quarta-feira, 30 de dezembro de 2009

Frank Zappa - The Grand Wazoo (1973) [USA]



Obra instrumental jazz-rock que seria a continuação do clássico “Hot Rats” . Desta vez, uma big-band onde o mestre reúne feras como Aynsley Dunbar, Don Preston e George Duke, e assim presenteando os amantes da boa musica com mais um album maravilhoso e que é obrigatório em qualquer lista de discos relacionados ao Jazz Fusion. Quem comprou Hot Rats sem duvida comprou esse também já que o contexto de ambos segue o mesmo padrão, salvo algumas diferenças. É claro que aqui tem tudo para agradar, como riffs de guitarra funk, extensos solos de sax e trumpetes, tudo caminhando harmonicamente na mesma canção, e é por isso que a cada disco como esse, o Fusion se tornava mais empolgante e irritava os puristas que achavam que o Jazz de Charle Parkie estava sendo enterrado com a influencia do rock, o que não é verdade, muito pelo contrario, o Jazz-rock só veio engrandecer ainda mais o gênero, e isso se reflete em bandas como Soft Machine que moldaram um estilo reverenciando os mestres da matéria como Monk, Miles e Coltrane.
For Calvin (And His Next Two Hitch-Hikers), Já abre de maneira experimental e com um pé na vanguarda misturando Jazz, influencias das big-band americanas dos anos 30, e depois vai para uma espécie de “faça qualquer coisa”, mas soando com coerência. Imaginando que tudo já estava rascunhado teria um maestro ali para apontar que instrumento que entraria ali na hora. Se esse maestro foi mesmo Zappa ele deve ter ficado com umas boas dores no ombro devido aos movimentos contantes dos insturmentos ao longo da canção.
The Grand Wazoo, parece querer abrigar todos os instrumentos possíveis, com complicados e intricados solos soando tudo com muita espontaneidade, como uma big-band jazzística maluca, onde o que vale é o som ant-convencional. É uma faixa experimental que dá liberdade para os instrumentos soltarem voz livremente, atravessando um ao outro fazendo assim com que ouçamos linhas sobrepostas de sax sobre trompete em uma improvisação “free”. Depois retorna ao tema que por si só já seria de se admirar pela sua estrutura complexa.
Cletus Awreetus-Awrightus , Essa faixa intricada empolga e contagia qualquer ouvido, pelos arranjos complexos dos metais mas o que chama mais atenção é o caráter humorístico e o clima de desenho animado que ela porpociona. É um pouco do retorno do espírito experimental de Zappa com uma incorporação grandiosa.
Eat That Question , Aqui o orgão inicial, começa timidamente tocando algumas notas, mas na verdade, o que se segue depois é uma sucessão de improvisos em ritmo mais acelerado que que desanda numa loucura de opereta fusion com espaços para doses regulares de guitarras estridentes em compassos marcados por uma bateria na linha de Jimi Hendrix Experience. Isso tudo junto aos instrumentos de sopro é claro.
Blessed Relief, Foi o destaque do disco, também muito tocado por estudantes de Jazz da famosa escola da Berklee. Aqui ao contrario de toda a loucura “maravilhosa é claro” das outras, há mais respiração, menos correria e abre a mente mais para a criatividade dos teclados de George e Don ponteando uma linha de baixo com uma beleza de perfeição, mas principalmente bom gosto. Uma faixa maravilhosa que fecha assim um disco como poucos.

1.For Calvin (And His Next Two Hitch-Hikers) - 13:20
2.The Grand Wazoo - 6:06
3.Cletus Awreetus-Awrightus - 2:57
4.Eat That Question - 6:42
5.Blessed Relief - 8:00

Psiglo - Psiglo II (1974) [Uruguay]



Esta banda de Montevidéu, Uruguai teve seu início no ano de 1971 e lançaram no ano seguinte seu album de estréia chamado "Ideacion", album bem hard rock, mal produzido, mas com boas músicas, bem enérgicas e pesadas com destaques para Sienteme, Nuestra calma e Piensa y lucha, sua sonoridade é bem similar a banda Argentina El Reloj. Este primeiro album da banda foi lançado apenas em lp e no Uruguai. Bom mas o album em questão não era este vamos então ao que interessa....
No ano de 74 a banda voltaria aos estúdios para gravar o segundo album simplesmente intitulado "Psiglo II". Uma produção bem superior a do primeiro disco, este album é mais progressivo, longo e melhor. Há neste album a presença da flauta, ausente no primeiro disco. O album continua com seu Hard Rock Progressivo só que melhor trabalhado. Neste a sonoridade pende mais para o Deep Purple. As músicas que são destaque no disco são No tiene razon de ser, El juglar y yo, Gil 1038 (a melhor do disco), Gente sin Camino e Cambiaras al Hombre. Apesar da melhor produção e melhores composições o album infelizmente na época não chega a ver a luz do dia, isto é não chega a ser lançado, ficando engavetado, sendo lançado apenas na Argentina só que em uma versão reduzida. Inevitavelmente a banda se dissolve. O baterista Farrugia vai para a Argentina e integra-se à banda CRUCIS e Melogno, Rechac e Garcia vão para a Espanha. Garcia integraria a Banda Espanhola ASFALTO. Cesio fica no Uruguai e desaparece por um tempo. Nos anos 90 os cinco componentes se reunem para um show histórico em Montevideu. Em 97 finalmente "Psiglo II" sai em cd junto com o primeiro album "Ideacion". Com certeza uma das melhores e mais injustiçadas bandas da América Latina, se você não conhece e gosta de Progressivo latino americano, corra atrás pois é fenomenal.

1.Cambiaras al Hombre-4:30
2.Heroe de Papel-3:45
3.Construir,Destruir-3:03
4.No tiene razon de ser-7:00
5.El Juglar y yo (Instrumental)-8:45
6.Gil 1038-12:00
7.Gente sin Camino-6:10

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Mahavishnu Orchestra - Inner Mounting Flame (1971) [U.K]



O grupo Mahavishnu Orchestra começou como um projeto do virtuoso guitarrista inglês John McLaughling --- Mahavishnu é seu nome religioso. McLaughling se tornou famoso ao tocar com Miles Davis nos discos In a Silent Way e Bitches Brew; este último, lançado em 1969, é considerado o disco que deu origem ao jazz-rock (ou fusion, como veio mais tarde a ser conhecido).
Dois outros integrantes do grupo de Miles Davis fundaram outros notórios grupos do gênero, são eles: Chick Corea, que fundou o Return to Forever, e Joe Zawninul, fundador do Weather Report. Mahavishu Orchestra, ao lado dos dois últimos citados, é um dos clássicos grupos de fusion e, sem exagero algum, em muito contribuiu para definir o estilo. Todos esses três grupos têm grandes qualidades, entretanto, a despeito de clássicos como o Romantic Warrior do Return to Forever, por mim o Mahavishnu Orchestra possui um destaque considerável. Suas músicas transmitem uma energia insuperável, a competência técnica é inigualável e as composições e os improvisos são muito intrincados e criativos. A menos, talvez, do Inner Worlds, todos seus discos da década de 70 são muito recomendados. Houve uma tentativa de recriar a banda na década de 80, dois discos chegaram a ser lançados, mas, pelo que sei, a qualidade desses é muito inferior.
Talvez este seja um disco com elementos em demasia de jazz para muitos fãs de prog, os discos Apocalypse e Visions of the Emerald Beyond são os mais progressivos do grupo --- o que não quer dizer, de forma alguma, que sejam os melhores. Há uma boa quantidade de elementos que costumam ser considerados progressivos, como, em especial, bruscas e drásticas mudanças de melodia e clima --- o clima pode passar do suave ao agressivo em um piscar de olhos. Também se fazem presentes tempos nada ortodoxos e muita dissonância, advinda especialmente da guitarra e secundariamente do violino, ambos com muita distorção.
Este primeiro disco do Mahavishnu Orchestra é bem menos famoso que seu seguinte, o Birds of Fire, mas tem muitas semelhanças e o considero praticamente tão bom quanto. Posso dizer que, em termos de energia, Inner Mounting Flame nada deve ao seu sucessor, ou talvez até o supere. Porém, o entrosamento do grupo e, especialmente, as passagens melódicas estão ligeiramente abaixo do nível do Birds of Fire.
Todas as músicas são excelentes. As mais intensas --- ou seja, as músicas absurdamente intensas --- são Meeting of the Spirits, The Noonward Race, Vital Transformation e Awakening, das quais destaco as duas primeiras. Dawn e You Know You Know são suaves e bem voltadas para o jazz. A Lotus on Irish Streams é bem suave e remete a um clima orietal-exotérico. Por fim, The Dance of the Maya começa com certa tensão e com uma boa dose de swing, sendo bem "jazzística", mas, depois de algumas variações sobre o tema original, torna-se inesperadamente mais voltada para o rock, perdendo o swing e aumentando a agressividade.
Ao escutar discos como esse é natural nos perguntarmos porque toda essa criatividade e energia do fusion não veio a se desenvolver mais nos anos seguintes e, ao contrário, até parece ter involuído.

1.Meeting of the Spirits (6:53)
2.Dawn (5:20)
3.The Noonward Race (6:29)
4.A Lotus on Irish Streams (5:41)
5.Vital transformation (6:18)
6.The Dance of Maya (7:16)
7.You Know You Know (5:08)
8.Awakening (3:36)

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Guapo - Five Suns (2003) [U.K]



A banda Guapo é um trio britânico que completa dez anos de existência neste ano de 2004. Basicamente o CD é a suíte (46 minutos) que dá nome ao disco, adicionados de mais duas composições mais "curtas". Um trabalho que remete à bandas como Nebelnest, Magma, Terry Riley e Univers Zero. A banda abusa na utilização de equipamentos vintage como mellotron, Fender Rhodes, moog etc. RIO/Zeuhl da melhor qualidade demonstrado nas músicas com aquele tradicional clima dark do estilo, arranjos complexas, atonalidade harmônica e mantras percussivos.
Junte a intensidade e o desenvolvimento do Magma em composições como Hhai, De Futura ou Kontarkosz, um mellotron Crimsoniano, adicione uma pitada de This Heat e Univers Zéro que você terá uma idéia do que lhe espera em Five Suns, quinto CD do trio inglês Guapo e primeiro pelo selo Cuneiform Records. Guapo existe desde 1994, tendo como foco central o pós-punk e o avant-hardcore, alternando a formação entre trio e duo com a participação de convidados. Ultimamente a banda se virou definiticamente para o estilo Zeuhl e neste CD a formação do Guapo conta com o tecladista Daniel O'Sullivan, o baixista Matt Thompson e o baterista Dave Smith. O CD contem três composições, a suite Five Suns de 47 minutos, dividida em cinco partes onde a tensão aumenta e diminui com a incursão da guitarra e progressões rítmicas, levemente neoróticas, que lembram De Futura; o mellotron é usado com muito ataque e não serve como pano de fundo para passagens trsistes, lentas e melancólicas; o som do Guapo é sempre intenso e podereso; a faixa acaba com sequência decrescente e de certo relaxamento. Five Suns é uma grande obra Zeuhliana. Em Mictlan, a segunda composição do CD, novamente o piano elétrico brinca entre o rítmo intenso da bateria e do poderoso baixo, uma mistura de Top e Segers, com rápidas itervenções das guitarras, atingindo o primeiro ápice no meio da faixa onde o mellotrom faz sua aparição tensa e em clima apocalíptico; o rítmo intenso e repetitivo nos remete a De Futura, com ataques de baixo que não devem nada para Top ou Paganotti. Mictlan é minha faixa preferida. Topan é a última faixa, mais calma e climática que lembra Kobaia. O baterista é exímio e imprime rítmo forte e criativo em todo o CD. É difícil não comparar o Guapo de Five Suns á banda francesa One Shot, em virtude do uso de piano elétrico associado à força da sessão rítmica, com o baixo poderoso totalmente Zeuhl, ou ao Happy Family, embora Guapo não apresente uma música tão rápida como as da banda japonesa. Recomendado para quem gosta de Magma, Univers Zéro, This Heat, Ruins e Happy Family, ou para os que estão procurando algo novo, bastante intenso, com o uso de Hammond e mellotron de forma bem pesada.


1.Five Suns Part I 4:31
2.Five Suns Part II 10:19
3.Five Suns Part III 10:30
4.Five Suns Part IV 12:57
5.Five Suns Part V 7:55
6.Mictlan 8:58
7.Topan 6:37

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terça-feira, 29 de dezembro de 2009

Chris Squire - Fish Out of Water (1975) [U.K]



No ano de 1975, após o lançamento do excelente disco, Relayer, o pessoal do yes, resolveu tirar algumas férias (bom, não férias de descanso, mas férias do yes) e seus integrantes se manteram ocupados em gravações de seus respectivos trabalhos...Na minha opinião, Chris foi o que lançou o melhor disco solo.(Claro que Beginnings do Howe é um disco legal e o Olias...do Jon é bonito)
O disco abre com a, digamos, música mais comercial do disco, a contagiante "Hold Out Your Hand". Com um refrão bastante "grudento"! Squire mostra porque sempre foi um dos maiores baixistas que ja existiu...E mostra mais ainda do seu trabalho, ja que não teve nenhum guitarrista no projeto. "You By My Side" é uma linda balada com um piano bem emocionante. "Silenty Falling" é a melhor música do disco, na minha opinião. Tudo nessa música se encaixa perfeitamente. Nota por nota. Resultou em uma canção digna de qualquer outra maravilha feita pelo Yes. "Lucky Seven" ja tem uma tendência mais acentuada para o Jazz e com o maravilhoso Mel Collins dando um showzinho a parte. "Safe (Cannon Song)" creio que seja a música mais progressiva do disco do Chris. Flautas, orquestras e a banda fazendo outra viagem que poderia estar em qualquer obra prima do Yes. Bom, apesar de ser um disco solo, a banda não faz feio, afinal, é Bruford na bateria e Pat Moraz nos teclados. Sem contar com a participação do magnifico Mel Collins no sax.

1.Hold Out Your Hand
2.You by My Side
3.Silently Falling
4.Lucky Seven
5.Safe (Canon Song)


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Capsicum Red - Appunti Per Un'idea Fissa (1972) [Italy]



Capsicum Red (banda que leva o estranho nome de uma pimenta), lançou apenas um disco, este Appunti Per Un'idea Fissa onde a notável influência de música clássica seria o suficiente para marcar o progressivo italiano com a excelente 'Patetica', ocupando um lado inteiro do vinil original.
O grande e inevitável destaque é esta maravilhosa versão para a piano sonata de Beethoven conhecida como 'Patétique' que faria deste disco sério concorrente à condição de obra-prima, gravada usando sons de church organ e hammond que dão á música uma sonoridade até mesmo barroca. Tem presente ainda boas guitarras (elétricas e acústicas), bateria, o trabalho de baixo também é muito interessante com timbres e pegada lembrando Chris Squire.
Apesar do brilhantismo da faixa de abertura, a banda começa a mostrar alguns pontos fracos, descobre-se que manter o nível de uma composição de Beethoven ou obras como Contaminazione (RDM) ou Concerto Grosso (New Trolls) é uma tarefa árdua na qual Capsicum Red vai padecer bastante no restante do disco.
Le Spegnifuoco, com influências de Keith Emerson, faz um breve interlúdio instrumental para a faixa seguinte, Equivoco, calmamente introduzindo o piano de Paolo Steffan, uma balada com vocais bem ruins (creio que o próprio Steffan canta nesta faixa) intercalando partes mais energéticas com o restate da banda. Esta faixa é bastante fraca e parece merecer o nome que leva.
A beleza volta na excelente faixa Rabbia e Poesia, onde nota-se a presença de moog, hammond e piano, desta vez acompanhada por uma agradável voz.
A introdução clássica de Corale promete uma boa faixa, a guitarra depois apresenta-se pesada e com riffs recheados de wah-wah em uma levada a la King Crimson, mas se perde logo que entram os vocais, sendo outra que junto com Equivoco serviriam como meras coadjuvantes neste disco.
As faixas bônus foram tiradas de singles gravados em 1971, música pop com influência de bandas inglesas como Beatles ou The Animals, tendo pouca relação com a música presente no álbum. Seriam dispensáveis não fosse o registro histórico, quando a banda fora introduzida na Itália pelo selo 'Bla-bla' como sendo enganosamente britânica.
Um disco com momentos maravilhosos.

1.Patetica
2.Lo Spegnifuoco
3.Equivoco
4.Rabbia E Poesia
5.Corale
6.Tarzan (bonus)
7.Shangrj Ra (bonus)
8.Ocean (bonus)
9.She's A Stranger (bonus)


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Download Parte 2: http://depositfiles.com/pt/files/drscmte1v

Fat Mattress - Fat Mattress (1969) [U.K]



Ser um dos três elos de um dos melhores power trios da história pode bastar para um músico? Para alguns, talvez, mas não para Noel Redding, baixista do The Jimi Hendrix Experience, que ao mesmo tempo em que excursionava com os amigos Jimi e Mitch Mitchell (data exata: 1968) encontrou tempo livre para montar um projeto paralelo, o Fat Mattress.
Jimi Hendrix chegou à Inglaterra em 1966 junto com seu manager, Chas Chandler, e logo foi atrás de bons músicos para formar o Experience. Mitch Mitchell foi o escolhido para a bateria. Originalmente, Noel se considerava (e era) um guitarrista, porém teve o azar (ou tremenda sorte) de ser contratado para tocar com o deus da guitarra, cabendo-lhe então a missão de assumir o baixo do trio.
Reza a lenda que quando apresentado a Jimi, durante a montagem da banda por Chas Chandler (empresário e ex-baxista do Animal), Noel Redding disse que gostaria muito de continuar tocando guitarra. Jimi Hendrix apenas sorriu e comentou que seria melhor Noel ficar com o baixo, pois ele também gostaria de “assumir” a guitarra do trio. Podem imaginar a cena?
Entre 12 de maio de 1967 e 16 de setembro de 1968, o Jimi Hendrix Experience colocou nas lojas três discos: “Are You Experienced”, “Axis: Bold as Love” e “Electric Ladyland”; E foi em 1968 também que Noel decidiu dar asas ao seu projeto paralelo, o Fat Mattress, assumindo a guitarra e tendo como companheiros Eric Dillon na bateria, Neil Landon nos vocais e Jimmy Leverton no baixo.
Para compensar a sua vontade de liderar uma banda como guitarrista principal, Noel insistiu em manter o Fat Mattress na ativa, e até conseguiu alcançar relativa notoriedade, mas que não era praticamente nada perto do que representa seu trio original ao lado de Hendrix e Mitchel. Muitas vezes as turnês e atividades paralelas coincidiam, fato este que gerava sempre algum desgaste com a banda principal.
“Fat Mattress”, o álbum homônimo, foi gravado e produzido pela própria banda em 1969 e lançado no mesmo ano pela Polydor Records alcançando um relativo sucesso comercial (bateu no posto 134 do Top 200 da parada norte-americana). Com sua própria banda, Noel aposta em um som mais calmo do que o praticado pelo Jimi Hendrix Experience, chegando a lembrar algo de Byrds, Buffalo Springfield, Traffic e Small Faces.
Basicamente composto por Noel Redding, que assina grande parte das músicas, o disco apresenta em sua maioria das faixas boas canções como “I Don’t Mind”, um som bem típico dos anos 60 na linha de Animals e algumas coisas dos Stones, e “Magic Forest”, único single do álbum. Interessante que o desejo realizado de Noel assumir a posição de guitarrista em uma banda não se transformou em peripécias no instrumento.
“Bright New Way” é uma balada muito bonita e do lado B surge “Everything’s Blue”, um típico número praticado pelas bandas psicodélicas da época, gente como KAK e Kaleidoscope, entre outras. Mitch Mitchell toca bateria e percussão em “How Can I Live”, que também conta com Jimi Hendrix nos batuques. A formação para este primeiro disco ainda contava com a participação – como convidado –mais que especial do flautista da ótima banda Traffic, Chris Wood, em “All Night Drinker”.


1.All Night Drinker 3:18
2.I Don't Mind 3:51
3.Bright New Day 3:48
4.Petrol Pump Assistant 3:01
5.Mr. Moonshine 4:04
6.Magic Forest 3:05
7.She Came in the Morning 3:47
8.Everything Blue Redding 2:50
9.Walking Throug a Garden 4:20
10.How Can I Live 4:26


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quinta-feira, 10 de dezembro de 2009

Shub Niggurath - Les Morts Vont Vite (1986) [France]



É uma banda francesa que começaram a sua carreira no ano de 1980 com o lançamento do famoso álbum Les Morts Vont Vite. Utilizando uma enorme variedade de instrumentos este álbum é um dos mais aclamados dentro do Zeuhl. No ano de 1991 lançaram um álbum chamado C'Etaient De Grands Vents considerado também um grande sucesso dentro do género, embora a banda neste momento estivesse reduzida a quatro na minha opinião conseguiram manter o nível do álbum anterior. Por fim lançaram o álbum Testament em 2003 este considerado mais fraco. è um álbum muito experimental e diferente de tudo o que estamos habituados pondo a nossa noção de musica em questão.

1.Incipit tragaedia - 16:39
2.Cabine 67 - 6:16
3.Yog sothoth - 13:07
4.La ballade de Lénore - 9:30
5.Delear prius - 4:12
6.J'ai vu naguère en peinture les Harpies ravissant le repas de Phynée - 4:17


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Eskaton - 4 Visions (1979) [France]



Impressionante ver que Christian Vander fez escola e o melhor, uma excelente escola. É notável no som de Eskaton a influência do Magma, no que tange ao uso da repetição de enunciados (mantras) e nas escolhas de temáticas lúgubres e mórbidas, contudo as semelhanças param por ai. Eskaton consegue uma obra inteiramente original e seu lugar no panteão do Zeuhl passeando por uma gama notória de ritmos e texturas sonoras. A banda viaja entre momentos mais reflexivos e outros de puro punch com trechos viscerais bem funkeados e alucinantes. O som está impressionantemente limpo, fruto de um bom trabalho de produção. Dificil dizer qual é o destaque neste disco, até porque aqui não há nenhuma exacerbação virtuosa de nenhum componente, todos estão comedidos e eficientes, pelo contrário, o efeito virtuose é conseguido com o trabalho em equipe.

1.Eskaton 10:24
2.Attente 10:12
3.Ecoute 13:00
4.Pitié 8:44
5.Le Cri 9:05


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quarta-feira, 9 de dezembro de 2009

Radiomöbel - Gudang Garam (1973) [Sweden]



Composto de 8 músicas que passeiam entre o rock progressivo, space rock, rock psicodélico lotados de moogs, hammonds e guitarras. Esse clima instrumental culmina na suíte de quase 16 minutos chamada Fasa. Atenção para algumas sequências de teclados na linha do melhor Krautrock alemão e alguns toques progressivos de bandas britânicas dos anos 1970. Muito difícil de comparar este grupo com algum já existente. Uma pérola do progressivo sueco.

1.Gudang Garam
2.Höstsàng
3.Fasa
4.E-Matt
5.Vaggvisa
6.Kylle
7.Flugornas Morgon
8.Finalen


Ashtar - Urantia (2002) [Brazil]



Esses cariocas fazem um som misturando a influência da música celta com o Rock Progressivo, Folk, Heavy Metal e Hard Rock. A banda segue a linha de alguns trabalhos de bandas de prog-metal européias que mesclam o rock pesado com melodias suaves (com direito até ao bom e velho "grito gutural" assustador em pelo menos uma das músicas). Mesmo não sendo algo "novo" vale uma audição. Destaques para os vocais de Fernanda Mesquista e as letras que abordam temas celtas, Escócia e o cosmos.

1.An Oidche Dhorcha (2:03)
2.Urantia (12:11)
3.Arriving At Skye (1:01)
4.Druid Dream (3:56)
5.Amazing Grace (2:44)
6.Children Of The Mist (8:51)
7.The Misty Dawn (1:07)
8.Oblivious Scars (9:34)
9.The First Star (1:10)
10.Nemesis (10:52)
11.Madainn Trаth (4:53)

Flamborough Head - One for The Crow (2002) [Netherlands]




Quarto disco da banda holandesa liderada pelo tecladista Edo Spanninga, que também organiza o festival de rock progressivo chamado Prog Farm. O disco é diferente dos anteriores, não no estilo pois eles continuam fazendo um excelente neo-progressivo, que lhes rendeu um prêmio de Novidade de 1998 da Classic Rock Society. One for The Crown é diferente no approach sonoro. A entrada de Margriet Boomsma nos vocais e flauta leva a banda para uma praia mais melódica. Isso faz com que Edo toque teclados e pianos mais elaborados. Musicalmente o disco apresenta alguma homenagens. Alguns acordes de In The Court of Crimson King (King Crimson) e Comfortably Numb (Pink Floyd) podem ser facilmente reconhecidos. Limestone Rock, com um solo de guitarra a la Gilmour (no seu auge), é de emocionar. Destaque para as músicas instrumentais. Vai agradar aos fãs antigos da banda e quem não gosta poderá passar a gostar. Um grande disco.

1.One For The Crow (12'00")
2.Old Shoes (13'13")
3.Separate (1'39")
4.Daydream (6'18")
5.Nightlife (10'06")
6.Old Forest (2'45")
7.Limestone Rock (9'59")
8.New Shoes (2'14")

sábado, 31 de outubro de 2009

Fantômas - Delirium Cordia (2004) [U.K]



Durante muito tempo li e ouvi panegíricos em prosa e verso à carreira de Mike Patton, todos salientando o progressivo alopramento experimental do supracitado cidadão. Além de ter criado bandas como Mr. Bungle, Fantômas, Tomahawk, Lovage e Peeping Tom, Patton lançou escalafobéticos álbuns solos pela Tzadik do mastermind John Zorn, gravou com notórios terroristas sônicos como Masami Akita (Merzbow), Billl Laswell, o próprio Zorn, produziu Deus e o Diabo no âmbito da esmiralhação sônica, etc, etc, etc; nada disso, todavia, lograva superar minha arraigada desconfiança, cevada pelo hórrido pop rock metido a 'alternativo' e super sem graça do Faith No More, sua primeira e mais notória banda; aliás, já no escopo de seu sejour com o FNM, Patton brindou-nos com os dois primeiros álbuns do Mr. Bungle (Mr. Bungle - 1991 e Disco Volante - 1995), onde exercitava de forma brilhante um avant metal zappiano pós holocausto nuclear, sobretudo no segundo disco, quando assimetrias jazzísticas à R.I.O foram adicionadas à receita. Confesso, todavia, que não prestei atenção a tais discos na época em que foram lançados.
Tive uma gratíssima surpresa quando Delirium Cordia (2004), caiu por acaso em minhas mãos, o que célere me fez correr atrás do back catalogue 'pattoniano'! O álbum em tela seria algo como a trilha-sonora para um filme de horror imaginário, uma suíte de 75 multiformes e surpreendentes minutos: trata-se de um glorioso cataclisma sonoro, uma avassaladora fusão termonuclear cujos principais elementos são uma espécie de heavy metal ultra-hiper-mega avant garde do, sei lá, século XXIV ou XXV, turbinado/violentado por rajadas furiosas de free-jazz a la Zorn (Naked City, Masada), por matizes de R.I.O, inflexões demoníacas de Zeuhl/Gothic Rock, ruídos ambientais, sussuros ameaçadores e silêncios sepulcrais. Em suma: um dos melhores discos de rock experimental a assombrar a Terra nos últimos anos.

1.Surgical Sound Specimens From The Museum Of Skin (74:16)

Download: http://rs496.rapidshare.com/files/199085780/Fantomas_-_Delirium_Cordia.zip

sexta-feira, 30 de outubro de 2009

Gong - Camembert Electrique (1971) [France]



Muitos fãs do Gong consideram este album sendo o primeiro gravado pela banda, o fato é que através dos catálogos musicais oficiais "Camembert electrique" é o segundo feito pelo grupo, sendo portanto "Magick brother" (1.969) sendo o primeiro e entitulado já sob o nome da banda; mais precisamente o nome correto e completo é "Mystic sister : Magick brother" e para muitos classificado muitas vezes como um projeto solo de Daevid Allen e Gilly Smyth e até mais precisamente encontrando com o nome "Daevid Allen´s Gong" (se bem que a palavra "Gong" no caso deste trabalho está fortemente muito mais presente na aparência pela capa do que as palavras "Daevid Allen´s").
Quem acreditava que o "King Crimson", "Yes", "Renaissence" ou até o "Soft Machine" (que faz parte dos mesmos cenários musicais canterburiano e fusion igual o Gong) eram bandas que mudavam constantemente de formações e retornos de entra e sai de membros (ou ex-membros) com o tempo se enganou; explicar sobre o Gong no decorrer do tempo desde a sua fundação no final de 1.968 até os tempos mais atuais é muito complicado, aliás complicadíssimo porque são muitas formações e muitas vertentes que originaram muitos grupos que mantem próximo como o nome de Gong criado por membros que foram participantes do grupo como por exemplo: "Mother Gong", "Planet Gong", "Glo", "Pierre Moerlen´s Gong", "Gongmaison" e por ai vai uma continuidade enorme.
Não confundir inclusive o nome deste album "Camembert electrique" com o "Camembert Eclectique" que foi realizado em 1.995 feito sob excurções e apresentações em estações de rádio entre março de 1.970 até o início de 1.971 e possui uma formação diferente. ja sentiu a complicação aqui? Então se prepare para saber porque isto não é nada...porque nos anos 70 muito fã do Gong provavelmente se descabelava de tanto que as formações mudavam até semanalmente, acredite se quiser, acompanhar Daevid Allen desde o início de sua carreira por volta do ano de 1.961 nunca foi uma tarefa simples, nem mesmo sequer para os críticos que evidentemente sempre tiveram dificuldades para poder fazer avaliações sobre o músico em questão.
Neste caso do trabalho "Camembert electrique" tudo começa obviamente aproximadamente após o lançamento do primeiro trabalho "Magick brother"; em março de 1.970 a formação era tida pelos seguintes membros fundadores: Daevid Allen fazendo vocais e guitarras, a esposa e companheira francesa Gilly Smyth fazendo os vocais, Christian tritsch no baixo, Didier Marlhebe nos instrumentos de sopro e Raschid Houari nas baterias daí naquele momento começavam as trocas de membros e uma outra quase metade de músicos ficam de fora da formação sendo acrescido apenas por Michael Brown nos vocais permanecendo curtissimamente em setembro e outubro de 1.970.
Durante este espaço de tempo ocorrem duas façanhas: a primeira delas as gravações que futuramente resultaram no trabalho "Camembert Ecletique" aproximadamente 25 anos após estes resultados; a segunda uma série de sessões que resultaram num album solo de Daevid Allen chamado "Banana moon" sendo em janeiro de 1.971. Vale uma ressalva a respeito deste trabalho: este album inclusive nunca foi feita excursões ao vivo para promocioná-lo e o interessante é que Allen convoca alguns dos colegas que se tornariam membros do "Soft Machine", Robert Wyatt tocando nas baterias e Hugh Hopper no baixo e um outro detalhe interessante para quem não sabe Allen foi um fundador da banda "Soft Machine" junto com Wyatt no caso e Hopper neste caso foi integrante apenas no segundo album "Volume 2" (1.969), em compensação no ano de 1.962 Allen formaria um primeiro embrião do "Soft Machine" sob a forma de um trio e fazendo parte além do músico estes outros 2 (Wyatt e Hopper). Outro membro que fazia parte do "Soft Machine" e convidado no album solo de Allen é Nick Evans no trombone (participou do fabuloso "Third" gravado em 1.970) além dos membros citados anteriormente participa também o tecladista/pianista Gary Wright que fazia parte de uma banda chamada "Spooky Tooth". O "Banana moon" além de ser um album solo de Allen foi uma banda que surgiu em 1.968 junto com Gilly Smyth sendo chamados de "Bananamoon Band" e que nasceria alguns meses depois o Gong no ano de 1.969.
Retornando ainda no início de 1.971 Allen planeja um novo album desta vez para o Gong e aí mais mudanças ocorrem durante este ano para o que viria a ser gravado e posteriormente lançado em setembro ainda daquele ano; a troca viria ser nas baterias em que Houari seria substituído no mes de abril por Pip Pyle que provia de uma banda chamada "Delivery", mas Pyle teve o seu talento aproveitado por Allen no album "Banana moon" e reforça com Venux Deluxe nos sintetizadores, mas estariam participando também no trabalho Eddy Louiss, um pianista/tecladista da área jazz na França que era membro do "Les Double Six" estando ao lado de Dizzy Gillespie no início dos anos 60 e tocou piano na metade daquela década com Kenny Clarke, Jean-Luc Ponty e Johnny Griffin; e além disso o Gong acrescentou nas seções das gravações também Gerry Fitzgerald nas guitarras através de uma banda chamada "Mouseproof" e Lol Coxhill nos saxofones permanecendo em sessões especialmente com Marlherbe estes dois útlimos músicos (Coxhill e Fitzgerald) futuramente chegam a tocar juntos em outra ocasião.
Resultado: a formação então de "Camembert electrique" (descontando os músicos participantes de ocasião) era então formada por Allen/Smyth/Pyle/Marlhebe/Tritsch/Deluxe e a mesma que gravaria um projeto especial ainda no ano de 1.971 e lançado no ano posterior chamado "Continental Circus" mas ai é outro assunto. A idéia das constantes mudanças de formações era obter os músicos e que estes se transformassem em excelentes profissionais da área.
O album teve como produção de Jean Georgakarakos proprietário da Byg Records e já havia participado do primeiro album do Gong assim como o "Bananamoon" de Allen e além disso fez trabalhos de produções de artistas do meio jazz como "The Art Ensemble of Chicago", "Dewey Redman" e "Archie Sheep" junto com este produtor estava também outro chamado Jean Luc Young que praticamente participou dos mesmos trabalhos do Gong além dos artistas citados anteriormente da linha jazz e os dois por outro lado auxiliados por Francis Linon e tendo (mais um !?) como produtor executivo do trabalho chamado Pierre Lattes.
A capa foi elaborada pela Raven Design Group em ilustrada somente em tons de cores preta e branca e sendo possível encontrar alguns trabalhos lançados em vinil com encarte de letras que posicionadas de algumas maneiras bem esquisitas (do lado esquerdo, do lado direito, de ponta-cabeça, etc) e exitem pelo menos duas capas de versões frontais ilustradas diferentes mas com os tons de cores branca e preta e pode-se observar os personagens (músicos) ilustrados também. A capa de "Camembert electrique" pode também ser observada numa foto de encarte do album solo de Daevid Allen em "Twelveselves" (1.993) em que o artista está utilizando uma camiseta desenhada com a ilustração deste trabalho.
Gravado na França, país de origem da banda, entre os meses de maio a setembro o trabalho ia sendo gravado durante as fases da lua cheia (!!) (seria a idéia de um lunático ?) e durante este período de gravações alguns membros da banda cooperam com um trabalho em cima da música com o poeta francês do meio "underground" da França gravando um album chamado "Obsolete" (1.971), muito raríssimo por sinal de ser encontrado. Este album já demonstra (assim como o anterior) o que o Gong queria introduzir no meio musical durante os anos 70 e a música aqui muito conceituada no meio do psicodelismo está também num quesito conhecido pelo rock progressivo como "space-prog" e isso sem contar no cenário que na época era muito reconhecido e respeitado pelo ambiente canterburiano (a França fortemente como um deles) tendo bandas como "Soft Machine", "Caravan" ou "The Crazy World of Arthur Brown" e deve-se levar em conta que que todos os membros praticamente do trabalho são franceses, a exceção de Allen que é australiano.
A pergunta é: o que faz um australiano no meio de um cenário "underground" da música francesa neste meio nesta banda? Daevid Allen quando fundou o "Soft Machine" teve oportunidades antes do primeiro album ser lançado em cena, "The Soft Machine" (1.968) (mesmo sem a sua participação) de trabalhar no território francês e o que não muito a tardar imprimiria já em sua banda, neste caso o Gong, justamente este conceito do que se definiria o "space-rock", e encontram-se.
É difícil de associar a música aqui diferente de trabalhos da trilogia da banda como "Angels egg" (1.973) ou "You" (1.974) tidos nesses casos tendo um dos melhores line-ups acontecidos com a banda e ninguém escutará membros como Steve Hillage nas guitarras, Pierre Moerlen nas baterias e Tim Blake nos sintetizadores (embora este músico foi na época deste trabalho convidado por Allen para retornar a França a fim de poder ter oportunidade de acompanhar as sessões de estúdio da banda para fazer mixagens na sonoridade do conjunto), portanto uma das diferenças que com muita atenção o ouvinte vai perceber em "Camembert eletrique" são muitos momentos que associam também a um "hard-psicodélico" ou "hard-space-prog" digamos ou em outras palavras, é um pouco mais "dark" ou com elementos musicais do rock mais pesado completamente de energias frias e cruas com ruídos de guitarras dispersadas e barulhentas feito pelos efeitos de deslizes de objetos sobre as cordas da mesma, sussurros e murmúrios e efeitos sonoros que se entrelaçam entre si.
Não acredite que só o "The piper at the gates of down" (1.967) do Pink Floyd é o único trabalho já realizado em termos de viagens psicodélicas, este do Gong também possui seus momentos quase que do início ao fim e o mais sensacional pela sonoridade obtida em meio disso tudo são os instrumentos de sopro, especialmente de saxofones que mantém algumas pequenas doses de jazz e chamam atenção do ouvinte neste trabalho pois não é muito comum o uso de saxofone em especial estar em sonoridades muito a nível em aspecto de "hard" e "psicodélico", não destas maneiras e outro detalhe é que o PF apesar de possuir músicos realmente muito bons só não teve oportunidade de possuir músicos com extrema virtuose (no caso aqui, o Gong), como é o caso por exemplo do membro fundador Syd Barret, diferente do baterista Nick Mason que foi responsável pelo trabalho de produção do Gong no album "Shamal" (1.975) já com outra formação e sonoridade totalmente diferenciada de "Camembert eletrique".
Os vocais do album também fazem este se tornar um trabalho que poderia também ser classificado como um "bizzarro psicodélico", estas categorias citadas anteriormente só mesmo o ouvinte propriamente dito pode julgar mais adequadamente. Durante as apresentações no ano de 1.971 e 1.972 na divulgação do trabalho um novo sinal de mudança de formação (como sempre) surgiria antes que fosse gravado o próximo album que faz parte da trilogia criada pelo Gong em "Flying teapot" (1.972) de uma estória sobre o "Radio Gnome Invisible" e era Kevin Ayers sendo um membro semi-permanente; Ayers também foi fundador do "Soft Machine" assim como Allen estreiando no primeiro trabalho do "Soft Machine". Conforme ia sendo divulgado o trabalho na ocasião, o ambiente musical do estilo se representava era muito fortemente pela onda "hippie", é só observar por uma foto da banda no encarte do album (repare que inclusive a banda se encontra num local fotografados que lembram um cortiço) mas o Gong não se incomodava muito com isso, o espaço nas apresentações era aberto livremente para as pessoas fazerem o que se sentissem bem.
Quanto a idéia do trabalho era introduzir o conceito que se chamava de "Planet Gong" ("Planeta Gong" em ingles) sendo um local habitado por personagens como "Radio Gnomes", "Octave Doctors" e "Pothead Pixies", complicado entender o que seria isso? Até os próprios músicos tinham apelidos como "Bloomdido Bad de Grasse" (Didier Marlhebe), "Submarine Captain" (Christian Tritsch), "Shakti Yoni" (Gilly Smyth) e assim por diante. Imagine isto tudo sendo incluso na cultura musical francesa que também tem seu público educadamente conservador; não há no que se preocupar muitas pessoas também que admiram a banda não se incomodam com essas "doideiras" de Daevid Allen, elas tem um significado sim, para Allen é claro e seus assíduos "lunáticos" seguidores.
Em alguns momentos algumas faixas minúsculas de apresentação surgem a introdução da estória do "Planeta Gong", alguns falado no idioma francês. Daevid Allen é o responsável pela elaboração da música e letras em sua maioria deste album tendo Smyth e Tritsch oferecendo também suas idéias e a banda como todo se esforçando o suficiente pelo resultado final de "Camembert electrique" (aliás dos outros também do qual tem sua participação). Quanto ao resultado ainda estava um pouco reprovado por parte da crítica na época, mas seria o suficiente para que com as vendas e divulgação do album no shows o levantassem dinheiro suficiente para que Allen e Smyth pudessem comprar uma residência já que inclusive na época do lançamento Smyth estava grávida esperando pelo primeiro filho, Taliesin, e o detalhe mais curioso é que no ano de 1.971 Allen e Smyth já estavam com mais de 30 anos de idade (naquele ano Smyth estava com 39 !!!!), diferente de uma grande maioria de bandas de rock progressivo (e até as de puro rock) independente da categoria especialmente as mais conhecidas como o "Pink Floyd", "Yes", "Jethro Tull", ou "Genesis" em que os músicos mal ultrapassavam os 30 anos de idade.
Radio Gnome, com menos de 30 segundos de duração é a faixa introdutória de apresentação inicial sobre a respeito do "Planet Gong" e praticamente se tornou como quase que obrigatória nas execuções ao vivo introduzindo também os músicos e a música do Gong quando que composta pela presença de Daevid Allen (diferente de no caso o Gong coordenado por Pierre Moerlen em "Pierre Moerlen´s Gong" como por exemplo). Introduzido inclusive por vocais extremamente bizarros em sintonia aguda acompanhado por teclados sintetizadores que já inicialmente demonstra o "space-rock" no qual a banda está associada ao genero do rock progressivo e falado em frases em francês (como "Bon soir", que quer dizer "Boa noite" em francês) e inglês com uma curtíssima cantata em francês e vem a ser emendada com a próxima faixa.
You can´t kill me, considerada por muitos fãs da banda como uma das melhores faixas do album apesar de que não existe neste album como classificar qual das faixas até então é a melhor no caso, mas possivelmente porque é uma das mais em estilo de melodia "hard-space-prog", se tornou também quase que indispensável no set-list da banda geralmente seguida pela faixa anterior nas apresentações. Repare que o Gong nesta faixa, mesmo "dark" consegue abrir caminhos que futuramente originariam anos mais tarde o gênero "Punk", mas é difícil saber se de fato o grupo premeditou esta façanha porque o Gong seguiu depois dos anos 70 uma formação que se tornou jazz-fusion. Possuindo vários riffs de acordes de guitarra violentas e furiosas e vocais de Smyth que parecem "causar tonturas" a faixa mantém um astral muito bacana com os sopros de saxofone de Marlhebe e além de Pyle que está excepcional no ritmo. Emendada com a faixa anterior introdutória inicia com o ruído de um público e acordes de guitarra de Allen recebendo a bateria e baixo e em seguida Allen cita os primeiros versos da faixa acompanhado pelos vocais da companheira Smyth sendo alguns até feitos por gemidos até que aos poucos começa a entrar os primeiros sopros de saxofone de Marlhebe num ritmo mais crescente entrando repentinamente num estilo mais jazzístico com bateria, baixo e saxofone finalizando o primeiro refrão. Posteriormente entram num outro tema com batidas mais rápidas de bateria e baixo com Allen citando alguns versos e solando a guitarra fazendo ruídos como que se estivesse esfregando algo nas cordas da guitarra tendo o saxofone também dando algums toques e aí este mesmo instrumento também faz o seu solo instrumental até que o ritmo aos poucos vai tentando se tornar um pouco mais lentos do que anteriormente seguidos de frases citadas repetidamente sem pausa. A banda retorna ao segundo refrão e finalizam a música. Em algumas versões ao vivo no final da faixa é incluso um trecho final de "Dynamite: I am you animal" que está presente também neste mesmo album. Uma boa versão exemplo pode ser encontrado no album ao vivo "Live etc" (1.977)
I´ve Been Stone Before, o destaque aqui mais interessante é o órgão tocado por Eddy Louis e é uma das únicas que diferencia a nível de instrumento do restante das outras do album e Allen caracteriza a música por um estilo único solene como se estivesse cantando um hino de alguma pátria ou uma sessão de igreja (cita inclusive a seguinte frase: "In Saint John's Wood crematorium") com uma sentimento profundamente exagerado. O mais engraçado e interessante da faixa é que parece que Allen está fazendo graça e "onda" na letra como que se não quisesse finalizá-lo e uma versão ao vivo por exemplo pode ser mais ainda que comprovando esta situação de Allen no caso do album "Live in on tv - 1.990" (1.992). Inicia-se silenciosamente com Allen pronunciando "Gentlemen, attention" sendo que uma palavra é em inglês e a outra posterior em francês, e a pergunta é: dá pra entender por quê? Logo após esta frase entra Allen citando as letras da música acompanhada pelo órgão e o baixo de Tritsch e em seguida vai surgindo Marlhebe com o saxofone até quando termina as letras escuta-se os vocais de Smyth citando algumas frases em francês junto com a percussão de Pyle que vem ficando crescente para emendar a próxima faixa.
Mister long Shanks / O Mother / I am your fantasy, título longo para música? Na realidade é um meddley que a banda fez dividido em três partes e está uma melodia tradicional européia conhecida como "A tisket, a tasket, a green and yellow basket" que inicia a faixa que é emendada com a anterior. Num ritmo baixo, saxofone, bateria que mal se observa a guitarra e vai ficando crescente e ainda mais quando Allen se introduz na música citando as letras até que repentinamente a banda acompanha o saxofone e bateria indo para a segunda parte "O mohter" (veja que a palavra "mother" foi inclusive utilizada como o nome de uma formação do Gong na metade de 1.978 por Gilly Smyth: "Mother Gong") e neste caso muito melódica e alegre, parecendo uma melodia bem de festinha inicialmente repetindo várias frases e pode ser percebido ao fundo um piano acústico no ritmo muito estruturado pelo grupo junto com as baterias, baixo, guitarra e o saxofone quando repentinamente entram na terceira parte que neste caso escuta-se apenas Smyth cantando (ou dizendo apenas?) muitíssimo sinistra, misteriosa e mística que neste caso não está presente a percussão e baterias de Pyle, mas tendo simples toques de baixo de Tritsch, sintetizadores de Deluxe, a flauta de Marlhebe e Allen com a guitarra glissante mantendo um tipo de ambiente muito calmo e tranquilo cheio de expectativa.
Dynamite: I am you animal é uma das faixas agressivas e selvagens do album e geralmente tocada pela banda nas apresentações. Pela melodia parece ser a princípio do jeito repetitivo dos acordes tocados pelos instrumentos uma fanfarra de um exército de algum líder ditador e isto por causa da maneira como a bateria é ritmamente executada além dos vocais feitos repetidamente e muito rapidamente "Yer finger at the trigger, yes sir", que quer dizer "Seu dedo no gatilho, sim senhor" em inglês; veja que só o trocadilho "Yes sir" é como que uma ordem de um superior imediato de linha dura (aqui no caso), mas mais de alguém que lida com a segurança de algum líder pelo menos é o que aparenta da maneira que a faixa vai sendo executada ao longo, isso possivelmente porque Allen foi treinado pelo exército australiano como um cadete e o curioso é que o jazz de "Miles Davis Quintet" fez algo parecido no final dos anos 50, ou seja este tipo de sonoridade já havia sido explorada anteriormente pelo mundo musical. Mas a parte mais agressiva além da instrumentação é a citação das letras que talvez seje ainda por parte de Smyth, que é mulher, é autora principal da faixa e que um determinado momento ela dita o seguinte: "I am your animal; Your head is in my hands; And I'm going to fuck you up" (são feitas por uma palavra muito chula utilizada no cotidiano: "Foda-se") e ela repete pelo menos só a palavra "Fuck" no mínimo umas 20 vezes dando uma impressão sem deixar dúvidas de que parece que uma mulher está transando (sem contar os gemidos), talvez nem mesmo a cantora Madonna da maneira que já foi em certos tempos em sua carreira levando a sedução e a indução do erotismo até os palcos tenha citado tal palavra em alguma música e cantarolando a mesma. Aqui vale uma ressalva sobre a este respeito com relação a palavras deste tipo porque esta não é a primeira vez que Smyth dita uma palavra de baixo calão; no album pertencente ao início da trilogia do Gong chamado "Flying teapot" (1.972) existe uma faixa chamada "Witch's song: I Am your pussy" a cantora e também autora da faixa, (só pelo título já se percebe e diz outro palavrão) cita "pussy", que quer dizer "vulva feminina (na forma educada de se pronunciar, e não a chula)" em inglês, e não confundir com "pussy cat" que significa "gatinho (a)" mais até então é outro caso a ser comentado. Agora magine num ano de 1.971 ou 1.972 mulheres cantoras do meio musical cantando músicas que contenham palavrões, é muito raro porque naquela época existia um conservadorismo muito fortíssimo na França e inclusive em grande parte dos paises no mundo, talvez algo parecido (mas não exageradamente como o de Gilly Smyth) feito pela esposa de John Lennon, Yoko Ono como por exemplo na faixa "Don´t worry, Kyoko" no album "Live peace in Toronto 1.969" (1.969) pelo "The Plastic Ono Band". E olhe que a artista na época não era uma moleca e sim uma quase quarentona !!!!!! De qualquer maneira a faixa não deixou de ser brilhante ou magnífica ao ter sido editada e gravada por estes detalhes polêmicos. O trecho final desta faixa já comentado anteriormente geralmente é incluido no final da "You can´t kill me" em apresentações ao vivo e ditando as palavras do nome do album Camembert Electrique.
Wet cheese delirum, é outra pequena faixa com pouco mais de 30 segundos que são ditos numa mesma frase em francês incluindo a palavra "Camembert" em meio de um sintetizador feito por Deluxe. Para quem não sabe "Camembert" é um tipo de queijo muito comum na França e "cheese" que pertence ao título significa "queijo" em inglês.
Squeezing sponges over policemen's heads, é a menor faixa do album com pouco mais de 10 segundos de duração, sendo uma minúscula vinheta servida também com elementos da anterior e a que abre o album no caso a próxima faixa sendo a introdução da próxima que será emendada. Uma curiosidade com relação ao título: Allen e Smyth tiveram no final dos anos 60 problemas com relação a polícia pois o fundador do Gong foi um dos líderes estudantis na revolução ocorrida em 1.968 na França e antes e sem vacilar muito Allen saiu a tempo antes que os policiais entrassem em seu apartamento e revirassem tudo a procura do artista. É bem certo de que Allen da maneira de pensamento que possuia, muito anarquista, não suportava olhar de frente para um e o título é hilário que significa "espremer esponjas sobre as cabeças dos policiais" em inglês, só imaginando em que o músico estava pensando com relação a toda essa sua filosofia.
Fohat digs holes in space, até a palavra inserida no título já confirma; esta é uma faixa sensacional que enfoca o conceito chamado "space-prog" e a marca no caso do Gong. São sintetizadores com sonoridades "espaciais" feitas por Deluxe, os ruídos da guitarra glissante de Allen, os vocais "celestiais" de Smyth. Inicia (o começo lembra um pouco um trecho da faixa "Facelift" do album "Third" do "Soft Machine") com o saxofone coordenando a melodia junto com a bateria e ao fundo um teclado que emite um ruído inicialmente feito um assobio ao lado do baixo e guitarra tirando os músicos desta introdução e entrando numa parte instrumental que o baixo, bateria e teclados ficam sendo tocados em acordes razoavelmente repetitivos tendo a guitarra de Allen um pivô do solo junto com os vocais de Smyth que faz gemidos de uma forma bem psicodélicas e aos poucos vem surgindo os sopros de Marlhebe que tem a sua sonoridade baixinha mas aos poucos vai ficando relativamente alta sendo acompanhada a melodia deste instrumento pelos vocais de Allen e Smyth até que Allen inicia ditando as primeiras letras por meio de simples acordes de guitarra junto ao baixo, bateria e conforme cita cada frase o saxofone vai surgindo no meio de alguns gritos e solando por um instante seguido posteriormente pelo solo de guitarra de Allen que próximo da faixa vai sendo tranquilizado aos pouco sendo as últimas letras acompanhadas apenas pelo baixo e finalizando a música de vez.
Tried so hard é uma faixa relativamente melódica, mas possuem alguns momentos meio "hard" pelo que ela é como um todo. Foi feita num incetivo de que pudesse ter sido criato um compacto, o que não ocorreu. Inicia com alguem rindo e sentando em um banquinho e Allen toca a guitarra acústica que dão origem em acordes principais lembrando David Bowie na faixa "Kooks" do album "Hunky dory" (1.971). Aos poucos surgem os primeiros toques de baixo de Tritsch e recebendo o ritmo de Pyle tendo Allen citando os primeiros versos da faixa ficando até uma certa altura com acorde de guitarra muito pesados além dos vocais evidentemente acompanhados pela percussão de Pyle no primeiro refrão. Depois a melodia fica com o ritmo e guitarra tranquilos recebendo pela primeira vez no album os sopros de flauta de Marlhebe e Allen vai continuando a citar as letras da faixa quando entram em acordes pesados por uns instantes voltando a serem tranquilos quando Smyth canta uma certa parte da música tranquilizando os instrumentos e repentinamente voltam a ficar com a harmonia mais densa e "hard" mas a banda volta em toda a tranquilidade retornando num segundo refrão finalizando a faixa com a mesma melodia que iniciou a música.
Tropical fish: Selene, é a maior faixa do album com pouco mais de 7:30 minutos de duração e chegou a ser registro no album "Pre-Modernist Wireless: The Peel Sessions" (1.995) com o guitarrista Kevin Ayers fundador do "Soft Machine" junto com Allen. Com muita característica de "space-rock" e alguns momentos de jazz. "Selene" no caso é a mãe de todas as coisas, irmã de Isis dos 7 véus que separam-nos do sétimo céu. Allen inclusive cita o nome "Selene" na faixa "Selene" que foi inclusa no album "Angel´s egg" (1.973) da trilogia da banda. Possui bons momentos com o saxofone de Marlhebe junto com o baixo de Tritsch e as baterias de Pyle e na parte solo instrumental Marlhebe faz bonito e aqui encontra-se alguns gemidos também de Smyth junto com a guitarra glissante de Allen e alguns efeitos de sintetizador tocados por Deluxe. Mais a frente o ouvinte pode ter oportunidade de ouvir o "space whisper" que na realidade são sussurros feitos geralmente por Smyth no fundo diversos ruídos de pássaros, após Allen manifestar o nome "Selene" diversas vezes. Posteriormente a banda antes de concluir a faixa entra num mini-medley com os temas finais de "You can´t kill me" e "Dynamite: I am your animal".
Gnome The Second, outra vinheta com menos de 30 segundos que no caso encerra o album mas contém elementos que lembra a primeira faixa introdutória do album.

1.Radio Gnome" - 0:28
2.You can´t kill me" - 6:20
3.I´ve been stone before" - 2:36
4.Mister long Shanks / O Mother / I am your fantasy" - 5:57
5.Dynamite: I am you animal" - 4:32
6.Wet cheese delirum" - 0:34
7.Squeezing sponges over policemen's heads" - 0:12
8.Fohat digs holes in space" - 6:22
9.Tried so hard" - 4:38
10.Tropical fish: Selene" - 7:36
11.Gnome the second" - 0:27

quinta-feira, 29 de outubro de 2009

Steve Hillage - Fish Rising (1975) [U.K]



Esse é praticamente o album-concept da carreira solo de Steve Hillage. Integrante ainda da banda francesa Gong desde o ano de 1.973, antes de sua entrada havia feito um unico trabalho com o Khan, Space shanty de 1.972, do qual foi fundador junto com o colega nos tempos de universidade, o telcadista Dave Stewart, totalmente space-prog. Quando o Gong lancou o ultimo trabalho da trilogia da banda, You no ano de 1.974, o futuro da banda parecia incerto, pois o proprio fundador Daevid Allen e mais sua companheira Gilly Smith estariam dando "adeus" a banda e nesse interim nos fins de 1.974, Hillage entra em estudio para iniciar a gravacao de seu primeiro album solo, Fish Rising. Finalizado no inicio de 1.975 o trabalho contava com nada menos que Pierre Moerlen (bateria, percussao), Tim Blake (teclados), Mike Howlett (baixo), Didier Marlhebe (flauta, saxofone) e obviamente sua companheira Miquette Giraudy (vocais, percussao), ou seja, praticamente quase 80% do Gong com excessao dos fundadores ja citados: Daevid Allen e Gilly Smith, sendo estes estariam trabalhando com outras coisas. O trabalho tambem contaria com o colega Dave Stewart (piano, teclados) e Lindsay Cooper (secao de metais, trabalhou com Fred Frith e Mike Oldfield). Ironicamente este trabalho poderia ser chamado praticamente de "Steve Hillage´s Gong", mas Pierre Moerlen naquele ano de 1.975 estaria dando continuidade com o Gong e lancaria o album Shamal, outro album que comecaria a mudar o estilo arrojado que a banda possuia com os fundadores dando inicio a fase fusion do Gong e este contaria com as ultimas participacoes de Hillage pois o mesmo a partir de entao iria continuar seu rumo sozinho, mais tardar o baterista adotaria o nome Pierre Moerlen´s Gong mas ai sao outras estorias.
Estreando no selo Virgin Records do empresario Richard Branson e produzido com o colaboracao de Simon Heyworth que tinha trabalhado tambem com o Gong em "You", o trabalho dificilmente decepciona o ouvinte, especialmente aqueles q gostam do cenario da musica canterbury e gostam de guitarras em especial, e um trabalho que de um aspecto global possui uma complexidade musical extremamente forte e o fusion esta muito envolvente no trabalho. Desde sua estreia no cenario musical Hillage adotou a arte de tocar guitarra sintetizada e é praticamente sua marca registrada, sera sempre eterna mesmo hoje atualmente com sua banda tecno System 7.
Trabalho este que se voce encontrar na sua frente (se tiver barato ainda mais) nao hesite em deixa-lo, nao ira decepcionar em momento algum.
Particularmente, acho um disco imperdível.
A primeira faixa Solar musick suite e como ja diz o nome, é uma suite que tem quase 17 minutos de duração, mas esta dividida em 4 partes, a mesma melodia que da inicio de entrada e o final da mesma incluindo muito fusion e arranjos crescentes muitissimo bem elaborados no meio da faixa.
Posteriormente vem Fish uma pequenissima vinheta interessante com muita marimba e vibrafone com metais acompanhando. Detalhe curioso: a entrada tem efeitos sonoros de bolhas na agua bem grandes e o mesmo no caso, foi incluso na banda tecno Orb - UFORB (1.992) que Hillage esta tambem presente na faixa "Blue room", mas aí tambem são outros assuntos.
The meditation of the snake, sao efeitos sonoros da guitarra sintetizada do guitarrista, parecem que sao pelo menos umas 03 tocadas ao mesmo tempo, e de arrepiar, chega ate a lembrar um pouco da faixa "Castle in the clouds" do Gong em Angels Egg (1.973).
The salmon song com quase 9 minutos de duração, talvez seja a ápice do trabalho, pois geralmente muitissimo apreciada pelos ouvintes, por outro lado muito tocada nas apresentações ao vivo da carreira solo do musico. Dividida em 04 partes, ja entra com um fortissimo arranjo de abertura de guitarra acompanhado do saxofone de Marlhebe e o ritmo de Moerlen, vai ficando crescente ate a entrada dos vocais de Hillage e Giraudy. Depois entra uma pequena seção acompanhada de um oboe, retornando os mesmos arranjos crescentes do inicio da musica finalizando a mesma.
Finalizando e fechando o album, vem talvez a faixa que é a mais complexa de todas do trabalho. "Aftaglid" de quase 15 minutos de duração, e a que esta dividida em mais seções: 7. Mistura rock, fusion, musica incidental do oriente, progressivo, funk e marcha. Esta é "batizada" com o inicio de abertura de um sino pequenino, entrando a guitarra com uma leve percussão, vai sendo crescente quando e tomada por um ritmo de marcha que vai progredindo por sinal ate que se tranquiliza com um violão acústico solando junto com o vocal de Giraudy. A guitarra volta em cena em ritmo de musica totalmente oriental acompanhada de tablas e uma timida flauta e o que já esta praticamente na metade da faixa e que Steve Hillage comeca a citar as letras da musica, imaginem isso ate o momento, porque ainda tem mais o outro restante da faixa. Quando Hillage termina as letras que encerram o Fish Rising, entra a banda toda acompanhando a guitarra num ritmo de rock que pra variar vai crescendo novamente ate que repentinamente o ritmo começa a ser tomado por um pequeno funk acompanhado ate por meio de palmas ( geralmente este pequeno trechinho e tocado em execucoes ao vivo e foi regravada no album For to next and not or de 1.983) e vai se crescendo ate que a guitarra vai ficando sozinha finalizando o album.

1. Solar Musick Suite: (16:55)
a) Sun Song (I Love its Holy Mystery (6:15)
b) Canterbury Sunrise (3:25)
c) Hiram Afterglid Meets the Dervish (4:05)
d) Sun Song (reprise) (3:10)
2. Fish (1:23)
3. Meditation of the Snake (3:10)
4. The Salmon Song: (8:45)
a) Salmon Pool (1:17)
b) Solomon's Atlantis Salmon (2:08)
c) Swimming with the Salmon (1:37)
d) King of the Fishes (3:43)
5. Aftaglid: (14:46)
a) Sun Moon Surfing (1:36)
b) The Great Wave and the Boat of Hermes (1:51)
c) The Silver Ladder (0:40)
d) Astral Meadows (2:01)
e) The Lafta Yoga Song (2:42)
f) Glidding (2:23)
g) The Golden Vibe/Outglib (3:33)

Download: http://www.megaupload.com/?d=TW34Q885

terça-feira, 27 de outubro de 2009

Happy The Man - Crafty Hands (1978) [USA]



Formada em 1974 pelo tecladista Kit Watkins (também conhecido por rápida passagem no Camel), Frank Wyatt, Stan Whitaker e Rick Kennell, a banda surgiu com o nome tirado a partir de um antigo single do Genesis. A partir de alguns contatos a banda chama a atenção de Peter Gabriel, quando consegue um bom contrato com a Arista, lançando no ano de 1977 o primeiro disco auto-intitulado Happy the Man. Para a formação que viria a gravar Crafty Hands, a mudança é o baterista Mike Beck que sai dando lugar ao excelente Ron Riddle.
Crafty Hands foi lançado em uma fase na qual o rock progressivo começava a mostrar nítidos sinais de decadência. O destaque inevitável é o trabalho do virtuoso tecladista Kit Watkins, com formação em música clássica e influenciado por Jan Hammer, junto ao baterista Ron Riddle. Happy The Man traz uma mescla de space-fusion e sofisticado progressivo sinfônico na linha de Yes, Camel e Gentle Giant, arranjos com densas camadas de teclados e guitarras alternando momentos bem viajantes com quebradeiras complexas. O disco ainda é bastante marcado por compassos de divisões ternárias.
A linda Service With A Smile foi uma excelente escolha para abrir o disco, deixa a impressão de que um trabalho primoroso está por vir.
Bons momentos também são encontrados em Ibby The Way It Is, Streaming Pipes, trazendo uma sonoridade meio Dixie Dregs. Com exceção de Wind Up Doll Day Wind, uma excelente música que lembra um pouco Genesis, o disco é quase totalmente instrumental.
Open Book é uma das melhores do disco, traz lindos sons de recorder e cravo, bastante folk em uma sonoridade medieval, ao mesmo tempo complexa e viajante.
I Forgot To Push It traz frenéticas quebras de tempo mas imagino que seria bem melhor se abrisse espaços para improvisos e tivesse alguns minutos a mais. Trazendo músicos tão virtuosos talvez esse seja um dos pecados deste disco, em alguns momentos estes parecem muito presos na busca de uma execução precisa, além de eventualmente buscar uma sonoridade space muito etérea e asséptica carecendo de maior energia, vibração e emoção, como acontece em Morning Sun e The Moon, I Sing. Quem souber lidar com esse pequeno revés vai se deparar com um disco maravilhoso.
Como pode ser observado a partir da diversidade presente em Open Book, Streaming Pipes e Wind Up Doll Day Wind, Crafty Hands não se mostra um disco muito coeso musicalmente, mas a qualidade das composições, a precisão e o nível técnico são mantidos sempre muito elevados. Esse disco pode não ser uma obra-prima mas certamente está entre os melhores discos produzidos nos EUA durante os anos 70 em termos de qualidade, bastante recomendado.
No ano de 1999 a banda voltou à ativa e participou do Festival NEARFest trazendo praticamente a mesma formação de Crafty Hands: Stan Whitaker, Frank Wyatt, Rick Kennell, Ron Riddle e uma surpresa, David Rosenthal substituindo Kit Watkins, considerado uma das peças mais importantes do grupo.

1.Service With A Smile (2:42)
2.Morning Sun (4:05)
3.Ibby It Is (7:51)
4.Steaming Pipes (5:42)
5.Wind Up Doll Day Wind (7:10)
6.Open Book (4:54)
7.I Forgot To Push It (3:03)
8.The Moon, I Sing (Nossuri) (6:16)


sexta-feira, 23 de outubro de 2009

Fruupp - Future Legends (1973) [U.K]



Disco de estréia desta ótima banda irlandesa liderada pelo guitarrista McCusker.
Vincent McCusker viajou pela Inglaterra atrás de músicos capazes de ingressar na banda idealizada por ele, porém de volta à casa, McCusker decidiu chamar músicos locais mais adequados a idéia de mesclar a sonoridade típica do folclore irlandês ao rock progressivo.
A estréia veio em um disco extraordinário, onde o genial guitarrista se cerca da música do país natal e cria uma bela melodia.
A abertura do disco nada mais é que alguns poucos segundos de uma música típica seguida de uma canção que principia leve, cantada e vai crescendo até explodir a partir de um grito que chama a guitarra do mestre. "Decision" é uma canção de beleza marcante e a melodia irá se repetir por todo o disco. É uma pequena obra prima de pouco mais que seis minutos. Segue-se "As Day Breaks with Dawn", abrindo de leve e chegando a voz marcante, em um ritmo marcheado, seguindo a melodia, e voltando a leveza em um quase sussurro. Também é onde surge, lindamente, um oboé.
"Graveyard Epistle" é outra bela canção que segue o extraordinário padrão do álbum. Acelerada de início, quase continuando a canção anterior, vai para a leveza do canto de McCusker e para o marcante oboé que se apega aos ouvidos seguido de lindas passagens de teclados e guitarras.
"Lord of the Incubus" abre com um belo solo de guitarra e um vocal de barítono para entrar na marcação sem perda de qualidade. Destaque para os teclados e contrabaixo, e para o puro rock no centro da canção, além do lindíssimo final onde um guitarra sola mínimos acordes.
E vem "Olde Tyme Future", grafia provavelmente de algum dialeto irlandês, que em nada perde para as anteriores, belamente executada.
A sétima canção, depois de uns trinta minutos de excelente progressivo, chega ao ápice, à máxima qualidade, com uma explosão de guitarra e bateria, depois segue viajante, e se encerra com um assombroso solo de McCusker.
Este álbum termina com quarenta segundos de folclore irlandês que todos já ouviram em centenas de outros discos, mas cabe bem demais em uma banda local, cantados em coro.
O disco de estréia da banda, apesar de um tanto tardio para os padrões da região, é lindo, obrigatório em qualquer discografia.

1.Future Legends - 1'27
2.Decision - 6'21
3.As Day Breaks With Dawn - 4'58
4.Graveyard Epistle - 6'14
5.Lord of the Incubus - 6'20
6.Olde Tyme Future - 5'33
7.Song for a Thought - 7'25
8.Future Legends - 0'47"

Premiata Forneria Marconi - Per un Amico (1972) [Italy]



Lançado em novembro de 1972, apenas nove meses após o primeiro álbum (Storia Di Un Minuto), esse disco é considerado por muitos como eu, o melhor do grupo, que existia desde os meados da década de 60 com o nome “I Quelli”, mas, sem o multinstrumentista Mauro Pagani, que entrou em 71 para mudar o rumo da banda.“Per Un Amico” começa com “Appena Un Po”, que entra lentamente com um órgão e um lindo violão dedilhado recebendo a companhia de uma flauta, notas de cravo e, depois, chegando à um som único de todos os instrumentos. O som fica pesado quando guitarras surgem , abrindo para uma bonita e calma cantoria culminando com uma excelente melodia feita no órgão, que é seguida de uma parte instrumental, contando com solos de flauta. No final, novamente, a bonita cantoria culmina com a melodia feita no órgão. A melodia se repete, só que no sintetizador, no término da faixa.Instrumental, “Generale” é uma agitada música que começa com vibrantes batidas de bateria até a entrada de um estrondoso solo do Moog de Premoli acompanhado de violino e piano. No meio da faixa, aparece uma marchinha junto com flautim, abrindo espaço para mais um solo de sintetizador, que termina quando uma nota grave de órgão é feita. Após alguns dedilhados de bandolim, o Moog retorna para fechar a faixa.A emocionante “Per Un Amico” é iniciada com solos de flauta e piano. Apresenta em toda sua extensão, a excelente atuação de todos os músicos. Destaque para as partes vocais, para Mauro Pagani com um ótimo solo de violino, para Franco Mussida com um ótimo solo de violão acompanhado de bandolim e, para Flavio Premoli, que mais uma vez, encontra espaços perfeitos para o órgão, o piano, curtas notas de mellotron e, o sintetizador, que finaliza a música com uma boa melodia.“Il Banchetto”, talvez a música mais conhecida do álbum, começa com um solo de violão e uma linda cantoria, que mais tarde é acompanhada de baixo e piano. Mauro Pagani faz mais um excelente e curto solo de flauta, que sai de cena para a entrada de um clima espacial criado pelo Moog e pelo violão, contando com rápidas notas de cravo fazendo parecer uma harpa e batidas de bateria. De repente, a música ganha um show à parte de Premoli, primeiro com órgãos, mellotron e sintetizadores, e depois, no piano. Chegando ao fim, a canção volta com todos os instrumentos, em uma passagem perfeita, com destaque para o baixo de Piazza e, a bela cantoria da banda, que faz um coro no final.Um solo de flauta inicia “Geranio”. A faixa possui, novamente, a boa cantoria do grupo e uma parte bem calma, que se torna contagiante após notas crescentes de piano, onde a bateria entra com tudo junto com um solo de cravo e as vozes de todos. A melodia se repete somente no piano, que faz introdução para notas graves de sintetizador com o baixo acompanhando. Essa parte acaba quando o maravilhoso violino de Pagani entra em ação e é interrompido abruptamente pelo som de um gongo. A música recomeça lentamente com a parte cantada e vai ganhando um som pesado com ótimas batidas de bateria, dedilhados de violão e um baixo bravo. Para terminar, pequenas notas de piano seguidas de um maquiavélico solo de Moog e, sons de sinos e campainhas. É, na minha opinião, a faixa mais progressiva do disco.Indico esse álbum à todos, mesmo aqueles que não apreciam rock progressivo, pois, como muitas bandas italianas do gênero, o PFM faz bem aos ouvidos.No dia 20 de dezembro de 1972, ao assistir um show da banda em Roma, Greg Lake (ex-King Crimson e atual ELP), surpreso com o som destes italianos, apresentou-os ao seu amigo Pete Sinfield (letrista do King Crimson). Lake fez a banda assinar com o selo inglês Manticore, o mesmo do ELP. Como o grupo queria conquistar o público inglês e, consequentemente o mercado norte-americano, foi lançado em março de 1973 o álbum “Photos Of Ghosts”, que nada mais era, que todo o disco “Per Un Amico” gravado em inglês, exceto a faixa “Il Banchetto” que permaneceu em italiano, mais “Celebration” versão de “É festa” do primeiro álbum e, uma nova música entitulada “Old Rain” composta por Premoli. Conquistaram os visados mercados, mas, até hoje, muitos norte-americanos e ingleses preferem, assim como eu, o idioma italiano, que além de combinar com o som do grupo, deixa a música ainda mais peculiar.De 1974 até os dias de hoje, o Premiata contou com várias formações, sempre com o guitarrista Franco Mussida à frente da banda. Desde então, o grupo alternou discos bons e regulares, tendo uma fase jazz no final dos anos 70 e início dos 80 e, uma fase pop ao longo dos anos 80. Nos anos 90 voltaram a produzir um bom rock, não digo progressivo, pois, como a maioria das bandas de progressivo dos anos 70, talvez o PFM nunca mais faça discos tão bons quanto os que fizeram até meados dos anos 70, tudo isso progressivamente falando. Quase chegou a vir ao Brasil no início de 2002, mas, por falta de patrocínio, com certeza perdemos uma inesquecível apresentação. Recentemente, durante a turnê de 2002, lançaram em CD e DVD o show “Live In Japan 2002”, que conta com Peter Hammil do Van Der Graaf Generator como vocalista na faixa “Sea Of Memory”.

1.Appena Un Po’ (07:38)
2.Generale (04:13)
3.Per Un Amico (05:20)
4.Il Banchetto (08:34)
5.Geranio (08:04)

Download: http://www.mediafire.com/file/tzomj3z5r2d/premiata%20forneria%20marconi%20PFM%20-%20per%20un%20amico%20(1972).rar

quinta-feira, 22 de outubro de 2009

The Alan Parson Project - Tales of Mystery and Imagination - Edgar Allan Poe (1976) [U.K]



O nome de Alan Parson, como produtor, engenheiro de áudio dos estúdios Abbey Road, compositor, arranjador e intrumentista solidificou-se desde o final dos anos 60. Apesar de ter trabalhado com Paul e os Beatles, Hollies e Ambrósia, foi com o Dark side do Floyd , que seu nome ficou muito mais conhecido e possibilitou a ele ganhar vários prêmios e notabilizar-se no meio musical.
Então, em 1976,ele inicia seu Alan Parson Project incorporando o texto de um dos mais intrigantes e brilhantes poetas americanos: Edgar Allan Poe em Tales of Mystery and Imagination, uma obra clássica e até hoje considerada pela crítica como insuperável em toda sua carreira. Embora utilize muitos elementos de pop progressivo neste trabalho ele deve ser considerado sinfônico e orquestral. Apresenta diversos aspectos relevantes, desde a narrativa de Orson Wells, até a participação do legendário Arthur Brown, com sua voz característica mas muitas vezes indistinguível do Cris Farlowe do Atomic.(é o que se pode conferir na maravilhosa faixa, The Tell-tale Heart) . O tema central é The raven, retomado em The system of Doctor Tarr and Professor Fether, mas o ponto alto e progressivo deste trabalho é suíte instrumental The fall the house of Usher, orquestral e erudita. O trabalho é encerrado por uma faixa mais pop sem comprometer sua qualidade além do que The cash of Amontillado é um lamento melódico muito interessante. O trabalho tem produção irrepreensível e uma qualidade técnica excelente considerando a maturidade de Parson, que praticamente produz e toca sinths e eventualmente cathedral organ. Com o apoio total do parceiro Eric Woolfson e de alguns músicos de estúdio Parson produz um clássico progressivo para ficar na história do gênero. Embora muitos possam até lamentar sua metamorfose após seus primeiros trabalhos no final dos anos 70, só com Tales of Mystery and Imagination ele já teria feito o suficiente.


1.A Dream Within A Dream
2.The Raven
3.The Tell-Tale Heart
4.The Cask Of Amontillado
5.(The System Of) Doctor Tarr And Professor Fether
6.The Fall Of The House Of Usher
I Prelude
II Arrival
III Intermezzo
IV Pavane
V Fall
7.The One In Paradise

Benoit Widemann - Stress! (1977) [France]



O tecladista francês Benoit Widemann, que desde muito jovem esteve junto a bandas de fusion e progressivo, sempre teve uma queda pelo jazz-rock e estilos afins. Possuidor de boa técnica, velocidade e grande conhecedor de sintetizadores, participou de uma das formações do Magma, entre 75 e 77, talvez uma das mais poderosas, contribuindo para pelo menos 3 álbuns de Vander e cia.
Destacaria três faixas desse album:
"Herbes Sol" talvez seja a faixa mais complexa do álbum. Com mais de 6 minutos, Widemann brinca com todos os sintetizadores, lembrando bastante a fase "Stratosfear" do Tangerine Dream. Bela composição, bela atmosfera. Já vale o álbum.
"Quaternaire" é fusion da melhor qualidade. Do início, com o fraseado "quente" ao Fender Rhodes, passando pelo o início dos ritmos super cadenciados ao baixo até a super-exibição de sintetizadores proporcionada por Gauthier e Widemann, "Quaternaire" é uma amostra poderosa do quanto estes músicos poderiam fazer ao vivo.
"Spirale" é Magma revisitado. Sombria, evocando sintetizadores extra-terrenos, dezenas e dezenas de viradas de Bailly. Widemman brilha na criação da atmosfera inicial da música, estruturando pelo menos 3 camadas de teclados que, em momento algum se sobrepõe, permanecendo audíveis e buscando o fio central do tema. Nota 10.
Apesar desse album não apresentar uma boa gravação, não chega a ser o suficiente pra fazer qualquer bom ouvinte de prog, jazz e fusion deixar de apreciar este trabalho, e com certeza o nome do album em nada terá a ver com o humor de quem o escutou...

1.Balèze
2.Herbes sol
3.Stress!
4.Le Camp du Drap D'or
5.Demi-final
6.Quaternaire
7.Spirale
8.Fête au Septième Plan - Sacrifice
9.Final - part 1
10.Final - part 2

Download: http://rapidshare.com/files/28626524/Benoit_Widemann-Stress_.rar.html
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