama a atenção é Soft Word Sunday Morning. Uma bonita melodia, bom trabalho vocal de Colton e novamente a orquestra conduzida pelo maestro Johnny Harris traz todo o clima romântico e dramático para o momento. Não é o que se pode chamar exatamente de um rock clássico, mas ouvindo com atenção, a canção pode ser muito bem apreciada. A faixa seguinte é One Woman, desta vez o vocal é feito pelo convidado Albert Ray e a canção é um boogie no melhor linha Stones, safra setentista. A canção tem um clima festivo e agrada bastante a fãs de rock and roll clássico. I Just Another Ambusch é uma faixa tipicamente americana. A melodia e o arranjo se aproximam muito de canções de grupos como The Band principalmente pelo trabalho das guitarras e vocais de Albert Lee. Sem dúvida, um dos melhores momentos do álbum. Stripes é uma balada temperada por bons vocais e arranjo carregado de emoção enquanto que Taking my Music to the Man é um diverti do country rock na melhor linha Nitt y Dirty Gritty Band. Para fechar o álbum, Another Useless, um pop rock com vocal do baixista Chas, que mostra o quanto o grupo era polivalente, visto que seus músicos desempenhavam várias funções musicais. Ótimo final para um memorável álbum e que ainda hoje soa bem-humorado caindo muito bem vez ou outra. O Heads Hands and Feet já vinha de dois trabalhos bem-sucedidos e após alguns desgastes entre seus músicos lançaram este derradeiro trabalho. Após o final do grupo alguns de seus integrantes passaram a acompanhar o músico americano Jerry Lee Lewis em dois discos quando este gravava em Londres entre 1971 e 1973. O músico Albert Lee tocaria mais tarde com personalidades como Jon Lord, Emmylou Harris, Eric Clapton, entre tantos outros.

Fonte: Livro - Rock Raro - O Maravilhoso e deconhecido mundo do rock

1.Jack of All Trades (1:48)
2.Meal Ticket (2:44)
3.I Won’t Let You Down (5:04)
4.Soft Word Sunday Morning (4:35)
5.One Woman (5:33)
6.Just Another Ambusch (4:00)
7.Stripes (5:02)
8.Taking My Music to the Man (3:44)
9.Another Useless Day (4:33)

Download: http://www.megaupload.com/?d=N2NH9CC3

Miklagård - Miklagård (1979) [Sweden]

2011-08-05T06:53:00.000-07:00

A idéia de formar esse grupo veio de Thomas Sundström(tecladista e vocalista), músico que teve inclusive uma carreira compondo trilhas pra TV sueca. Nos anos 70 se juntou ao outros dois que viriam a ser membros da banda Bjorn Rothstein(baterista) e Leif Lerman(baixista, saxofonista e tecladista) pra lançarem apenas um álbum homônimo no fim da década.
Bom, creio que pela própria formação de instrumentos da banda, exceto pelo saxofone, não tem como não pensar em uma influência de Emerson, Lake e Palmer, e de fato ela existe, o grupo explora bastante alguns formatos de musicalidade do trio inglês pra construir seu som. Alem disso, nota-se também uma boa influência na escola progressiva italiana, principalmente se pensarmos em Le Orme e o tipo de vocal que a banda desenvolve. No geral um álbum interessante, que pode agradar principalmente aos fãs de Emerson, Lake & Palmer e em certos pontos, do progressivo da terra da bota.
Os vocais são em suecos, mas soam legais e não será o maior problema para os que caso dêem uma chance a esse trabalho.

1.Kastraten (3:05)
2.Trälen (3:30)
3.Astrologen (3:52)
4.Narren (4:40)
5.Häxan (4:38)
6.Mellanspel - Erotic views approaching (2:28)
7.Soldaten (12:45)

Download: http://www.megaupload.com/?d=W8RU822X

Raw Material – Raw Material (1970) [U.K]

2011-08-03T12:03:00.000-07:00

O Raw Material foi um grupo musical surgido no final dos anos 1960 na Inglaterra que absorveu os vários gêneros do rock para criar uma obra que se tornou clássica para os colecionadores ao longo dos anos. Mistura de psicodelismo, progressivo e hard rock, sendo que muitos classificavam o som do grupo com o estranho nome de rock espacial, mas o que o grupo oferecia era uma música contagiante e envolta num belo trabalho instrumental. A estreia fonográfi ca da banda se deu com Raw Material em 1970 pelo selo Evolution. As inclinações progressivas e psicodélicas dão o tom ao álbum que conta com interessantes passagens de flautas, harpas e saxofones. Os instrumentos citados os diferenciavam da grande maioria dos grupos de sua época, além de contar com uma boa dose de originalidade. Raw Material começa com Time and Illusion, canção progressiva que tem o órgão como destaque, principalmente em sua parte mais instrumental. A longa faixa possui uma estrutura bem definida, passagens especiais, solos variados de bateria e teclados, além de uma melodia contagiante. O órgão de Colin Hatt é o destaque e mostra que o músico possuía talento e criati vidade. I’d be Delight também é uma canção agradável, bom trabalho do baixista Phil Grunn, além de um impagável momento das flautas e sax realizado por Mick Fletcher Fighting Cock também é outra bela canção, balada se situando entre Van Der Graaf Generator e King Crimson, porém sem ser exatamente uma imitação, pois o Raw Material tinha personalidade definida Bobo’s Party fecha o lado A, sendo uma música menos interessante mas que cumpre o papel em completar o álbum. O outro lado também tem boas canções, mas acaba sendo um pouco inferior e não traz a unidade do primeiro lado. Os destaques são as faixas Pear on An Apple Tree, um blues rock com direito a ótima guitarra e teclado no estilo boogie ao fundo para dar um toque especial. Future Recollections é uma balada progressiva bacana que traz bons momentos instrumentais além de um vocal que dá conta do recado. Já Traveller Man está mais próximo do psicodelismo americano e com leve influência bluseira principalmente ajudada pela gaita que aparece durante a execução. O mesmo pode-se dizer da faixa que fecha o álbum, Days of the Fighti ng Cocks, que também é fortemente inspirada pelo som nascido na costa oeste americana. Como saldo final, Raw Material se mostra um bom disco, principalmente na parte instrumental, talvez tenha faltado mais consistência e um foco mais bem definido quanto ao seu definitivo estilo. A banda apontou para várias frentes e acabou não sendo efetiva em nenhuma, o que não significa dizer que o disco seja ruim. Muitos fãs até citam o segundo disco da banda, Time is Rare, como superior a este. Raw Material teve um relançamento em 2001 pelo selo espanhol Wahwah Records para deleite dos fãs do gênero. Existem também edições com o formato digital dos discos da banda.

Fonte: Livro - Rock Raro - O Maravilhoso e deconhecido mundo do rock

1.Time And Illusion (7:30)
2.I'd Be Delighted (5:08)
3.Fighting Cock (3:48)
4.Pear On An Apple Tree (2:55)
5.Future Recollections (3:55)
6.Traveller Man (6:12)
7.Destruction Of America (2:19)

Bonus Tracks:

8.Time And Illusion (different version) (3:12)
9.Hi There Halleluja (2:47)
10.Bobo's Party (3:15)
11.Days Of Fighting Cock (3:08)

Download: http://www.megaupload.com/?d=HM94U601

Randy Holden – Population II (1969) [USA]

2011-08-03T12:01:00.000-07:00

O disco em questão é um trabalho realizado pelo ex-guitarrista do grupo norte americano Blue Cheer, Randy Holden e foi produzido no ano de 1969 em parceria com o baterista Chris Lockeed. Seu conteúdo nos permite classificar o disco como um dos grandes clássicos do hard rock setentista e alvo direto dos colecionadores do gênero. Praticamente se trata de um álbum solo de Randy já que além de produzir, compor, cantar, ele ainda toca guitarra e baixo na maioria das canções. Vale lembrar que Randy Holden foi considerado um dos grandes músicos da sua época e isso pode ser comprovado no álbum New! Improved!” lançado em 1969 pelo Blue Cheer, um dos grupos ícones e fundadores do chamado heavy metal anos mais tarde. O álbum em questão inicia com a faixa Guitar Song. Como o título já diz, trata-se de uma longa viagem regada a um trabalho excelente do músico que esbanja categoria e técnica nesta pesada e incrível abertura. Na sequência, Fruit & Icebergs mostra uma faixa também pesada, bastante densa onde o baterista Chris Lockeed traz o peso e pegada ideal para a canção. Between Time é uma faixa mais curtinha e mostra um vigoroso hard rock atrelado a uma melodia contagiante. O lado A termina com a conclusão de Fruit & Icebergs num trabalho instrumental de primeira onde o guitarrista cria um belo trabalho das guitarras, abusando de efeitos especiais e terminado o lado de forma excepcional. O lado B do álbum traz apenas duas longas canções. A primeira é Blue My Mind, trabalho que mantém aquilo que foi mostrado no primeiro lado. Se o trabalho vocal de Randy Holden não chega a ser brilhante, é na melodia, arranjo e nas guitarras cortantes que o trabalho se segura com ótima qualidade. Interessante notar que, apesar de se tratar de uma dupla, a faixa traz peso e as guitarras se cruzam em solos densos e de extremo bom gosto. O álbum termina com a suíte Keeper Of My Flame. Em mais de dez minutos a dupla apresenta um trabalho conciso e forte. O único ponto que deixa a desejar realmente é o vocal limitado de Randy, enquanto a parte instrumental é ótima. Apesar disso, o disco realmente vale a pena, pois, além de ser um clássico do hard rock setentista, ainda é um disco que agrada em cheio principalmente a fãs e álbuns de guitarristas, já que as faixas mostram belos trabalhos apoiados no instrumento. Apesar da qualidade musical, o álbum não decolou nas paradas. O álbum teve um lançamento desastroso e a dupla se separou pouco tempo depois. Apenas nos anos 2000 Holden voltou a gravar novos álbuns. A versão original do vinil é muito rara hoje em dia. Uma versão mais do que especial foi lançada em 2008 contando com apenas 2000 cópias devidamente numeradas e com a assinatura do próprio Handy Holden em cada cópia. A edição ainda traz uma prensagem para lá de caprichada.

Fonte: Livro - Rock Raro - O Maravilhoso e deconhecido mundo do rock

1.Guitar Song (6:10)
2.Fruit & Icebergs (5:01)
3.Between Time (1:49)
4.Fruit & Icebergs – Conclusion (1:50)
5.Blue My Mind (6:00)
2.6. Keeper Of My Flame (10:02)

Download: http://www.megaupload.com/?d=X0GGPNQZ

Camel - Rajaz (1999) [U.K]

2011-08-02T15:09:00.001-07:00

Após uma década de 70 em quase sua totalidade bastante interessante, os anos 80 foi a época de dividir boa parte dos fãs do grupo entre os que aceitavam aquela sonoridade 80’s que fugia das suas raízes progressivas e os que não se interessavam tanto mais pelo que a banda vinha fazendo em álbuns como The Single Factor e/ou Stationary Traveller. Mas seguindo o bom e velho ditado em que diz que depois da tempestade a bonança, após um hiato de sete anos, os anos 90 serviram pro Camel voltar com suas raízes progressivas que pareciam ter sido senão totalmente esquecida, mas pouco utilizadas em trabalhos anteriores.
Essa espécie de “regresso as origens” resultou em três ótimos trabalhos na década de 90, sendo Rajaz, o álbum alvo do tópico, o ápice da criatividade da banda naquele período, podendo ser citado inclusive como o melhor álbum desde a trinca que no geral os fãs escolhem como os melhores discos da banda Mirage, The Snow Goose e Moonmadness. Rajaz trata-se de um álbum conceitual em que é definido no próprio encarte do CD da seguinte maneira: A música dos poetas conduzia antigamente as caravanas através de grandes desertos. Cantada ao ritmo dos passos dos camelos, despertava cansados viajantes para seu único objetivo... o fim da jornada. Esta poesia é chamada "Rajaz". Ao ritmo do camelo. Enfim, o tema do album é basicamente sobre a solidão do deserto e todos os seus mistérios. Muito interessante também é como a banda conseguiu criar uma sonoridade totalmente condizente com a temática do álbum. Novamente, Latimer mostra extrema capacidade em criar melodias muito belas e inspiradas, alem de letras de uma carga emocional bastante grande.

1.Three Wishes (6:58)
2.Lost And Found (5:38)
3.The Final Encore (8:07)
4.Rajaz (8:15)
5.Shout (5:15)
6.Straight To My Heart (6:23)
7.Sahara (6:44)8.
8.Lawrence (10:46)

Download: http://www.megaupload.com/?d=6HDITNKZ

Magna Carta – Seasons (1970) [U.K]

2011-07-08T19:00:00.000-07:00

Segundo disco deste trio londrino que criou bons trabalhos de folk rock com francas tendências progressivas e se chamava Magna Carta. O disco em questão é basicamente conceitual e descreve sobre as estações do ano e o estado de espírito que elas suscitam nas pessoas. Este conteúdo ocupava todo o primeiro lado do disco numa longa suíte chamada Seasons sendo dividida em nove partes. As faixas são muito belas com arranjos com cordas e violões acústicos que mostram uma banda bem entrosada. Vale lembrar que a banda era fã confessa da dupla americana Simon e Garfunkel. Esta referência pode tranquilamente ser notada em várias passagens do álbum. Seasons inicia com Prologue, faixa que introduz a parte conceitual do álbum. A sucessão dos temas vai ocorrendo de forma interessante e todas elas discorrem sobre as quatro estações do ano. Winter Song é um bonito som com violões num um belo trabalho vocal do trio, além de uma melodia bem agradável. O destaque é o bonito refrão, extremamente bem trabalhado. É interessante notar que a execução das faixas se contextualiza com a própria estação do ano desde as letras até mesmo nos sons que são produzidos. A parte instrumental do disco tem a ilustre parti cipação de vários músicos de porte, incluindo gente como o produtor e baixista Tony Visconty e ninguém menos do que Rick Wakeman nos teclados. Sem dúvida nenhuma se trata de participantes de respeito. A continuação do disco traz Summer Song, uma canção que mostra um ritmo mais dançante, quase cinematográfico, comemorando o nascer do sol e o fato de que um dia claro e quente faz com que o espírito das pessoas fi que mais feliz e contagiante. O faixa também traz um belo e feliz arranjo orquestral. Já o lado B do disco é composto por seis óti mas faixas, com destaque para as duas últimas músicas. A primeira delas é Scarecrow, uma linda balada folk e Aiport Song, muito parecida com os melhores momentos de Simon e Garfunkel e que determina um belo final para o álbum. O disco foi lançado pela Vertigo em 1970 e, apesar de soar bem interessante, não alcançou um resultado esperado pela banda e gravadora. A estréia da banda havia sido realizada no ano anterior com o disco Magna Carta. Após o lançamento de Seasons, a banda lançaria vários outros álbuns até o final dos anos 1980. Destes pode-se destacar Songs From Wasti es Orchard em 1971, Lord of the Ages em 1973 ainda pela gravadora Vertigo, além de um álbum duplo em 1972 chamado In Concert.

Fonte: Livro - Rock Raro - O Maravilhoso e deconhecido mundo do rock

1.Seasons (22:17)
2.Goin’My Way (2:53)
3.Elizabethan (2:34)
4.Give me no Goodbye (3:07)
5.Ring of Stones (3:47)
6.Scarecrow (2:16)
7.Airport Song (3:38)

Download: http://www.megaupload.com/?d=6PWNU9EG

Ram - Where (In Conclusion) (1972) [USA]

2011-07-07T09:12:00.001-07:00

Dentro da enorme quantidade de álbuns lançados no início dos anos 1970, podemos afirmar tranquilamente que muitos deles se tratam de ótimos trabalhos, mesmo que não sejam tão fáceis de serem assimiliados. Where? (In Conclusion) talvez até possa considerado como um desses casos que caem nesta condição. Complexo e independente, o álbum traz quatro canções e uma longa suíte que é uma mistura de diversas tendências musicais. A cada nova audição, é possível perceber detalhes que chamam atenção e fazem com que o prazer em ouvi-lo seja gradati vo. Lançado em 1972 pelo quinteto americano RAM pela gravadora Polydor, mistura space rock com influências psicodélicas. No álbum não existem canções fáceis, assobiáveis e muito menos candidatas a hit radiofônico. O lado A do disco contém boas canções como The Want In You. A faixa mistura um pop rock com um bom trabalho da bateria e interessantes solos de guitarra. Se o vocal não chega a impressionar, é na parte instrumental que a banda se garante e demonstra maior segurança. A coisa melhora com Stoned Silence, um rock bem executado que chega a lembrar brevemente Jethro Tull, principalmente pelo uso da flauta. Em pouco mais de cinco minutos a banda passeia entre o hard rock, psicodelismo e até mesmo passagens progressivas e que se não chega a emocionar certamente surpreende e agrada muito em sua audição. Na sequência do disco, ainda temos a faixa Odyssey. Começa com uma levada acústica de violão e flauta. Teclados e bateria fazem o acompanhamento básico deste momento instrumental mais calmo do disco. O rock and roll volta em seguida com a faixa The Mothers Day Song, um som baseado em guitarra e vocal, quase um blues rock que imediatamente remete a Jimi Hendrix. Aqui o instrumental manda ver apesar de a parte vocal não estar no mesmo nível, mesmo não chegando a comprometer o trabalho. O lado B é composto pela suíte Aza, dividida em quatro partes e que com mais de 20 minutos traz um bom rock, inclusive sendo a última parte composta pela faixa-título. A faixa é o destaque do disco, com belas passagens progressivas e outras psicodélicas mostrando que a banda tinha seu valor, mesmo que o seu lançamento tenha passado totalmente despercebido. A faixa poderia tranquilamente fazer parte de qualquer viagem progressiva de muitas grandes do cenário em pleno ano de 1972. No final das contas Where? (In Conclusion) se mostra um disco consistente. Uma característi ca do RAM é a dificuldade em classificar exatamente em qual gênero se inseriam, visto que circulavam bem por várias tendências musicais. De toda forma, é importante salientar e reconhecer que era uma boa banda e que se não fez sucesso em 1972 não foi por falta de qualidade; talvez o que atrapalhou foi o pouco incentivo de divulgação e em menor escala talvez pela falta daquele hit certeiro. A capa do álbum também não é algo que realmente chame a atenção. O disco teve um lançamento em CD em 1999, pela Lizard Records, edição que infelizmente não traz maiores informações, tendo inclusive o encarte apenas com capas de outros lançamentos da gravadora.

Fonte: Livro - Rock Raro - O Maravilhoso e deconhecido mundo do rock

1.The Want In You 4:23
2.Stoned Silence 5:29
3.Odyssey 3:43
4.The Mothers Day Song 6:19
5.Aza 20:57
a)Spiral Paths
b)Bound
c)Peril And Fearer
d)Where? (In Conclusion)

Download: http://www.megaupload.com/?d=Q9HQYHPV

Quintessence - Quintessence (1971) [U.K]

2011-07-07T08:11:00.000-07:00

Os loucos anos do final da década de 1960 viram surgir vários grupos que misturavam o psicodelismo do período com outros gêneros musicais como, por exemplo, o progressivo e o folk rock. Um desstes grupos que chamou bastante atenção tendo feito relativo sucesso por criar uma música climática que misturava tudo isso e ainda trazia elementos de música indiana foi o Quintessence. Criado em Notthin Hill pelos músicos Raja Jam e Shiva Shankar, o grupo gravou alguns belos discos com destaque para este terceiro título chamado Self e lançado em 1972 pelo selo RCA. Se os dois primeiros, lançados pelo selo Island, já eram de ótima qualidade, foi neste que o grupo atingiu seu ápice criando belas canções aliadas a arranjos inspirados. O disco, ao longo dos anos, se tornou mais uma raridade sendo bastante procurado por colecionadores do mundo do rock and roll e, quando encontrado, geralmente é vendido por preços pouco convidativos. O disco se divide em dois lados bem distintos, sendo que o primeiro lado foi gravado em estúdio, mas precisamente no Olympic Studios, e o segundo é composto por duas longas faixas e foi gravado ao vivo em Exeter University em 11 de dezembro de 1971. A primeira faixa é Cosmic Surfer e aqui o grupo apresenta um bonito trabalho, cuja alegre melodia é envolta num trabalho de fl auta por Raja Jam e com um gostoso refrão mostrando que o disco realmente é dos mais interessantes. Wonders of Universe mostra uma letra simples e que evoca a DEUS nesta balada que mantém o álbum em alta. VishnuNarain é um pop rock cujo acompanhamento de flauta e guitarras se destacam bastante. Hallelujad é mais outra interessante música. Como um mantra, possui uma proximidade entre o rock progressivo da época como algo próximo do religioso. Sem dúvida, é tema bem interessante e cuja interpretação demonstra entrega, garra e sinceridade. O clima sacro atinge o ápice em Celestial Procession e finaliza o lado A com Self. Já o lado B, gravado ao vivo, traz um clima diferente. Aqui o espírito rock and roll fica mais evidente. Com bom trabalho de percussão e um belo solo de guitarra, mostra o quão interessante era o grupo. Self termina com a faixa Water Goddess, uma longa canção com notória influência do rock progressivo. Sem dúvida, um final excelente para este álbum. O disco chegou a alcançar o 50º posto nas paradas inglesas, posição de destaque e que ainda propiciou ao grupo lançar um novo álbum em 1973 intitulado Indweller, mas já sem a mesma beleza e qualidade deste Self. A banda ficou muito conhecida por criar uma música com teor espiritual e pelo clima de sua música é possível associá-la à new age, surgida alguns anos depois. Poucas vezes o rock and roll se uniu com a música indiana de forma tão arrebatadora. O Quintessence se tornou mais uma daquelas bandas míticas do cenário da época, valendo ainda muito a pena ter acesso a este belo e recomendável disco.

Fonte: Livro - Rock Raro - O Maravilhoso e deconhecido mundo do rock

1.Cosmic Surfer (3:50)
2.Wonders of the Universe (3:29)
3.Hari Om (0:46)
4.Vishnu-Narain (6:27)
5.Hallelujad (4:16)
6.Celestial Procession (1:22)
7.Self (3:07)
8.Freedom (6:45)
9.Water Goddess (14:24)

Download: http://www.megaupload.com/?d=OCUXC4VL

Cai - Más Allá De Nuestras Mentes Diminutas (1979) [Spain]

2011-05-19T16:06:00.000-07:00

Este é 1º trabalho da banda espanhola Cai que possui um estilo bem espanhol, com uma pequena inclinação jazzística. Seguindo de forma magnífica o progressivo típico espanhol, o disco traz bons exemplos de rock andaluz, guitarra proeminente e muito bem tocada, vocal bem típico do país, bateria atuante e muito bem colocada e o uso sob medida do teclado e do baixo. Todos os músicos são muito competentes e as músicas muito inspiradas, com algumas boas quebras, e é claro são composições muito bonitas (principalmente as duas primeiras). Mais um excelente exemplo da força do progressivo espanhol.
Super recomendado.

1. Alameda (7:15)
2. Mas Allá De Nuestras Mentes Diminutas (9:25)
3. Solución A Un Viejo Problema (6:09)
4. Pasa Un Dia (10:43)

Download: http://www.megaupload.com/?d=FAF9RTFZ

Irish Coffee – Irish Coffee (1971) [Belgium]

2011-05-19T08:57:00.001-07:00

Outra maravilha oriunda do território belga, mais precisamente da pequena cidade denominada Aalst, localizada no flandres oriental, uma das três regiões do território da Bélgica. No começo da carreira o grupo denominava-se The Voodoos e executava covers de Cliff Richard and Shadows e posteriormente Beatles e Rolling Stones, porém, a partir do início dos anos de 1970 resolveram mudar o nome do grupo para Irish Coff ee e lançaram um compacto com dois temas, Masterpiece e The Show, no ano de 1971 pelo selo Triangle. Este lançamento lhes rendeu algum reconhecimento no território belga e países vizinhos, o que motivou a gravadora a bancar a gravação de mais um compacto, novamente com duas composições, chamadas Carry on e Child e que também tiveram uma boa repercussão, fato esse que incentivou a gravadora a investi r na confecção de um álbum. O primeiro álbum do grupo, lançado no ano de 1972, seguia a linha definida nos dois primeiros compactos, ou seja, mais temas onde o guitarrista Jean Van Der Schuerem demonstra toda a sua criatividade para executar bases seguras, solos inventivos e emocionantes, principalmente na faixa The Begining Of The End, um inspirado hard progressivo onde seu trabalho é um show à parte. O disco mostra também o perfeito entrosamento entre o baixista Willy De Bisschop e o baterista Hugo Verhoye. A participação do tecladista Paul Lambert não deixa a desejar em relação aos outros músicos. Em todos os temas, ele mostra categoria com intervenções intricadas, dinâmicas e melódicas que dão um sabor todo especial às músicas. Porém, o que torna este disco um item obrigatório para os apreciadores de um bom hard progressivo é a atuação do vocalista Souff reau. Com um timbre vocal na medida exata para as composições do grupo, sua participação é simplesmente soberba. No geral, todas as faixas são ótimas e em nenhum momento acontece uma queda na qualidade e destacar uma em detrimento de outra seria uma injustiça. Após o lançamento do álbum o grupo lançaria um single com a faixa Down Down Down ainda no ano de 1972 e no ano seguinte mais um compacto com as músicas Witchy Lady e I’m Her’s. Infelizmente neste mesmo ano o tecladista faleceu em um acidente de carro – o que determinou o fi m do grupo. O disco original é uma verdadeira relíquia, pois foram editados somente três mil cópias e no ano de 1992 o selo Voodoo Record lançou uma edição limitada de 1500 cópias contendo todas as faixas gravadas pelo grupo e que foram editadas apenas como single anteriormente.

Fonte: Livro - Rock Raro - O Maravilhoso e deconhecido mundo do rock

1.Masterpiece (3:08)
2.Can't Take It (4:10)
3.The Beginning Of The End (6:24)
4.When Winter Comes (4:56)
5.The Show (Part I) (2:57)
6.The Show (Part II) (3:03)
7.Hear Me (4:05)
8.A Day Like Today (6:56)
9.I'm Lost (4:34)
10.Carry On (3:15)
11.Child (3:46)
12.Down Down Down (2:42)
13.I'm Alive (4:15)
14.Witchy Lady (2:59)
15.I'm Hers (4:35)

Download: http://www.megaupload.com/?d=65H709LQ

Fuzzy Duck – Fuzzy Duck (1971) [U.K]

2011-05-19T08:53:00.001-07:00

O Fuzzy Duck é o nome do disco homônimo lançado em 1971 por esta banda que contava em seu cast com bons músicos, como Mick Hawksworth que veio do Andromeda após o término do conjunto no final de 1969. Se situando entre o rock and roll, psicodelismo e passagens mais progressivas, o Fuzzy Duck trouxe ao mundo musical esta única obra que se tornou ao longo dos anos um trabalho muito comemorado pelos colecionadores de rock em geral. O tema de abertura do álbum, Time Will Be Your Doctor traz belo trabalho instrumental onde baixo e teclado se revezam de forma brilhante durante o andamento da faixa. A melodia chama atenção pelo bom gosto. A canção traz também um bonito solo de guitarra e que demonstra que os músicos ti nham talento, estilo e personalidade, mesmo sendo sua estreia no mundo fonográfico. Na sequência temos Mrs. Prout novamente com destaque para o trabalho do tecladista Roy (Daze) Sharland e uma linha de baixo que é um show à parte. A banda contava com dois vocalistas em seu line up, sendo que nesta faixa o cantor é Grahame White que, aliás, faz o trabalho de forma muito competente além de também ser o guitarrista principal da banda. A terceira faixa do álbum é Just Look Around You, uma música de primeira linha e novamente trazendo um brilhante solo do guitarrista Grahame White. Para apreciadores desse esti lo, pode-se afirmar que é uma daquelas músicas que já paga o disco todo. Afternoon Out é basicamente um som psicodélico sessentista, lembrando de certa forma os Beatles da fase de Revolver mostrando um clima mais leve, alegre e para variar com bom trabalho instrumental. O segundo lado de Fuzzy Duck também é bom, apesar de não manter o mesmo nível da qualidade do primeiro. Não que as faixas sejam ruins, muito pelo contrário. In Your Time é um belíssimo som. O que ocorre na verdade é que o primeiro lado é um espetáculo de rock and roll e que faz da banda e disco algo muito bom e que mereça ser apreciado mesmo depois de tantos anos do lançamento original da obra. A capa do disco é bem-humorada. Entre seus relançamentos podemos citar o de 2001 pela Akarma, tanto em CD como em vinil, inclusive contando com nada menos do que quatro faixas bônus. Como curiosidade: a faixa A Word From Big D conta com um vocalista denominado Guest Star. Será que alguém se arrisca a adivinhar quem cantou nesta música? Arriscamos a dizer que se trata da figura da capa. A brincadeira é até interessante e mostra o bom humor que o grupo trazia para esta bela obra. Com o grande número de grandes álbuns lançados na época o Fuzzy Duck não conseguiu o êxito esperado e em pouco seus músicos trilharam outros caminhos. Após o encerramento das atividades, seus músicos trabalharam com diversas bandas conhecidas como Ten Years After, East of Eden, Maggie Bell, entre outros.

Fonte: Livro - Rock Raro - O Maravilhoso e deconhecido mundo do rock

1.Time wil be your doctor (5:11)
2.Mrs Prouts (6:48)
3.Just look around you (4:24)
4.Afternoon out (4:59)
5.More than I am (5:33)
6.Country boy (6:04)
7.In out time (6:41)
8.A word from bid D (1:41)

Download: http://www.megaupload.com/?d=WT78WJV0

La Mosca – npk2 (1970) [Spain]

2011-05-07T13:56:00.001-07:00

Clássico do rock espanhol, o grupo La Mosca lançou esta pequena obra-prima chamada npk2 em 1970. Totalmente cantado em inglês, já tem em seu início uma maravilhosa faixa chamada Free cujo arranjo é de uma sutileza e bom gosto espantoso. Chega a lembrar em algumas passagens o ótimo Atomic Rooster de Vincent Craine. A próxima é uma faixa instrumental mais voltada a uma linha hard com pitadas progressivas e também colagens de jazz rock em alguns momentos. O que se destaca na canção é o órgão de Matt Sanvellian, exatamente o arranjador de todas as faixas do disco. Uma beleza de música. Atualmente raríssimo no formato vinil, o disco, por incrível que pareça, teve uma prensagem no Brasil na época de seu lançamento, sendo procurado por colecionadores de todo o mundo. A capa do disco é um caso à parte: a grande mosca estampada em fundo branco nos mostra a quanto maluca era a banda e certamente não estavam muito preocupados com a estética comercial que muitos seguiam à risca sob pena de serem esquecidos ou marginalizados pelo mercado fonográfico. As criações são divididas entre todos os músicos da banda. Faixas como Dreamy Sleeper – um blues com direito a gaita e uma produção para lá de simples, trazem um charme especial ao disco, alimentando ainda mais a sua fama de cult, ganha desde o lançamento até os dias de hoje. Yellow Flying Bird encerra o lado A de forma primorosa numa canção que chega em muito a lembrar as bandas brazucas dos anos de 1970. O lado B começa mais pesado com a ótima faixa Once Upon a Time, novamente com belo arranjo nesta excelente canção. Mademoiselle é uma pérola instrumental que demonstra como os músicos da banda eram criativos, habilidosos e com bom gosto. O final do álbum é com a faixa Warning Signals, canção mais voltada ao psicodelismo sessentista e fecha o álbum com chave de ouro. Mesmo com um resultado final bastante interessante, o La Mosca ficou apenas neste disco, mas que acabou tornando-se uma peça rara dos colecionadores em todo o mundo, felizmente relançada anos depois. A cópia brasileira deste ótimo álbum vale uma pequena fortuna nos quatro cantos do mundo. Recentemente npk2 foi relançado em CD e vinil pelo selo catalão Guerssen. Esta edição traz capa dupla, ótima prensagem além de um pôster do grupo com foto e informações técnicas.

Fonte: Livro - Rock Raro - O Maravilhoso e deconhecido mundo do rock

1.Free (3:35)
2.Chemin de Fer (3:49)
3.Dreamy Sleeper (3:13)
4.Yellow Flying Bird (3:23)
5.Once Upon a Time (6:13)
6.Mademoiselle (3:27)
7.Warning Signals (4:46)

Download: http://www.megaupload.com/?d=07HSNFTP

Hurdy Gurdy – Hurdy Gurdy (1971) [Denmark]

2011-05-07T13:47:00.000-07:00

Neste disco notamos que os músicos tinham muita influência de blues e jazz no currículo. A esta base combinaram algumas pitadas de música oriental, o que gerou um interessante hard rock progressivo. A produção do grupo e do engenheiro de som Freddy Hansson realçou todos estes elementos que aparecem nas músicas, aliás, a maioria delas compostas pelo guitarrista Claus Bohling. O grupo era originário da Dinamarca e estava sediado em Londres, onde absorveram toda a efervescência cultural que ocorria na capital inglesa no início da década de 1970 e que aparece claramente na faixa Peacefull Open Space, uma música conduzida pelo hipnóti co toque de uma sitar, e que mostra toda versati lidade de Bohling e com uma percussão com timbres orientais, proporcionando um agradável efeito psicodélico. Porém, esta música é a única em que essas característi cas fi cam mais evidentes. Já nas faixas restantes o que prevalece é a veia rocker do guitarrista como na faixa que abre o disco, Ride On, com um riff que se desenvolve sobre uma base perfeita fornecida pelo baixista Torben Forne. No entanto, este riff lembra vagamente a clássica “Baby, Please Don’t Go”, que foi regravada por inúmeros arti stas diferentes entre eles Van Morrison e o grupo Budgie, somente para citar alguns. Nas faixas seguintes – The Giant e Tell Me Your Name – o guitarrista fornece uma amostra da sua capacidade instrumental e da suas qualidades como compositor, principalmente em The Giant, que apesar do seu início um tanto quanto esquisito, é um formidável hard rock. Essas duas mostram que a citação alheia na faixa inicial deve ter sido um pequeno acidente. Os elementos de blues citados anteriormente surgem na composição Babels Tower, onde temos uma suingada mistura de gaita e guitarra, formando um agradável blues com toques progressivos. A temperatura esquenta novamente em Spaceman e Lost in the Jungle, duas vigorosas amostras do hard rock da banda, sendo que na primeira, com bateria quebrada, forte marcação do baixo e um contagiante refrão – sem falar do peso que exala da guitarra e a segunda, já mais cadenciada e com um delicioso groove de baixo. Duas músicas que valem pelo disco inteiro. O disco encerra com um belo hard blues: You Can’t Go Backwards, que é um cover do original de Richie St. John e tem um bom desempenho vocal. O álbum foi gravado no ano de 1971, mais precisamente entre os meses de maio e junho e editado pela CBS inglesa. Um trabalho altamente recomendado, coeso, inspirado e que não teve a merecida atenção de público na época do seu lançamento original. Esta pequena maravilha foi relançada em CD pelo selo Background Records no final dos anos de 1990 com três faixas bônus, versão essa postada aqui no blog.

Fonte: Livro - Rock Raro - O Maravilhoso e deconhecido mundo do rock

1.Ride On (5:07)
2.The Giant (5:35)
3.Tell Me Your Name (4:27)
4.Peaceful Open Space (5:19)
5.Babels Tower (3:11)
6.Spaceman (4:22)
7.Lost In the Jungle (9:55)
8.You Can’t Go Backwards (4:00)

Bonus Tracks:

9.Chain Me Down (5:42)
10.Year Zero Now (3:06)
11.Improv (4:37)

Download: http://www.megaupload.com/?d=41TSYZR1

Fresh Maggots – Fresh Maggots (1971) [U.K]

2011-05-07T09:54:00.001-07:00

Excepcional disco de folk desta incrível dupla, formada por Mick Burgoyne e Leigh Dolphin, ambos que com apenas 19 anos de idade na época, criaram uma verdadeira obra prima do gênero. Apesar disso o Fresh Maggots usava as guitarras como sua base instrumental, não fazendo exatamente um som folk tradicional como a maioria das bandas da época, pois eles tendiam mais para um som com levadas psicodélicas violões como acompanhamento. Super original, a dupla reunia técnica, estilo próprio e muito talento para criar um disco que se tornaria cult nos dias de hoje. Impressionante também a quantidade de instrumentos que a dupla usou neste disco e tudo isso com extrema competência e qualidade. A primeira faixa é Dole Song que apresenta um folk rock maduro, guitarras ácidas e instrumentos de sopro que dão todo charme à música. Já Rosemary Hil é próxima de um folk tí pico com destaque para os violões violinos. Mistura de Incredible String Band, Donovan, partes de Mellow Candle e até o diferente Gryphon nos momentos mais renascentistas, sendo uma das melhores faixas deste incrível e esquecido álbum. Quickie é uma curta e bonita faixa, com um folk mais tradicional baseado nos violões. Everyone Gone to War outra boa faixa deste lado A, cuja melodia triste aliada a uma base acústica e momentos mais ácidos também é bem interessante. Já And When She Laughs mostra um bom arranjo de violão, harmônica e um trabalho vocal acima da média. Balloon Song abre o lado B de forma surpreendente numa faixa interessante que passa por momentos mais progressivos e novamente as guitarras fuzzy se sobressaem. Who’s to Die lembra passagens renascentistas com um belo arranjo de cordas enquanto Elisabateh R é linda, apenas instrumental e também trazendo um belo arranjo de violões e parece algo saído diretamente da época dos cavalheiros da távola redonda. Frustration é a faixa que encerra o disco. Apesar da qualidade das faixas, da capacidade da dupla e de várias críticas super positivas em 1971, as vendas do álbum foram pífias, o que fez com que a gravadora não investi sse nos rapazes para próximos trabalhos e a carreira dos músicos parou por aí. Realmente Fresh Maggots merecia melhor sorte, pois a inspiração dos jovens músicos é algo impressionante. O disco, atualmente recomendado como um clássico dos clássicos do folk inglês teve relançamento pela Sumbeam Records nos anos 2000 também em vinil e mais especificamente em 2006, numa outra edição com duas faixas bônus. Ótima chance para os colecionadores que sempre desejaram o disco finalmente ter em sua coleção esta jóia rara já que sua versão original é quase impossível de ser encontrada.

Fonte: Livro - Rock Raro - O Maravilhoso e deconhecido mundo do rock

1.Dole Song (3:23)
2.Rosemary Hill (3:30)
3.Quickie (1:23)
4.Everyone's Gone To War (3:55)
5.And When She Laughs (2:48)
6.Spring (3:21)
7.Balloon Spring (3:55)
8.Guzz Up (1:45)
9.Who's To Die (3:50)
10.Elizabeth R (2:50)
11.Frustration (6:00)

Bônus Tracks:

12.Car Song (3:59)
13.What Would You Do (2:42)

Download: http://www.megaupload.com/?d=I9R22T3E

Gracious – Gracious (1970) [U.K]

2011-05-07T09:52:00.000-07:00

Este é o álbum de estréia da banda inglesa Gracious e que fazia um rock progressivo com tendência sinfônica, sem ser monótono ou repetitivo. Lançado em 1970 pelo selo Vertigo, traz um interessante trabalho musical, contendo faixas densas e que possibilitam ao ouvinte curti r aquilo que os fãs de rock progressivo apreciam, ou seja, boas melodias e instrumental bem executado em longas faixas. Apesar da qualidade das músicas, o disco não teve uma produção tão bem cuidadosa por parte da banda e do produtor Hugh Murphy como no segundo disco. Soma-se a isso o fato de a gravadora Vertigo não investir na banda, o que acabou fazendo com que o disco não chegasse ao público de rock na época e passasse em branco. O disco original é bem difícil de ser encontrado atualmente e houve relançamentos em formato digital do álbum, inclusive no famoso pacote dois em um, com ambos os discos da banda e também faixas bônus. O Gracious ainda teve um breve retorno em 1996, inclusive chegando a gravar mais um álbum chamado Echo, porém sem maiores repercussões. Gracious, o disco, tem apenas cinco faixas, iniciando com Introduction que chega a lembrar bastante as coisas do também inglês Van Der Graaf Generator, principalmente pelo intenso vocal de Paul Davis. Sem dúvida um belo início para este que se tornou um disco bastante recomendável aos colecionadores de rock em geral, principal com tendências progressivas. A próxima faixa é Heaven, que mostra variações no andamento e execução, um bom trabalho de guitarra e teclado além do refrão bem interessante. Uma bela canção que mostra a capacidade melódica da banda. Já o lado B traz a melhor faixa do disco, a progressiva e excelente, Fugue in ‘D’ Minor. A discrição musical da banda já pode ser sentida na capa do disco: toda branca apenas com um ponto de exclamação e o nome com letras pequenas e sem destaque ou qualquer fotografia dos músicos. O Gracious teve um belo início de carreira já no final dos anos de 1960 tendo inclusive realizado shows de abertura para o The Who, mostrando que os integrantes estavam bem relacionados, tendo inclusive chamado a atenção do guitarrista e líder dos Who, Pete Townshend. O Gracious ainda lançou mais um disco, chamado This is... em 1972 pela Philips, com uma produção mais caprichada que este, ainda que musicalmente talvez esta estréia seja um pouco mais consistente, mas assim como este primeiro disco não obteve muita repercussão e acabaram se dissolvendo. Internamente a banda também jamais conseguiu se entender quanto as suas preferências musicais, estilos a seguir, o que dificultou ainda mais qualquer busca por um sucesso maior.

Fonte: Rock Raro - O Maravilhoso e deconhecido mundo do rock

1.Introduction (5:53)
2.Heaven (8:09)
3.Hell (8:33)
4.Fugue in 'D' Minor (5:05)
5.The Dream (16:58)

Download: http://www.megaupload.com/?d=5OJHLMFC

Affinity – Affinity (1970) [U.K]

2011-05-06T12:37:00.000-07:00

Único trabalho desta boa banda que misturava rock progressivo, influências de jazz rock com passagens um tanto quanto cinematográficas. Foi lançado em 1970 pelo selo Vertigo e não chegou a decolar, mas nem por isso pode ter sua qualidade questionada. A primeira faixa, I Am And So Are You, é muito boa, um pop progressivo com um belo vocal de Linda Hoyle, ótimo instrumental, com destaque para os metais que acompanham a música. Aqui encontramos uma mistura musical bem equilibrada, com a voz de Linda combinando muito com o som da guitarra, baixo e bateria. Os teclados Hammond, como sempre, são um espetáculo à parte, como mostra a faixa Night Flight e ainda por cima os metais muito bem dosados, esbanjando versatilidade e que surpreendem pelo bom gosto utilizado. I Wonder If I Care As Much é uma balada carregada de emoção. O arranjo ganha densidade principalmente pelo trabalho intenso do tecladista aliado a uma belíssima base da bateria e baixo. Em alguns momentos chega a lembrar coisas mais ligadas à Black music americana, principalmente quanto ao timbre da sua cantora e da forte melodia. Mr. Joy, carregada de mistério, acompanhamento sutil do teclado e um vocal que sussurra de forma incrível durante a música, numa mistura de pop, progressivo e jazz rock de extrema categoria, evidencia a qualidade destes músicos. Uma das melhores faixas do disco. Já Cocoanut Grove até lembra a bossa nova brasileira e novamente a soul music é revisitada, principalmente em relação ao arranjo com violão, flauta e muito swing na melodia.Por estas faixas o álbum já agrada bastante e ainda temos de quebra uma releitura de All Along The Watchtower, de Bob Dylan. A regravação de quase doze minutos, faz com que a voz sensual de Linda Hoyle combine muito bem com a música e ainda há um ótimo trabalho instrumental, principalmente dos teclados de Lynton Naiff . Lembramos também que ninguém menos que Jonh Paul Jones (tecladista e baixista do Led Zepellin) foi o arranjador de algumas faixas do disco, justificando o alto padrão de qualidade do trabalho. Após o final da banda, os músicos acabaram seguindo outros caminhos. Linda gravou outro álbum pela Vertigo, chamado Pieces Of Me, em 1971, e que acabou se tornando uma verdadeira raridade anos depois. Quanto ao disco Affinity, existe um interessante relançamento em CD pela Repertoire Records, em 1993, que traz duas faixas bônus – Eli’s Coming e United States of Mind – e que também valem muito a pena. Foi também relançado em vinil pela Akarma Records. Mas bom mesmo é o relançamento da Lilith Records de 2007, numa edição dupla, caprichadíssima e trazendo nada menos do que oito faixas bônus, inclusive uma impagável versão de I Am the Walrus dos Beatles. Imperdível, um tremendo luxo.

Fonte: Livro - Rock Raro - O Maravilhoso e deconhecido mundo do rock

1.I am and so are you (3:31)
2.Night flight (7:15)
3.I wonder if I care as much (3:20)
4.Mr. Joy (5:02)
5.Three sisters (4:57)
6.Cocoanut grove (2:35)
7.All along the watchtower (11:36)

Bonus Tracks:

8.Eli's coming (3:32)
9.United states of mind (2:49)

Download: http://www.megaupload.com/?d=SJRRH31J

The Storm – The Storm (1974) [Spain]

2011-05-04T12:48:00.000-07:00

A Espanha também deu sua contribuição ao cenário roqueiro dos anos 1970. Apesar de não contar com muitas bandas de destaque, o país teve no The Storm um grupo interessante que gravou este disco em 1974 e que contém belas passagens roqueiras. Recheado de solos de guitarras é um disco urgente, rápido onde as faixas, cantadas em inglês, soam de forma bastante interessante. Com uma produção simples, inicia com I’ve Gott a Tell You Mamma, tema com instrumental de peso, garageiro ao extremo e refrão que já mostra a pegada dos músicos. Aqui as guitarras falam mais alto. Em I Am Busy o destaque fica por conta dos teclados muito bem executados por Luis Rodriguez. Os vocais de Angel Geniz também dão conta do recado, apesar de o refrão estridente soar um pouco exagerado. Logo em seguida, temos uma das melhores coisas do disco. Senor Llmado Fernandez de Cordoba tem uma bonita passagem de teclados garante uma bela diversão e surpreende tanto pela qualidade quanto pelo bom gosto da melodia. É nesta canção instrumental que The Storm brilha de forma mais intensa. A faixa nos remete a passagens da banda progressiva Procol Harum, principalmente pelo andamento do teclado Hammond. Vale lembrar que a melodia e arranjo são bastante identificados com a época. O solo de teclado executado durante a faixa também merece destaque. Realmente trata-se de algo acima da média. A seguir, temos Woman Wine, um poderoso hard rock. Por incrível que pareça, a parte vocal, rouca e gritada, lembra imediatamente Lemmy, baixista, vocalista e líder do mítico Motorhead. A música é um hard rock clássico, tí pico do período. O refrão é bacana e o trabalho instrumental mantém o alto nível. Aqui pode perceber que se trata de uma gravação praticamente ao vivo, sem truques de estúdio soando de forma crua e natural. Uma beleza de rock and roll. Impressionante como o The Storm soava pesado e denso já em 1974. It’s All Right é uma típica canção de hard rock com algum destaque abrindo o lado B. Aqui o The Storm mostra que era uma banda bem entrosada. Os trabalhos das guitarras soam diretos enquanto a base de baixo e bateria sustenta muito bem a canção. Guardadas as devidas proporções, I Don’t Know lembra momentos do Deep Purple, fase In Rock ou Fireball, principalmente pelo andamento dos teclados e guitarras. Trata-se de outro grande momento do disco que termina muito bem com a faixa Experiência Sin Organo, outro rock com belos solos de guitarra e arranjo pra lá de básico e pesado. Uma reedição do álbum em 2004 pela Wah Wah Records traz uma bela prensagem, além de encarte com reportagens da época do lançamento do disco e com fotos. Esta edição foi uma homenagem ao tecladista Luis Genil Rodrigues, morto em março do mesmo ano.

1.I've Gotta Tell You Mama (3:07)
2.I'am Busy (3:11)
3.Un Señor llamado Fernandez de Cordoba (5:42)
4.Woman Mine (4:44)
5.It's All Right (2:46)
6.I Don't Know (3:33)
7.Crazy Machine (6:58)
8.Experiencia Sin Organo (3:43)

Download: http://www.megaupload.com/?d=VHH6T4BA

Waterloo – First Battle (1970) [Belgium]

2011-05-04T12:43:00.000-07:00

Um dos grandes clássicos do rock belga e que surpreende pela criatividade, originalidade e qualidade das músicas e forma com que os músicos as executam. O disco estava praticamente condenado ao esquecimento quando em 1999 as gravações originais foram recuperadas, já que a fita master original havia sido perdida, trazendo de volta este bom álbum. O relançamento conta com doze canções do disco original e ainda mais seis faixas que não foram incluídas no disco original lançado em 1970. Começa com Meet Again, uma deliciosa melodia tí pica dos anos 1960, com belo refrão enquanto que a próxima, Why May I Not Know, é executada de forma fantástica, sendo basicamente uma mistura de Jethro Tull com um pouco de Raw Material, principalmente na flauta tocada por Dick Bogaert com coisas mais psicodélicas no final daquela década anterior. A quarta música, Black Born Children é um progressivo com passagens psicodélicas que lembra muito o grupo brasileiro Os Mutantes, tanto pelos arranjos vocais, instrumentais e também pela melodia. Influências clássicas são também percebidas, como na faixa Life, mistura de hard rock, progressivo na linha Emerson, Lake and Palmer. Por essas e outras, é fácil perceber que os músicos tinham educação clássica e estavam bastante influenciados pelo rock que estava sendo feito em países como Estados Unidos e Inglaterra naquele ano de 1970. Por incrível que pareça, a faixa Problems lembra Arnaldo Baptista em momentos de discos como Loki de 1974. As faixas são curtas, exceto para a longa Diary of An Old Man que, com seus onze minutos, se torna um ótimo momento do disco. O que mais impressiona no disco é a capacidade da banda em fazer ótimos arranjos, não mirando em algum gênero específico. A banda passeava pelo hard rock, progressivo, blues, jazz, beat, pop, sempre recheado de passagens clássicas. Vale destacar também a música Plastic Mind, rock mais melódico, mistura de Beatles, Love, Beach Boys, faixa extremamente criativa, seja pelo trabalho instrumental, seja pela rica melodia. Smile, lançada em single em 1970 é um bonita balada. A banda teve uma duração efêmera, gravando apenas este disco e realizando uma pequena excursão, inclusive abrindo shows para o Family.

Fonte: Rock Raro - O Maravilhoso e deconhecido mundo do rock

1.Meet Again (3:05)
2.Why May I Not Know (3:09)
3.Tumblin' Jack (2:36)
4.Black Born Children (3:45)
5.Life (2:49)
6.Problems (3:02)
7.Why Don't You Follow Me (3:33)
8.Guy in the Neighbourhood (2:57)
9.Lonesome Road (2:51)
10.Diary of an Old Man (11:01)

Download: http://www.megaupload.com/?d=JHQX3YCH

Icecross – Icecross (1973) [Iceland]

2011-05-04T10:04:00.001-07:00

Quem olha a capa deste obscuro disco, que mostra um estranho desenho de dois esqueletos, (um que parece de cachorro e outro de um humano), ao lado de uma cruz coberta de gelo sobre uma cova e com uma mão saindo de dentro desta e observar o nome dos integrantes e o local onde foi gravado e ver que foi em um país escandinavo, pode pensar que se trata de um grupo de Death Metal de meados dos anos 1990. Na realidade, trata-se de um grupo de hard rock setentista que editou este trabalho no ano de 1973 por um selo chamado Icecross Records, que tudo indica, foi criado pelo grupo exclusivamente para lançar o disco, que foi gravado no Rosemberg Studio, localizado na cidade de Copenhagem, capital da Dinamarca. Outro detalhe interessante é que não se trata de um grupo dinamarquês, e sim de um agrupamento originário da Islândia. Uma pequena ilha no mar do norte que não tem tradição nenhuma em bandas de Rock and roll. Isto mostra que desde que o músico tenha talento e criatividade pode se criar ótimos rock em qualquer lugar do planeta. Os discos contêm ótimos Hard Rock que são executados com muita competência e brutalidade pelos músicos. Isso aparece logo na primeira música, Wandering Around, um típico boogie rock com marcação segura de baixo e bateria cadenciada e interessantes intervenções de guitarra. Logo em seguida vem Solution, que tem uma linha de guitarra com um suave tempero lati no e introduz o tema desta surpreendente faixa, seja pelo emotivo vocal ou pelo ótimo trabalho do baixista que preenche os espaços cedidos pela bateria com precisão cirúrgica. Como todo bom disco de Hard Rock tem que ter uma balada, aqui tem A Sad Man’s Story, quase acústica, conduzida por violão e suaves harmonias de piano e outra convicente interpretação vocal. A quarta música é uma das melhores de todo o trabalho, Jesus Freak, tem uma estupenda introdução, viradas de bateria aliadas a uma vigorosa linha de baixo seguidas de densos solos de guitarra, que se alternam com uma vistosa linha melódica e um vocal declamando uma interessante letra, bem hippie, típica de uma época. Este é o grande momento do disco. 1999, a música seguinte, também, tem uma boa introdução com uma guitarra solando agressivamente, uma pulsante marcação de baixas e viradas enérgicas do baterista. Um tema bastante pesado e cadenciado que na metade apresenta uma linha melódica com soturnos acordes de baixo e guitarras com timbre quase orientais. A característica mais evidente nos temas criados pelo grupo são as introduções das músicas, quase todas com marcantes solos de guitarra que acontecem em Scared – um rock pauleira com tons ácidos. Nightmare é a faixa mais acelerada com uma atuação agressiva do vocal que transmite as sensações de um inquietante pesadelo, alternando momentos líricos com gritos de horror. The End é um tema cadenciado com andamento quase hipnótico gerado pelos acordes do baixo e um apropriado título que encerra este majestoso trabalho, um deleite para os apreciadores de um hard rock regado a agressivos e pesados riffs.

Fonte: Livro - Rock Raro - O Maravilhoso e deconhecido mundo do rock

1.Wandering Around (3:24)
2.Solution (5:35)
3.A Sad Mans Story (2:49)
4.Jesus Freaks (5:44)
5.1999 (4:59)
6.Scared (3:57)
7.Nightmare (4:52)
8.The End (5:37)

Download: http://www.megaupload.com/?d=OFIU3N0U

Rhinoceros – Rhinoceros (1968) [USA]

2011-05-04T09:58:00.000-07:00

Aproveitando a efervescência do movimento psicodélico do ano de 1968, enorme sucesso de grupos da casa como os Doors e Love de Arthur Lee, o selo Elektra, contando com o produtor Paul A. Rotchild, apostava em novos nomes e um desses é o hoje desconhecido Rhinocerus. Sem dúvida, se trata de um nome de menor envergadura, mas que produzia uma música interessante. O disco de estréia, deles foi lançado em pleno 1968 e já na abertura traz a poderosa faixa When You Say You’re Sorry. Apesar do vocal mediano, a banda trazia três guitarras além de um órgão que tinha seu destaque também. Outra boa faixa é Same Old Say, faixa que fica entre o pop e a soul music. O charme da melodia e execução surpreende e mostra a versatilidade dos músicos. A terceira faixa é Apricot Brandy e trata-se de um interessante instrumental com destaque total para os teclados tocados de forma alucinada por Michael Fanfara que lembra vagamente Vincent Crane, do Atomic Rooster. That Time Of the Year foi a faixa de trabalho da banda – uma boa balada e que não surtiu o sucesso desejado para fazer a banda estourar. Outra canção que merece ser citada é I’ve Been There, pesada e ainda temos outra boa balada, Along Comes Tomorrow. Já You’re My Girl (I Don’t Want to Discuss It) é praticamente uma canção com direitos a metais e num vocal bem pomposo da black music do final dos anos 1960, uma das melhores coisas do álbum, aqui o vocalista John Finley encontra uma bela interpretação e mostra que neste gênero o músico se dava muito melhor. O disco foi bastante promovido pela Elektra e acabou não vendendo nada e algumas das suas canções acabaram se tornando sucesso na voz de outros, principalmente I Will Serenade You que brilhou com a banda americana de Three Dog Night, na década de 1970. A banda ainda gravou mais dois álbuns na sequência. Satin Chickens saiu em 1969 e Bett er Times Are Coming em 1970, mas mesmo com esse título otimista, não conseguiu alavancar a banda para o sucesso e em seguida encerraram suas atividades. De toda forma, é neste disco homônimo que a banda, com a sua melhor formação, gravou seu melhor trabalho. Apesar de o disco hoje em dia soar um pouco datado ainda assim é raro, bom e vale muito a pena tê-lo em sua coleção. O vinil original é bem difícil de ser encontrado e trata-se de um material gráfico bem interessante com capa dupla, foto interna bacana mostrando o visual um tanto quanto divertido da época. Existem lançamentos em CD, inclusive um de 2002 pela Collectors Choice e trazendo livreto com a história da banda.

Fonte: Livro - Rock Raro - O Maravilhoso e deconhecido mundo do rock

1.When You Say You're Sorry (3:51)
2.Same Old Way (2:03)
3.Apricot Brandy (1:58)
4.That Time Of The Year (4:11)
5.You’re My Girl (4:38)
6.I Need Love (4:23)
7.I've Been There (4:24)
8.Belbuekus (2:26)
9.Along Comes Tomorrow (4:37)
10.I Will Serendade You (3:19)

Download: http://www.megaupload.com/?d=1N30IJY8

Juan de la Cruz Band - Up in Arms (1971) [Philippines]

2011-05-04T07:05:00.000-07:00

Ninguém em sã consciência iria afirmar que as Filipinas poderia estar inserida dentro do contexto do rock, principalmente se considerarmos a política interna do país e a época de que estamos falando. Mas se engana quem acha que a cena neste país não existia no início da década de 1970. E quem pode contrariar esta teoria é o grupo Juan de la Cruz Band. Responsável por lançar um dos tesouros escondidos no hard rock, o grupo filipino estreou em 1971 no mundo fonográfico das bandas de garagem com este que é considerado um dos melhores de seu país e verdadeiro objeto de desejo dos colecionadores. Extremamente simples, pesado, este conjunto de rock tem na guitarra e no vocal do seu líder, Wally Gonzalez, algumas canções que mostram a garra e pegada desta grande banda. O início com Justi CE (Where Are You) já põe a quebradeira para rolar. A guitarra é incessante durante a música e mostra que do outro lado do mundo também é possível se fazer um belo rock and roll. A técnica dos músicos surpreendia pela forma crua, natural e pesada com que desenvolviam os solos e como as faixas soavam como se fosse qualquer banda americana ou inglesa. A segunda faixa é uma balada de extrema beleza chamada Stranger in a Strange Land e que mostrava que a banda também tinha poesia em suas letras e compunha melodias harmoniosas e com qualidade. O lado A ainda tem Mystery Roach, faixa de Frank Zappa. Imagine você, os caras lá nas Filipinas em 1970 gravando Frank Zappa quando este ainda estava em seus primeiros trabalhos e ainda não tinha toda a fama e status que conquistaria a partir dos anos seguintes. Já Réquiem for a Head é quase um jazz rock com direito a solos de saxofone e que dão um charme extra para a banda além de um irresistível órgão hammond passeando por toda a música. Já a faixa Lady in White Satin traz como destaque a flauta de Romy Santos num belíssimo trabalho. O álbum termina com Love of a Woman, que apesar do bom trabalho do guitarrista, talvez seja a mais fraca do disco, mas mesmo assim o saldo final é extremamente positivo. O disco original é quase impossível de ser encontrado atualmente, durante anos rolaram alguns CDs copiados da edição em vinil feitos até com bastante capricho. Recentemente, a gravadora Sinshine editou o disco em vinil com o conteúdo idêntico ao original e felizmente pudemos então saciar a ânsia de ouvi-lo na íntegra e no formato bolachão. A capa do disco é antológica, mostrando os “japinhas” com aquelas caras de hippies e que se alguém olhasse para eles jamais diria que se trata de uma grande banda de hard rock. No ano seguinte, o Juan de La Cruz ain da lançaria Shake Your Brains, outro disco muito bom, agora como um trio, mas mesmo assim sem perder a categoria, força e simplicidade. Em sua carreira o Juan de La Cruz editaria mais alguns outros álbuns menos cotados. Apesar da fama deste que foi um dos primeiros grupos de rock das Filipinas, o lançamento do álbum na época foi um fracasso comercial. Atualmente é um dos clássicos do rock raro mundial em várias partes do mundo.
O álbum postado aqui alem das 6 faixas originais ainda contem mais 6 faixas ao vivo.

Fonte: Livro - Rock Raro - O Maravilhoso e deconhecido mundo do rock

1.Justice (Where Are You) (6:46)
2.Stranger in a Strange Land (5:52)
3.Mystery Roach (2:33)
4.Requiem For A Head (5:59)
5.Lady In White Satin (5:21)
6.Love Of A Woman (5:49)
7.Kagatan - Live (3:37)
8.Balong Malalim - Live (2:40)
9.Beep Beep - Live (4:27)
10.Palengke - Live (2:05)
11.Langit - Live (10:03)
12.Sarap Ng Buhay - Live (5:07)

Download: http://www.megaupload.com/?d=NVDFA165

Asoka – Asoka (1971) [Sweden]

2011-05-04T06:13:00.001-07:00

Uma interessante mistura de música psicodélica com texturas de blues e hard rock é o que se encontra neste grupo sueco. Alguns momentos soam bastante pesados, com inusitado andamento e destaque para uma eficiente produção. As músicas são cantadas tanto em inglês como em sueco, o que dá um charme incomum na parte vocal, porém o destaque é o trabalho instrumental que é bastante interessante em boa parte da execução de todas as nove músicas do disco. A primeira tem o título de Psykofoni for Ekogitarr Och Poporkester e começa com uma marcação de baixo e bateria bastante acentuada e com um solo de guitarra psicodélico que pontua todo o início da música. Após uma quebrada no andamento, a guitarra abre o espaço para um órgão Hammond que executa um interessante diálogo com a guitarra. A próxima é Leave Me, com uma levada mais suingada, onde novamente o destaque é o trabalho do baixista e do baterista. Na sequência, temos Sevenssson Blues que pelo título parece ser um daqueles hard blues, porém o que vemos é um riff de órgão sobreposto a umamarcantepercussão, com um baixo solando o tempo inteiro e com um vocal bastante agudo. A mais freak do disco. Quando se acha que o disco não pode mais surpreender, eis que surge 1975, com um começo soando como grupos ingleses dos anos 1960 e um trabalho de piano com clima jazzístico. If You Fell é novamente guitarra dialogando com o órgão e um inusitado solo de violino no meio da música. Uma melodia contagiante inicia a faixa seguinte, Tvivlarem, conduzida pelo órgão e vocal, fazendo com que esta seja a música mais palatável do disco. I’m Trying (To Find a Way to Paradise) é um ótimo hard levado pelo órgão e rápidos solos de guitarra, lembrando bastante o Deep Purple na época do Machine Head e com um final surpreendente. O disco foi relançado em CD nos anos 1990 inclusive trazendo oito faixas bônus. Como balanço final, o Asoka não chega a ser considerado um clássico do rock raro da época, mas não tem como negar que se trata de um álbum bem agradável e que coloca a Suécia no mapa mundial do rock no período. Em 2004, o grupo voltou às atividades, inclusive tendo gravado um álbum em 2007 com o inusitado e óbvio nome de 36 Years Later.

Fonte: Livro - Rock Raro - O Maravilhoso e deconhecido mundo do rock

1.Psykfoni For Ekogitarr Och Poporkester (2:12)
2.Leave Me (3:35)
3.Svensson Blues (3:28)
4.1975 (3:48)
5.If You Feel (4:25)
6.Tvivlaren (4:38)
7.I'm Trying (6:15)

Download: http://www.megaupload.com/?d=1ME4CHKX

Armageddon - Armageddon (1975) [U.K]

2011-05-04T05:21:00.000-07:00

Lançado em 1975 pela A&M Records, inclusive no Brasil, trata-se de um excelente disco de hard rock clássico. Contando com Keith Relf, fundador de bandas como Yardbirds e Renaissance, além de Marti n Purgh que tocou com Rod Stewart e Steamhammer, Bobby Caldwell, baterista do Captain Beyound, enfi m, só feras e que formaram literalmente mais um dos super grupos dos anos 1970, pelo menos em matéria de criatividade musical. Levemente datado, o som do álbum traz aquele interessante e conhecido formato musical do hard rock típico da época, o que não significa que hoje em dia a qualidade esteja comprometida, muito pelo contrário, o disco é um prato cheio para quem curte o genêro. O álbum original, inclusive na versão nacional, traz um encarte com a fi cha e letras das músicas, sendo mais um atrati vo para a edição em vinil. Já na abertura temos Buzzard, um show instrumental. Trio instrumental composto de guitarra, baixo e bateria, mostra um ótimo equilíbrio fazendo da canção uma abertura sensacional. Os trabalhos da guitarra de Martin Purgh são de um peso e criatividade que assustam. O vocal de Keith Relf também se destaca e já mostra que o disco seria um dos clássicos do rock raro. A segunda faixa é Silver Tightrope, que tem um início bem contundente e soturno. Trata-se de uma bela canção, expondo a técnica dos músicos e mostrando que o Armageddon inglês não desejava ser apenas mais um grupo de hard rock e sim um combo que deveria ser reconhecido como um dos baluartes roqueiros do período. A próxima faixa coloca a banda num patamar acima da média, já que a música Paths and Planes and Future Gains é mistura de rock progressivo com pitadas de psicodelismo embalada num belo arranjo. O alvum segue com as duas ultimas faixas, Last Stand Before, faixa no melhor estilo Led Zeppelin de Houses of the Holy, e na longa suíte Basking in the White of the Midnight Sun, que é subdividida em cinco partes e acaba sendo mais um dos destaques do álbum. Logicamente, o vocal de Relf não chega a ser comparado com Robert Plant, mas a qualidade das faixas e instrumental lembra bastante a outra também banda inglesa. Sem dúvida, um dos clássicos da década de 1970 e considerado por muitos como um dos grandes álbuns, o grupo não se firmou da maneira que todos acreditavam. Muito provavelmente os motivos foram o fato de o trabalho não ter sido bem lançado, comercialmente falando. Problemas com empresários, falta de apoio da gravadora, desentendimentos e problemas internos que assolavam os músicos levaram a banda ao esquecimento e, consequentemente, ao fim prematuro, mesmo após o lançamento deste belíssimo disco. Em maio de 1976, Keith Relf morreu tragicamente eletrocutado, pondo fim em qualquer aspiração da banda em continuar o trabalho com sua formação original. A capa do álbum é intrigante, trazendo uma foto do grupo num ambiente digno de fim do mundo, fazendo jus ao nome do grupo.
Mais do que recomendado, um álbum essencial.

1.Buzzard (8:16)
2.Silver Tightrope (8:23)
3.Paths And Planes And Future Gains (4:30)
4.Last Stand Before (8:23)
5.Basking in the White of the Midnight Sun (11:24)
a.Warning Comin' On
b.Basking in the White of the Midnight Sun
c.Brother Ego
d.Basking in the White of the Midnight Sun (Reprise)

Download: http://www.megaupload.com/?d=TIYSF8CB

The Frost - Frost Music (1969) [USA]

2011-05-03T17:34:00.001-07:00

Hard rock psicodélico de primeira linha, o grupo americano de Detroit, The Frost gravou três monumentais álbuns, cuja característica do principal era a pegada super forte. A banda era liderada pelo ótimo guitarrista e vocalista Dick Wagner, músico que tocou com Ursa Major além de nomes como Lou Reed, Alice Cooper, Peter Gabriel, entre outros. Este é o primeiro disco da banda, cujas referências vão de Animals, Amboy Dukes, Zoombies, Love entre outros. A primeira faixa é Jennie Lee, um rock pesado com excelentes guitarras. O peso da faixa, guitarra solando em praticamente o tempo todo, viradas de bateria e um ótimo refrão já mostra que o The Frost era puro rock and roll sem fi rulas. Em seguida vem The Family, uma balada pop dos anos 1960 no melhor esti lo Kaleidoscope e outros do gênero. A Long Way Down from Móbile, quase um folk rock que arrepia dos pés à cabeça, com direto a gaita de Don Hartman que lembra bastante Dylan. Nesta canção Dick Wagner mostra sua categoria e garra como cantor, mesmo que seu forte realmente fosse a guitarra. A faixa mostra que, apesar de francamente roqueiro, o The Frost era uma banda com várias influências e sabia como poucos mesclar gêneros e acabaram por criar um disco com vários momentos que se destacam. O solo de guitarra e a melodia de Take My Hand são daquelas que grudam na mente, com excepcional técnica dos músicos. Mistura de Love, Animals e coisas da época, uma das melhores do disco. Mistery Man fecha o lado A em alta, lembrando os vocais do The Who. O grande destaque do segundo lado é a longa faixa Stand in the Shadows. Exatamente oito minutos de um maravilhoso rock and roll regado a muita guitarra de Dick Wagner. Na época do lançamento do disco a faixa Mistery Man chegou a alcançar elevados postos nas paradas de sucesso fazendo com que a banda se tornasse bastante popular em seu país de origem. Sem dúvida foi uma bela introdução para a carreira de Dick Wagner. Para este livro foi usada uma curiosa edição lançada na Argentina, com o tí tulo de Hombre Misterioso (Mystery Man) e com a capa do disco The Best of Frost, exatamente a música que fecha o lado A. Pelo visto, nossos hermanos fizeram uma bagunça total, mas isso faz parte do confuso mundo dos negócios do rock and roll. Como curiorisidade, antes do The Frost, Dick Wagner tocou na banda Bossmen com ninguém menos que Mark Farner que era o baixista da banda. Por volta de 1968, Mark saiu da banda para formar o Grand Funk Railroad, estourar por todo o mundo desde seus primeiros trabalhos e se tornar um dos grandes vendedores de discos em todo o mundo e um dos ícones do hard rock setentista.

1.Jennie Lee (3:04)
2.The Family (3:02)
3.A Long Way Down From Móbile (3:07)
4.Take My Hand (4:19)
5.Mystery Man (4:26)
6.Baby Once You Got It (2:37)
7.Stand In The Shadows (8:02)
8.Little Susie Singer (Music To Chew Gum By) (2:44)
9.First Day Of May (3:30)
10.Who Are You? (5:16)

Download: http://www.megaupload.com/?d=FVB6L71P

Mona Lisa - Avant Qu´il Ne Soit Trop Tard (1978) [France]

2011-05-03T10:22:00.000-07:00

Avant Qu´il Ne Soit Trop Tard é o quarto álbum deste grupo francês que produzia um intrigante rock progressivo sinfônico e acabou por se tornar um dos melhores do gênero em seu país ao lado de grupos como Ange. Lançado numa fase mais decadente do rock progressivo, exatamente o ano de 1978, o disco acabou não se tornando um grande sucesso, o que não significa que se trata de um material menos interessante para fãs do gênero. A discografia do grupo é composta de cinco álbuns em sua carreira que começou em 1974 com o lançamento de L´Escapade e tendo Le Peti t Violin de Mr. Grégoire de 1977 como seu trabalho mais conhecido. Voltando a este trabalho, que já apresenta um dos destaques logo em sua abertura, um rock progressivo intenso com ótimo arranjo instrumental, passagens sinfônicas e um vocal fortí ssimo de seu cantor Dominique Le Guennec. A primeira faixa já é a canção título e já mostra de forma contundente o estilo grandiloquente do grupo Mona Lisa. Suas canções, como por exemplo, La Peste, mostra um grupo entrosado e que dominava o gênero, principalmente no uso dos teclados, letras (cantadas em francês) conceituais e momentos que variavam entre calmos e teatrais com partes intensas onde todos os instrumentos buscam um clímax, com momentos mais intensos, porém sempre apoiados em boas melodias. Vale salientar que o grupo, por vezes, exagerava um pouco nos arranjos e em alguns momentos se torna um tanto repetitivo ou cansativo. Souvenirs de Naufrageours traz quase oito minutos de um rock progressivo mais tenso e delirante. Para os fãs do gênero, é tranquilamente perceptível a semelhança com o grupo Marillion em seus principais momentos e álbuns lançados durante os anos 1980, principalmente na fase que contava com o vocalista Fish. No lado B do álbum, a sutil faixa Lena. Aqui novamente vemos um belo trabalho de teclados, além de um especial destaque para as flautas que, em conjunto com os sintetizadores e teclados, mostram um belo som épico e que, apesar de um tanto datado, é extremamente agradável de ser apreciado. O álbum termina com a longa suíte Créature Sur La Steppe. Trata-se de um som épico, mais intrincado e passagens mais climáticas se constituindo num dos momentos mais bonitos deste belo trabalho do rock francês. O álbum foi reeditado anos depois em formato digital trazendo uma capa diferente daquela que foi lançada em seu país nos anos de 1970. A reedição também traz três faixas bônus, exatamente faixas gravadas ao vivo de versões para Souvenirs de Naufrageurs, Créature Sur La Steppe e Lena.

1.Avant Qu´Il Ne Soit Trop Tard (3:30)
2.La Peste (6:00)
3.Souvenirs De Naufrageuer (7:00)
4.Tripot (4:00)
5.Lena (5:00)
6.Créature Sur La Steppe (9:30)
Comme Dans Un Rêve
L´Oppression
Avec Le Vent

Bonus tracks:

7.Souvenirs De Naufrageurs (live Version) (8:00)
8.Creáture Sur La Steppe (live version) (6:35)
9.Léna (live version) (6:12)

Download: http://www.megaupload.com/?d=ZKOLO0L1

The Old Man & The Sea - The Old Man & The Sea (1972) [Denmark]

2011-05-03T10:16:00.000-07:00

A Dinamarca certamente não produziu tantas bandas durante os anos de 1970, sendo que este The Old Man & The Sea pode ser considerado como um dos melhores do país ao lado de Litt le Red Ivanhoe, Hurdy Gurdy, entre outros. A banda chegou a fazer relati vo sucesso em seu país inclusive abrindo shows para o Led Zeppelin na passagem da banda pela Dinamarca e mais tarde para o Jethro Tull. Se o som da banda era muito bom não podemos dizer o mesmo da capa do disco, pois a mesma, digamos, que não ajuda muito. Se fosse comprar o disco por ela, é provável que pensaríamos duas vezes, mas não se engane, pois o material é óti mo. A banda produziu um interessante disco de rock progressivo homônimo em 1972 e lançado pelo selo Sonet. O disco e banda de nome ti rado do clássico escritor Ernest Hemingway abre com Living Dead, trabalho interessante de teclados e principalmente numa linha de baixo que chama a atenção. Não era exatamente um progressivo tradicional, passeando por momentos entre algo mais pop rock principalmente na voz do cantor Knud Lindnard. Se não é um clássico, também não pode ser desprezado e a música já se apresenta como um belo início. Se ouvido com a atenção podemos observar que o ti mbre da voz do cantor lembra um pouco Jon Anderson do Yes, pelo menos nas partes mais agudas. O grupo, apesar de estar mais próximo do rock progressivo, chega a lembrar de leve alguns momentos do Traffi c, Atomic Rooster e até Jethro Tull nos momentos mais pesados da banda escocesa. Princess traz o mesmo modelo da faixa anterior, um bom instrumental, sendo
uma boa balada com solo de guitarra, belo refrão e duas vozes dando um toque especial à faixa. The Monk Song, dividida em duas partes, é outra boa canção. Aqui temos momentos, principalmente nos trabalhos vocais que nos remetem à infl uência da banda CSN&Y e mostra que a banda sabia também variar, não fi cando presa apenas na praia progressiva. Jingoism é uma canção interessante. A melodia conduzida pelo teclado de Hasten mostra uma banda equilibrada. O trabalho solo do guitarrista Stanley aliado à uma boa base de bateria e baixo também mostra a qualidade deste grupo. Já a faixa Prelude é uma boa balada que completa o disco mantendo o nível elevado. Um momento mais calmo do álbum. Aqui os teclados Hammond novamente brilham além do trabalho realizado em duas vozes e de rara beleza. O disco fecha com Going Blind, datada, arranjo bem suti l com belo acompanhamento do teclado e fl auta em alguns momentos da música. No geral, é um disco curto e efi ciente, exatamente como poderiam ser vários discos de rock em geral. Ao todo são sete faixas que mantém o pique e qualidade num alto nível. A banda jamais gravou outro disco tendo o relançamento deste álbum em formato digital anos atrás numa edição bem simplesinha. Atualmente o disco é uma verdadeira raridade entre os colecionadores, custando uma grana preta quando encontrado em seu formato original.

1.Living Dead (7:51)
2.Princess (6:02)
3.Jingoism (6:54)
4.Prelude (1:12)
5.The Monk Song 1 (5:54)
6.The Monk Song 2 (3:36)
7.Going Blind (10:31)

Download: http://www.megaupload.com/?d=IREWFM51

Madison Dyke – Zeitmaschine (1977) [Germany]

2011-05-03T07:13:00.000-07:00

Único álbum desta boa banda alemã, Zeitmaschine foi lançado em 1977 e traz um formato musical que mistura rock progressivo e sinfônico em sua base com alguns momentos que chegam a sugerir algo próximo do folk rock principalmente nas flautas de Burkard Ritt ler e também no andamento de algumas faixas. Um ponto que deixa a desejar no álbum se refere à sua produção, que tecnicamente deixou um pouco a desejar. Mesmo assim o saldo fi nal é positivo, principalmente por trazer boas faixas embaladas em arranjos competentes. O álbum foi lançado pelo selo Racket Records e apesar de a banda ser alemã, os músicos cantavam em inglês, seguindo uma tendência dos combos germânicos da época. O disco em questão abre com a longa suíte First Step onde já é possível conferir a qualidade da banda. Apesar de a introdução poder nos levar a crer que se trata de um rock progressivo, a música logo envereda para um folk, onde brilha a flauta executada pelo vocalista Burkard Ritt ler que tem uma voz até agradável, mesmo
que possa ser considerada como limitada em relação a sua extensão vocal e com poucos recursos técnicos. Em seguida, temos Cooking Time of an Egg, um típico som progressivo com passagens de violões, bem executados e fortemente inspirados no Yes da fase de Close to the Edge ou mesmo de Yes Álbum, de 1971. Next Conceptions, a terceira faixa, mostra um trabalho mais pesado pelo belo solo de guitarra além de um ótimo trabalho instrumental para uma canção que se destaca dentro do contexto do álbum. A introdução desta música mostra o bom gosto do grupo, trazendo principalmente um trabalho de cordas de primeira linha, sendo realmente um deleite aos fãs do rock progressivo da época. Vale ressaltar que o trabalho na introdução com violões de doze cordas e flautas são de uma sensibilidade extraordinária fazendo com que seja um dos grandes momentos do disco. As duas guitarras trabalham bastante nesta canção, inclusive trazendo um peso peculiar as bandas de hard rock durante a execução da faixa. A quarta e última música é a faixa-título do álbum. Zeitmaschine, que com seus longos 16 minutos e 28 segundos é o grande apogeu. Lembrando momentos do Eloy, a música tem uma grande variedade de belas passagens. A introdução, recheada de teclados, mostra que a suíte vem para fechar o disco em grande estilo. Brilhantes passagens com duas guitarras preenchendo todos os espaços aliados a um potente baixo e os teclados fazendo a parte melodiosa da canção. O único ponto mais limitado da canção é novamente a voz do guitarrista e cantor. Todas as quatro músicas do disco foram compostas pela própria banda e mostram que os músicos possuíam talento na arte de compor, além de se mostrarem bons, apesar de nenhum deles se sobressair sobre os outros. O saldo final é, sem dúvida, mais um bom álbum dos anos de 1970, que certamente em 1977 não teve grande impacto, mas ouvindo atualmente é perfeitamente possível notar o quanto ele é agradável, apesar de perceber que a qualidade do áudio original realmente não ser das melhores. A versão postada aqui alem das quatro faixas originais, contem duas faixas bônus.

1.First step (10:05)
2.Cooking time of an egg (4:09)
3.Next conceptions (6:18)
4.Zeitmaschine (16:28)

Bônus Track:

5.Walkin’ (5:25)
6.Dice – Box (5:12)

Download: http://www.megaupload.com/?d=UPO8OVM2

Bread Love and Dreams - Amaryllis (1971) [UK]

2011-05-03T06:18:00.001-07:00

O álbum Amaryllis foi lançado em 1970 e se trata do terceiro e último álbum desta ótima banda de folk da Escócia chamada Bread,Love and Dreams. Na verdade, a banda é composta por uma dupla de músicos crescidos em Glascow, David Niven e Angie Drew – e contaram com óti mos músicos de apoio, como Danny Thompson e Terry Cox – que tocavam no Pentagle, entre outros, para criar este belíssimo disco deste gênero musical tão difundido na Inglaterra entre o final dos anos 1960 e meados dos anos de 1970. Essa época rendeu, em muitos casos, excelentes bandas que nos ofereceram um grande número de belas obras de música folk, que vieram a se tornar clássicos do gênero.
O disco, considerado atualmente um clássico do folk rock, já começa de forma linda com a primeira parte de Amaryllis. A Part One é constituída da faixa Out of the Darkness and Into the Night, que é um belíssimo dueto vocal de David Niven e Angie Rew trazendo algo extremamente suti l, violões e um vocal que chega a arrepiar. A segunda parte da longa suíte é Zoroaster’s Prophecy, onde os violões trazem um folk no estilo medieval, que emociona. A terceira parte do disco é com Light, que não deixa a peteca cair. Aqui o dueto vocal funciona de forma esplêndida. A voz de Drew é doce e suave e faz com que a música se torne agradável durante toda sua passagem.
A segunda parte do álbum começa com Time’s The Thief, linda música que mostra o potencial do cantor McNiven que, além de um ótimo compositor e guitarrista, ainda tinha uma bela voz, inconfundível para os amantes do estilo folk rock britânico. Amaryllis termina com Circle Of Night, também uma bonita faixa com um trabalho de destaque na percussão de Angie Rew. O lado B é um pouquinho inferior ao primeiro lado, mas mesmo assim trata-se de uma obra fundamental dentro do estilo proposto, fazendo deste um dos pilares do folk inglês, com certeza.
O Bread, Love and Dreams gravou ao todo três discos em sua carreira entre os anos de 1969 e 1972, sendo este um dos mais destacados. Se pudéssemos comparar o som da banda poderíamos situá-lo entre a Incredible String Band e o ótimo Dr. Strangely Strange. Nos anos 1990 surgiram diversas bandas influenciadas pelo folk britânico desta época, sendo que um dos melhores deles foi o Belle and Sebastian – exatamente do mesmo país do Bread, Love and Dreams. Toda a obra da banda foi relançada em CD e vinil pela gravadora Sunbeam Records nos últimos anos, permitindo o acesso total e irrestrito a mais esta obra. A estréia do Bread, Love and Dreams foi em 1969 com o álbum homônimo, muito bonito e onde a banda ainda estava em busca de um estilo definitivo. Na sequência, vem Strange Tale of Captain Shannon and the Hunchback from Gigha, de 1970, mantendo o alto nível. A carreira do grupo termina com este Amarillys de 1971 sendo um dos preferidos pelos fãs pela beleza e equilíbrio entre todas as faixas. Como resumo, podemos definir a banda como uma das melhores no genêro, principalmente para fãs do Fairport Conventi on, Lindsfarne, Pentagle, entre outros. O músico David McNiven também se destacou tocando na banda inglesa Human Beast em seu álbum de 1970.

1.Amaryllis (21:46)
a.Out Of The Darkness Into The Light
b.Zoroaster's Prophecy
c.Light
2.Time's The Tief (4:46)
3.My Stair-Cupboard At 3 A.M (3:33)
4.Brother John (4:03)
5.Circle Of The Night (3:17)

Download: http://www.megaupload.com/?d=ZALSID7E

Bodkin – Bodkin (1972) [UK]

2011-05-03T06:16:00.000-07:00

Este marcante trabalho foi gravado por um grupo de jovens escoceses, através do selo West Records no ano de 1972. Antes de gravar esse material o grupo se apresentou em quase todo o circuito universitário da Grã-Bretanha e adquiriu uma sólida reputação devido às suas enérgicas atuações nos palcos. A base criativa do grupo era formada pelo guitarrista Mick Riddle e pelo tecladista Doug Rome, este último, que na época da gravação tinha acabado de completar vinte e um anos e possuía uma formação erudita que ele transpôs para as composições do Bodkin. Para se ter uma idéia da pegada do grupo, o Bodkin lembra muito grupos como Uriah Heep, principalmente nas passagens dos teclados que o Heep tão bem utilizava em álbuns como Demons and Wizards e The Magician’s Birthday, ambos de 1972, e também remete aos primeiros trabalhos do Atomic Rooster de Vicent Craine e Carl Parlmer. O som do grupo é um hard progressivo com estupendas melodias de órgão Hammond e interessantes solos de guitarra que criam uma música cheia de peso, cadenciada, com marcantes linhas de baixo e bateria. O álbum contém cinco longas faixas, com um clima de jam session, cheia de improvisos e agradáveis linhas vocais. As duas primeiras composições possuem o mesmo título: Three Days Aft er Death, separadas entre Part One e Part Two, sendo ambas bastante climáticas, como sugere o título, e são dois belos exemplos de hard rock progressivo bem típico da época. Nas três faixas seguintes, o órgão continua dominando as bases das melodias e travando sucessivos duelos com a guitarra, sobre uma eficiente seção rítmica, principalmente na terceira faixa – Aunt Mary’s Trashcan – onde os elementos citados anteriormente se destacam acentuadamente, proporcionando dez minutos de puro deleite para os apreciadores de músicas com diferentes climas na mesma composição. Aft er Your Lumber é, talvez, a que tenha a linha melódica mais acessível de todas as cinco composições do álbum, onde o vocal participa
intensivamente nos duelos entre o órgão e a guitarra. A viagem encerra com Plastic Man, que, com uma marcante melodia, em tons graves, introduz o tema onde o desempenho vocal é o grande destaque. Além do baixista Bill Anderson e do baterista Dick Sneddon, completavam o grupo o vocalista Zeik Hurme, que possuía um timbre vocal que combinava com as melodias criadas pela banda.
O interessante neste trabalho é que quando foi relançado pelo selo italiano Akarma no ano 2000, vinha com uma capa diferente do lançamento original. Esta reedição se abre em seis partes, formando uma cruz em chamas e com uma sinistra cabeça de bode na junção entre as duas partes que formam a cruz. Existe também uma reedição com capa alternativa inclusive trazendo como faixa bônus a música Three Days Aft er Death Pt. 2, apenas instrumental. Realmente um interessantí ssimo trabalho gráfico, que valorizou ainda mais esta verdadeira relíquia dos anos 1970.

1.Three Days After Death Pt. 1 (9:28)
2.Three Days After Death Pt. 2 (7:09)
3.Aunty Mary's Trashcan (10:48)
4.Aftur Yur Lumber (5:12)
5.Plastic Man (5:59)

Download: http://www.megaupload.com/?d=IKZHQCTC

Alan Stivell - Chemins de Terre (1973) [France]

2011-05-03T06:10:00.000-07:00

O folk medieval é uma das vertentes do rock que teve seu momento de glória na Europa durante o início dos anos 1970 principalmente em países como Inglaterra. Este movimento se estendeu para outros países do continente e a França foi um dos que recebeu essas influências. Bandas como Malicorne e Ange são bons exemplos. Outro músico de desta que do país e gênero é Alan Stivell, que atuou junto a músicos do próprio Malicorne e que teve como grande mérito a capacidade de criar uma longa e consistente carreira solo. Este Chemins de Terre é um dos melhores e mais consagrados trabalhos do artista francês. Utilizando diversos instrumentos de cordas, Allan nos brinda com este belo trabalho. O disco em sua versão vinil original possui uma linda capa dupla trazendo belas fotos em sua parte interior. Lançado em 1973 pelo selo Fontana e produzido por Franck Giboni, o disco traz belas canções, como Susy MacGuire, Ian Morrison Reel, entre outras. Cantado em língua francesa, o álbum ainda conta com músicos do grupo Malicorne como Marie e Gabriel Yacoub. Na verdade, todos os músicos citados são apenas participantes do disco, visto que Alan Stivell trabalhava praticamente de forma solo. A primeira metade do disco termina com a tradicional e ótima canção Oidhece Mhaith, que mostra o talento dele e de sua banda. A segunda parte tem como destaque Na Dro Nevez, faixa mais pesada do disco tendo um belo trabalho de guitarra. Allan toca vários instrumentos no disco como harpa celta, flauta, mellotron, harmônicas, entre outros, comumente usados por artistas de folk rock. Antes de gravar seu primeiro disco em 1970, Allan chegou a tocar em concertos com grandes bandas, como o grupo inglês Moody Blues. O disco em questão, o quarto de sua carreira, é um dos mais conceituados do arti ta. Anos depois, o cantor chegou a gravar com inúmeros artistas pop como a cantora Kate Bush e o vocalista e líder da banda Pogues, Shane McGovwan. Apesar de Chemins de Terre ser o disco analisado aqui no momento, vale a pena citar também que Renaissance de La Harpe Celti que, de 1972, é considerado um dos melhores trabalhos de sua longa e produtiva carreira.

1.Susy Mac Guire (3:35)
2.Ian Morrison Reel (4:09)
3.She Moved Through The Fair (4:13)
4.Can Y Melinydd (1:59)
5.Oidhche Mhait (1:53)
6.An Dro Nevez (3:45)
7.Maro Ma Mestrez (3:08)
8.Brezhoneg' Raok (3:08)
9.An Hani A Garan (4:11)
10.Metig (4:07)
11.Kimiad (3:34)

Download: http://www.megaupload.com/?d=6JTQ4FGX

Banco del Mutuo Soccorso - Canto di Primavera (1979) [Italy]

2011-05-02T20:20:00.000-07:00

Depois de dois discos totalmente instrumentais, mais voltados para o fusion , Canto di Primavera marca o retorno da poderosa voz de Francesco Di Giacomo ao grupo. Também marca um período de transição para o Banco, que , a exemplo do que aconteceu com outros grupos prog, começava a procurar alternativas sonoras, uma vez que o progressivo já não estava mais no gosto das massas.
Assim o que temos em Canto di Primavera é a banda optando para um formato mais compacto para as composições , e utilizando em vários casos melodias mais leves e acessíveis ( Canto di Primavera, E Me Viene da Pensare). A influência fusion ainda é presente, como é verificável em Ciclo (brilhantemente emendada com a faixa-título), Circobanda e Interno Cittá.
Nessa busca por caminhos sonoros mais viáveis a banda alcança um resultando bem mais positivo que a maioria dos grupos que tentavam o mesmo (embora isso ocorra apenas nesse álbum - os discos do Banco na década de 80 são fraquíssimos) . As canções mais acessíveis são verdadeiras pérolas, com performances excelentes de Giacomo - aparentando querer mostrar serviço após seu afastamento- e instrumental impressivo: O solo de piano em E me Viene da Pensare é um dos mais belos momentos de toda a discografia da banda, instante de sensibilidade e virtuosismo simultâneos. Belos também são os teclados pungentes de Niente, canção mais dramática do álbum.
Um porém do disco é a timbragem dos teclados em certas músicas, que talvez represente a última moda da época, mas hoje soa um tanto estranha . Não é a toa que a extendida versão da faixa-título executada em turnês recentes, onde os teclados são substituídos pelo piano, soa muito superior a versão do disco (Quem ouvir o cd duplo Live in Mexico City , terá uma idéia do estou falando).
Mas de qualquer maneira Canto di Primavera é um disco bastante agradável de se ouvir , principalmente para os que não tiverem preconceito em ver o Banco em uma versão um pouco menos prolixa que nos trabalhos anteriores (embora mantendo a maior parte das características progressivas , o que não ocorreu nos trabalhos dos anos 80)
É baixar e curtir.

1.Ciclo (4:20)
2.Canto Di Primavera (5:30)
3.Sono La Bestia (4:35)
4.Niente (4:00)
5.E Mi Viene Da Pensare (3:20)
6.Interno Citta' (6:30)
7.Lungo Il Margine (4:50)
8.Circobanda (5:30)

Download: http://www.megaupload.com/?d=4QFFLAKF

The Shin - Black Sea Fire (2009) [Georgia]

2011-05-02T12:04:00.000-07:00

The Shin, que significa “caminho para casa” em georgiano, é o nome da banda em que os seus músicos atualmente fazem parte da elite artística do país e, são conhecidos como os principais compositores e músicos daquele local. Mas não é pra menos, ao se ouvir o som da banda, logo de cara nota-se o porque desse título. O album postado aqui no blog foi o ultimo que a banda lançou, a na minha humilde opinião, o melhor. Trabalho de sonoridade bastante suave, harmonias de vozes realmente fantásticas, típicas dos cantes da georgia, alem do resultado final provocado pela avalanche de instrumentos ultilizados. Também pode-se encontrar um pouco de musica indiana, ritmos dançantes dos balcãs, entre outras viagens sonoras. que fazem desse disco algo único.
Album pra ouvir e viajar.

1.Black Sea Firedance (3:23)
2.Potato Story (4:27)
3.Sharatin (6:25)
4.Something Wonderful (3:40)
5.Cool Basti (3:36)
6.Gelino (6:16)
7.Pigeon Sirba (4:24)
8.Pearl by the Sea (Wow Odessa!) (3:10)
9.Longing for Suliko (4:16)
10.Temel: Walkin' and Smokin' in NYC (4:36)
11.Anushki (2:57)
11.To the Hidden Coast (4:22)

Download: http://www.megaupload.com/?d=YI29UYRJ

Jazz Q – Symbiosis (1974) [Czech Republic]

2011-05-02T12:02:00.000-07:00

Jazz Q foi formada por Martin Kratochvil(Piano) e Stivin (sopros) em 1964 e tinham uma sonoridade influenciada pelo Free Jazz dos anos 50’s que ainda estava em alta na America. Mas ao chegar o fim dos anos 60 e já familiarizado com o cenário do rock inglês, Kratochvi decidi ir em uma direção mais eclética, mudar um pouco a postura do grupo, Stivin não concorda a abordagem desse tipo de som e após a gravação do primeira álbum da banda, resolve abandonar o grupo. O som da banda é uma mistura que ainda continha o Free Jazz, mas agora também tinha o Rock e o Fusion como parceiros.
O álbum postado é o segundo do grupo e sem sombra de dúvida a sua obra prima, uma musicalidade jazzística em total harmonia com passagens psicodélicas graças aos perfeitos trabalhos de guitarra e os vocais naturalmente emotivos.
Um trabalho altamente recomendado.

1.From Dark to Light (6:05)
2.Lost Soul (6:05)
3.Starbird (7:25)
4.The Wizard (16:25)
5.Epilogue (3:25)

Bônus Track:

Presage (9:40)

Download: http://www.megaupload.com/?d=L2K88XJ3

Wappa Gappa - Gappa (2004) [Japan]

2011-04-28T16:29:00.001-07:00

Anos 80... pra muitos o rock progressivo "agonizava", mas nadando contra a corrente, o japão fervilhava com novas bandas que mergulhavam fundo no estilo (Novela, Outer Limits, Gerard etc). Estas bandas deixaram suas influências no prog feito pelas novas bandas japonesas. O Wappa Gappa, um dos representantes desta nova safra aparece com este terceiro trabalho. Honrando as influências, aqui está o vocal feminino cantado em japonês e os bons músicos da fértil escola sinfônica japonesa. A diferença é o instrumental que puxa mais para os arranjos quebrados e algums guitarras atonais, mas nada que assuste os fãs de sonoridade melódica e sinfônica. Muito Hammond (lembrando o Gerard), bateria competente e solos vintage.
Um album bastante bonito.

1.Kyoei no ichi (Souk) (7:44)
2.Ido Uuenchi (Kirmes) (8:43)
3.Ranja (10:51)
4.Taiyo no kin np ringo (The golden apples of the sun) (8:31)
5.Heishitachi-e (To soldiers) (6:50)
6.Gokujo no yuuutsu (Exquisite blue) (7:28)
7.Escher (9:39)
8.Etranger (8:38)

Download: http://www.megaupload.com/?d=X9DMJZXQ

Quikion - Ramadan (2004) [Japan]

2011-04-28T16:05:00.000-07:00

Trio japonês altamente influenciado pela escola minimalista francesa, com farta utilização de acordeão, o Quikion apresenta este quarto trabalho que ganha lançamento também na França pela Gazul, selo da Musea especializado em RIO e afins. Fora a influência citada, a banda apresenta vocais femininos em japonês, mostrando tambémvárias adaptações de músicas folclóricas de países como Iugoslávia, Romênia e Inglaterra (The Cuckoo), bem como uma música do compositor Kurt Weill. Banda a ser descoberta para alguns e pérola para os admiradores do gênero.

1.Moon and a Bride (3:06)
2.Ramadan (6:05)
3.The Cracked Harmonium of Chotabaru (2:34)
4.Die Ballade von der Hollen-Lili (2:56)
5.Guessing Song (3:20)
6.Cha-Ri-Ne (5:05)
7.Spellbound (5:07)
8.Sirba D'Accordeon (4:04)
9.The Cuckoo (3:25)
10.Concertina Blues (3:03)
11.Heaven Knows (5:14)
12.Kondratiev Song (2:14)

Download: http://www.megaupload.com/?d=9YI792N0

Deux Ex Machina - Cinque (2002) [Italy]

2011-04-28T10:52:00.000-07:00

Considerada como uma das melhores bandas de rock progressivo da atualidade, o Deux Ex Machina (formado em 1985 em Bolonha, Itália) ganhou enorme reputação e respeito graças às suas enérgicas apresentações e aos seus discos de estúdio. O sexteto italiano tem como marca registrada o vocalista alberto Piras (sempre com as letras e vocais em latim) e a fusão de rock, jazz, fusion e clássico. A banda afirma que o latim foi a melhor solução para conciliar a natureza melódica do idiona italiano e a fluência do inglês.
Nos anos 90, a banda lançou quatro discos de estúdio e dois discos ao vivo. Seu primeiro trabalho foi uma ópera-rock gravada em apenas dois dias! Destaca-se também a participação da banda em alguns tributos, entre eles ao Van Der Graph Generator, uma de suas influências. A banda já se apresentou nos EUA no Nearfest 2001.
Este quinto disco de estúdio, o primeiro pela Cuneiform e o primeiro a ser lançado nos EUA, é um poderoso trabalho de jazz/rock/fusion. É o ápice de "uma busca por um impacto maior usando o Rock como ferramenta".
Album, altamente recomendado.

1.Convolutus (7:18)
2.Rhinoceros (Afropuglise) (8:19)
3.Uomo del Futuro Passato (Roccaccione..... (8:42)
4.Olim Sol Rogavit Terram I (Maurino Piras) (5:04)
5.Il Pensiero Che Porta Alle Cose Importanti (7:28)
6.Luce (Pensando a Claudia) (6:19)
7.De Ordinis Ratione (Nuovo) (6:55)
8.Olim Sol Rogavit Terram II (Cadaverone..... (20:22)

Download: http://www.megaupload.com/?d=5K8N1I7L

Forever Twelve - Spark of Light (2004) [USA]

2011-04-28T09:32:00.000-07:00

A banda norte-americana da Califórnia, o Forever Twelve tem uma linha música onde se engloba muito violão, bons teclados (mellotron, moog etc), vocal feminino cristalino da simpática Cat Ellen, flautas bem tocadas (ouça a segunda música), guitarras choradas que nos fazem lembrar de Camel com assinaturas a la Yes , um baixo quase perfeito (ouça a primeira música) e a bateria que não deixa nenhum instrumento na mão. Um disco que foge completamente da escola tradicional norte-americana e mergulha de cabeça num estilo próprio.

1.Rama (8:03)
2.Spark of Light (10:03)
3.Keep It Alive (8:50)
4.Brown Cloud (6:40)
5.Mouse (9:43)
6.Life Changes (15:02)

Download: http://www.megaupload.com/?d=Y3HK0FKK

Clepsydra - Alone (2002) [Switzerland]

2011-04-28T08:52:00.001-07:00

Sabe aquele disco que os admiradores mais radicais de rock progressivo (leia-se os que acham que o prog acabou em 1979) vão odiar? É este! Você, que é uma pessoa normal e sempre disposto a descobrir música de qualidade, é a pessoa indicada para comprar curtir esse album. Simplesmente o melhor disco da banda, com um casamento perfeito de guitarras, teclados e letras carregadas de significados. Um disco sem nada demais, mas tambem sem nada de menos, simplesmente no ponto, figura fácilmente entre os melhores de rock progressivo que foram lançado no ano de 2002.
Uma curiosidade, você pode achar esse album em três capas diferentes.

1.Tuesday Night (13:16)
2.Travel of Dream (10:54)
3.The Return (7:10)
4.The Father (7:31)
5.Alone (6:00)
6.The Nest (6:58)
7.God or Beggar (5:45)
8.End of Tuesday (5:03)

Download: http://www.megaupload.com/?d=3GVXFPWI

Yang - A Complex Nature (2004) [France]

2011-04-27T17:34:00.000-07:00

Yang é o novo quarteto liderado pelo guitarrista Frederic L'Epee (Shylock, Philharmonie) e A Complex Nature seu trabalho de estréia. Após o fim da banda Philharmonie em 1998, L'Epee dedicou-se à carreira solo, com trabalhos baseados em composição e improviso, com diversas apresentações, lançamento de seis CDs solos e a participação no GLI (Groupement de Libres Improvisateurs). Em setembro de 2002, L'Epee formou o quarteto Yang que conta com o próprio L'Epee, na guitarra, seu aluno Julien Vecchio, na segunda guitarra, Volodia Brice, na bateria, que participou da última formacão do Philharmonie, e Stephane Bertrand, no baixo. Embora L'Epee não encare Yang como a continuação do Philharmonie, é difícil não notar as similaridades entre a música do Yang e a última fase do Philharmonie (Rage e The Last Word). As composições são energéticas, com estrutura compacta e dominadas pelas guitarras com distorção. As sequências com contrapontos entre as duas guitarras ainda estão presentes, mas agora com mais energia. O album trás oito faixas, todas compostas por L'Epee, sendo três "baladas" (Compassion, Manchild e Impatience) e cinco faixas mais pesadas. Em Compassion a música começa calma, com apenas uma guitarra que é seguida pelos outros intrumentos, culminando com solo torturante que lembra Fripp na era Red. Manchild começa com tema simpático, com passagens onde as duas guitarras fazem belo contraponto para o desenvolvimento do contrabaixo, até evoluir para uma série de contrapontos rápidos e com muita energia para o grande finale. O ponto alto do album são as composições mais pesadas, como Les Deux Mondes, Le Masque Rouge e Orgueil, todas apresentando forte influência crimsoniana, onde o contraponto das duas guitarras que marcou o KC dos anos 80 é aqui aproveitado de modo muito energético e vibrante, com o espírito dos anos 70. O destaque desse trabalho fica para a faixa Souterrain, a mais criativa e cheia de energia. Recomendado para quem gosta de King Crimson, de música instrumental inteligente e elaborada para um par de guitarras tocadas por dois guitarristas exímios.

1.The Two Worlds (8:16)
2.Subterranean (6:35)
3.Innocent Seducer (5:46)
4.Compassion (4:26)
5.Homme-Enfant (4:41)
6.Impatience (7:03)
7.The Red Mask (5:27)
8.Pride (5:54)

Download: http://www.megaupload.com/?d=UUTYE3C4

The Move - Looking On (1971) [U.K]

2011-04-27T10:45:00.000-07:00

The Move foi uma das bandas mais importantes surgidas no meio dos anos 60 mas que nunca teve um reconhecimento na América, porem seu disco de estréia de 68 apesar de não ter sido um fenômeno de vendas, ouve um reconhecimento da critica especializada que os consideravam autênticos e sofisticados. Sua característica no inicio era dar mais prioridade a aparência que o som, fazendo com que comparações com o Jeff Beck Group fossem inevitáveis, mas aos poucos graças ao talento do seu líder, o compositor e guitarrista Roy Wood, a combinação de doses psicodélicas com o molho britânico inevitável dos Beatles e ainda um mórbido sendo de humor seria a combinação certeira para que a banda monta-se um repertório onde as improvisações roqueiras se destacavam dando ao grupo uma personalidade forte que ajudou sustentar sua base por um certo tempo.
O mais curioso é que os americanos só foram descobrir a banda algum tempo depois que os mesmo já haviam se separados, exceto dois de seus integrante Roy Wood e Jeff Lynne que juntos resolveram montar uma banda de rock orquestral e ganhado fama e sucesso com o nome de The Eletcric Light Orchestra e que logo se tornou uma das maiores referencias no rock-pop dos anos 70. Só que no caso do The Move, havia um formato de experimentalismo e uma preocupação de soar pesado e claro em alguns momentos pop, mas na linha da chamada invasão britânica, se bem que eles acabaram chegando um pouco atrasados nesse sentido. O nome da banda viria do fato de que no inicio seus integrantes tiveram que se “mover” de suas cidades locais e fixar em Birmingham para montar a banda, porem quando foram tentar a sorte em Londres foram ver The Who em um show onde Pete Townshend quebrava guitarras e destruía aparelhos de tv “que naquela época era muito mais caro” em cima do palco o que acabou influenciando muito em varias composições do grupo. Tiveram logo no começo 4 singles tirados de compactos simples catapultados para as paradas do top-ten inglês entre 67-68. Não demorou muito o quinteto se desfalcaria do baixista Ace Kefford que nunca foi um grande colaborador mas gostava de aparecer mais que os outros em fotos promocionais e entrevistas.
Porem somente com o quarto disco Looking On , que por sinal marca a entrada de Jeff Lynne na banda, eles chegariam e ainda assim uma única vez ao topo das paradas com a musica "Blackberry Way" considerada por muitos como uma das suas melhores canções que é uma espécie de humor negro para “"Penny Lane" dos Beatles e inclusive já foi revisitada pelo ELO. As musicas de Lynne como "What?" e "Open Up Said the World at the Door" são maiores e complexas enquanto as de Wood são puro hard-rock já na linha metal que geraria também comparações com Black Sabbath, e isso éra o diferencial do álbum já que a união de duas cabeças diferentes seriam determinantes parase fazer um som brilhante e consistente. Se você prestar atenção nas musicas de Wood como "Looking On" and "Turkish Tram Conductor Blues” parece até que havia uma profecia de que um dia surgiria o estilo grunge, já que ela tem a cara do Soundgarden. Já na clássica “Feel Too Good”, um dos grandes hits do disco, tudo começa com um riff pesado e um piano boogie que logo depois vai se expandido em improvisos de guitarra que culmina com vocais ala Beach Boys, em geral as musicas lembram coisas dos Faces e pitadas de Black Crowes. Em “When Alice Comes Back To The Farm" tem piano honky-tonk meio maluco como em varias experimentos do album. Outros destaques são “Brontosaurus” que já foi regravado pelo Cheap Trick e “Wild Tiger Woman”.
Essa versão postada aqui no blog é a remaster, com faixas extras, mas que sinceramente não acrescentam nada ao album, que é brilhante apenas com suas músicas originais.

1.Looking On (7:49)
2.Turkish Tram Conductor Blues (4:49)
3.What? (6:43)
4.When Alice Comes Back to the Farm (3:44)
5.Open Up Said the World at the Door (7:11)
6.Brontosaurus (4:26)
7.Feel Too Good (9:34)

Bonus Tracks:

8.Lightning Never Strikes Twice (3:15)
9.Looking On Pt. 1 (4:34)
10.Looking On Pt. 2 (4:51)
11.Turkish Tram Conductor Blues (4:54)
12.Open Up Said the World at the Door (1:27)
13.Feel Too Good (2:40)
14.Duke of Edinburg's Lettuce (1:26)

Download: http://www.megaupload.com/?d=37GLYGFC

The Norman Haines Band - Den of Iniquity (1971) [U.K]

2011-04-26T15:49:00.001-07:00

Clássico e super buscado álbum de rock progressivo de um ex-integrante da banda Locomotive com maravilhosa guitarra, órgão e vocal sublime, além de uma capa um tanto bestial. Um álbum enormemente variado, onde não sobra nem falta nada e com um tema final realmente antológico. Excelente.
Podem baixar sem medo de não gostar, album maravilhoso, um dos meus preferidos entre todos postados aqui no blog.

1.Den Of Iniquity (04:34)
2.Finding My Way Home (03:25)
3.Everything You See (Mr Armageddon) (04:37)
4.When I Come Down (03:58)
5.Bourgeois (03:01)
6.Rabbits (13:05)
a.Sonata (For Singing Pig)
b.Joint Effort
c.Skidpatch
d.Miracle
7.Life Is So Unkind (08:06)
a.Moonlight Mazurka
b.Echoes Of The Future
8.Elaine (04:36)
9.I Really Need A Friend (03:43)
10.Daffodil (03:52)
11.Autumn Mobile (03:33)
12.Give To You Girl (02:53)

Download: http://www.megaupload.com/?d=SBFQGYOR

Synergy - Electronic Realizations for Rock Orchestra (1975) [USA]

2011-04-26T15:21:00.000-07:00

O álbum de estréia de Synergy (pseudônimo usado pelo tecladista Larry Fast) talvez seja seu mais popular trabalho, e nos traz 5 peças idealizadas pelo músico norte-americano para uma verdadeira “orquestra” apenas composta de teclados eletrônicos: timbres que “mimetizam” instrumentos de caráter orquestral (fagote, cravo, violino) são mesclados e fundidos a timbres artificiais, próprios de sintetizadores.
“Electronic Realizations...”, realizado em 75, possui claras influências de alguns tecladistas progressivos da vertente sinfônica (Rick Wakeman, Keith Emerson) e alguma influência do prog-eletrônico alemão (Tangerine Dream, Kraftwerk em seus primórdios) além de menções à compositores da música erudita moderna, como Ravel e Stravinsky. Não há exatamente nada de “inovador” na música do Synergy, seria apenas uma adaptação de típicas composições e orquestrações de influência clássica para teclados eletrônicos, com “toques“ futurísticos, coisa que músicos como Wendy Carlos em “Laranja Mecânica” ou “Switched-On Bach ” já chegaram a fazer anteriormente, mas talvez sem a “magia cândida” das composições de Fast.
As melodias, concepções harmônicas e arranjos de Larry Fast costumam ser bem simples e formais, sem improvisos e sem climas ou quebras muito radicais. Não há também demonstrações de grande virtuosismo de sua parte, mas tudo é feito com certo bom gosto e qualidade, criando-se assim etéreas e bem acabadas peças instrumentais, de texturas suaves e sonoridade leve e ingênua: Uma música bastante acessível e agradável de se ouvir.
“Legacy”, “Synergy” e “Relay Breakdown” seriam as composições mais expressivas e que melhor representariam este álbum desta “banda-de um-homem-só”, que exerceria sensíveis influências em algumas bandas eletrônicas modernas, tal como o Orbital em seu disco “The Middle of Nowhere”.
Um album extremamente recomendado.

1.Legacy (10:10)
2.Slaughter on Tenth Avenue (11:50)
3.Synergy (5:28)
4.Relay Breakdown (6:24)
5.Warriors (12:51)

Diwnload: http://www.megaupload.com/?d=83XLD11S

Os Mutantes - Os Mutantes (1968) [Brazil]

2011-04-26T11:37:00.000-07:00

Muita gente tem a mania de buscar apenas no rock americano ou inglês a sua fonte única de inspiração e conhecimento, enquanto as pérolas da MPB permanecem no esquecimento.
Também a quem não ache que tais pérolas existam, mas houve a bossa nova, a tropicália (anote aí: "bossa nova" não é uma invenção da vanguarda londrina), coisas que poderiam dar um forte impulso ao rock nacional, em sua busca de identidade. Realmente, não é justo que só a tal "geração AI-5" tenha conhecido o primeiro LP dos Mutantes, lançado em 68 eis as pérolas.
Pelo ineditismo para a época e pelo seu distanciamento dos clichês roqueiros, este pode ser considerado o melhor disco do grupo (sem menosprezar os posteriores, Os Mutantes, de 69, e A Divina Comédia ou Ando Meio Desligado, 70). Rita Lee, Arnaldo e Serginho Baptista faziam música, está na cara, pelo puro barato de criar, de se divertir. Assim como outras obras-primas da tropicália, este disco contou com o auxílio do George Martin (produtor dos Beatles) brasileiro, Rogério Duprat. Sintetizar orquestralmente as idéias lisérgicas que os Mutantes simplesmente jorravam não deve ter sido fácil, mas com certeza Duprat curtiu adoidado.
Vejam só: o disco abre com "Panis et Circensis", de Caetano e Gil. De repente a música se interrompe como se alguém tivesse tropeçado no fio do toca-discos; em seguida ela continua para acabar em meio a ruídos de sala de jantar, com talheres e conversas familiares. Tudo isso com orquestração digna de aberturas wagnerianas. Depois vem "Minha Menina" (Jorge Ben) e "O Relógio", de autoria do grupo, um dos grandes momentos deste lado, graças à estranheza do contraste entre a melodia leve e o non-sense da letra (o relógio parou/ desistiu para sempre de ser antimagnético, 22 rubis/ eu dei corda e pensei/ que o relógio iria viver/ pra dizer a hora de você chegar).
"Maria Fulô", de Leonel de Azevedo e José de Sá Roris, cai num clima de quilombo, com marimbas, Kalimbas e cuícas no maior samba. "Baby", de Caetano, é cantada (imaginem só) por Arnaldo. A última faixa do lado A é "Senhor F" (O senhor F/ vive a querer/ ser senhor X/ mas tem medo/ de nunca voltar/ a ser senhor F outra vez), mais uma pérola de autoria do grupo, com arranjo inspirado (assim como outros momentos desde LP) em coisas do Sargeant Peppers dos Beatles.
O lado B abre com "Bat Macumba" e segue com Rita cantando, à la Françoise Hardy, o clássico francês "Le Premier Bonheur du Jour". "Trem Fantasma", Mutantes em parceria com Caetano, destaca uma bela combinação de vozes com metais. "Tempo no Tempo", versão de uma música dos Mamas & the Pappas, tem um solo de carrilhão no final, e "Ave Gencis Khan" (sic) encerra o disco num pique de George Harrison, com fortes toques orientais.
É isso aí. De resto, só mesmo ouvindo. Os climas mudam, de faixa para faixa, da água para o vinho. Sem nenhum preconceito, os Mutantes fizeram uma viagem psicodélica pela música universal, bastante influenciados pelos Beatles e auxiliados pelas partituras mágicas de Rogério Duprat. É um disco de MPB, tratado com o espírito efervescente da época, o espírito de libertação das formas e padrões. Por isso é um disco que os roqueiros brasileiros devem conhecer.

1.Panis Et Circensis (3:40)
2.A Minha Menina (4:46)
3.O Relógio (3:33)
4.Adeus Maria Fulô (3:06)
5.Baby (3:02)
6.Senhor F (2:36)
7.Bat Macumba (3:12)
8.Le Premier Bonheur Du Jour (3:40)
9.Trem Fantasma (3:19)
10.Tempo No Tempo (1:49)
11.Ave Gengis Khan (3:48)

Download: http://www.megaupload.com/?d=KICKBTPM

Nuit Câline À La Villa Mon Rêve - Juillet 1977 (1977) [Belgium]

2011-04-26T09:22:00.001-07:00

Esse é um daqueles grupos que simplesmente surgem, acontecem e, sem mais nem menos desaparecem após terem gravado seu único álbum. Uma pena, pois a pegar como exemplo esse trabalho aqui postado, o Nuit Câline À La Villa Mon Revê tinha muita lenha pra queimar e produzir mais alguns ótimos albuns.
Juillet 1977 é um disco perdido na história do progressivo belga. Disco muito bom, um progressivo com influências folk simplesmente maravilhoso e de sonoridade bastante requintada e de certa forma até mesmo um pouco delicada, mas acima de tudo, muito bela.

1.Podferdeck, quelle drache!" (6.06)
2.La chaleur de l'été (3.43)
3.Le coeur en morceaux (3.50)
4.Mardi, 14h30 (10.45)
5.La route (3.20)
6.Les Lundis d'Hortense (4.05)
7.La princesse est salariée (3.42)
8.Sauve qui peut, tout va bien dans nos bureaux (3.32)
9.Contravention (4.36)
10.Maison closes (4.50)

Download: http://www.megaupload.com/?d=COWAZWAT

Ananda Shankar - Ananda Shankar (1970) [India]

2011-04-26T08:46:00.000-07:00

Ananda Shankar é sobrinho do Ravi Shankar e tornou-se pioneiro na arte de misturar tradições musiciais do Oriente e do Ocidente. Ele estudou cítara na Índia e depois migrou para Los Angeles, onde tornou-se conhecido por este disco auto-intitulado. As faixas mixam raga com psicodelia, cítara com sintetizadores moog, e o resultado é no mínimo curioso. Seu primeiro disco lançado em 1970, Ananda faz versões de clássicos como "Jumpin' Jack Flash", dos Stones, e "Light my Fire", dos Doors. Destaque ainda para "Metamorphosis" e "Sagar", esta última com 13 minutos de pura viagem, misturando cítara a guitarras folk.

1.Jumpin' Jack Flash (3:40)
2.Snow Flower (3:10)
3.Light My Fire (3:29)
4.Mamata (Affection) (2:50)
5.Metamorphosis (6:49)
6.Sagar (The Ocean) (13:13)
7.Dance Indra (3:49)
8.Raghupati (3:35)

Download: http://www.megaupload.com/?d=PPT0TV1P

Gunesh Ensemble - Вижу Землю (Looking at the Earth) (1984) [Turkmenistan]

2011-04-26T07:33:00.001-07:00

Sempre gostei de pesquisar sobre grupos de lugares pouco convencionais, com certeza em meio a descobertas através dessas “viagens”, uma das bandas mais interessantes que encontrei é o Gunesh Ensemble. Liderado pelo baterista Rishad Shafiev, o grupo apresenta de forma espetacular uma fusão de Jazz-Rock instrumental com elementos de música folk do oriente médio, com a utilização de instrumentos tradicionais daquela região. Lembra por momentos Passport, Embryo e S.B.B, mas sempre soando de forma bastante singular, enfim, um álbum único e imperdível de um grupo que poderia ter ido muito alem do que foi.

1.Baikonur (5:02)
2.Bu Derdy (7:44)
3.Oriental Express (3:32)
4.Rhythms Of The Caucasus (8:25)
5.Wind From The Gang (4:32)
6.Vietnamese Frescoes (4:20)

Download: http://www.megaupload.com/?d=CCMT9FPF